作品と評価

ウィキペディア小見出し辞書

作品と評価

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2021/12/24 07:51 UTC 版)

「サミュエル・R・ディレイニー」の記事における「作品と評価」の解説

ジュディス・メリルは「現在のSF界でほとんど類のない地位にある-誰もが彼を愛している。”本格派”、気楽な読者、文学的ファン、”ニューウェーブ”派 - ディレーニイはすべての読者にとってすべてのものだ」とし、また『バベル-17』、『エンパイアスター」について「恐ろしくメロドラマ的で荒唐無稽な道具立てを、衝撃的なほど力強いイメージや洞察と混ぜ合わせる」と述べた。この時期のディレイニーについては、ブライアン・オールディス、デイヴィッド・ウィングローヴ『1兆年の宴』では「その特色は、レトリックの一形態としての過剰の美にある」「創作という実務への知的なアプローチと、SFではろくな使い方をされていなかった厖大なメタファーの宝庫の認知 - この二つこそ、ディレイニー作品でなにより評価されているものなのである」と記している。 『バベル-17』の主人公リドラは妻をモデルにしているといい、冒頭でマリリンの詩が引用されている。『エンパイア・スター』は少年が銀河文明の中心に向けた旅において、無知なるシンプレックスからコンプレックス、マルチプレックスへと成長していくワイドスクリーン・バロック的作品で、ダグラス・バーバーは「SF界でもっともすぐれた言葉の魔術師の一人であり、真の”作り手”なのである」「彼はSFのもっとも重要な実験家の一人となり、『エンパイア・スター』以降の小説では、新しい、そしてエキサイティングな小説手法を見つけては、自分の創作に取り入れているのだ」と評した。 『アインシュタイン交点』は遠未来の地球で文明の再建を目指す旅を描く物語で、ジュディス・メリルは「平易な表面の物語とリリカルな文章にまどわされてはいけない。これはいくたびも蒸留され、極度に濃縮された、濃密な化合物なのである」と評した。『アインシュタイン交点』(The Einstein Intersection)という題はドナルド・A・ウォルハイムが出版時に付けたもので、ディレイニーのつけていた元の題はA Fabulous, Formless Darknessであり、後年この題で刊行された版もある。また『アインシュタイン交点』の作中におけるゲーデルの不完全性定理についての説明が間違っていることは、後に本人も『静かな対話』の巽孝之によるインタビューの中で認めている。 『ノヴァ』は、銀河系の覇権を巡って、超エネルギー物質を採取するために爆発する新星（ノヴァ）の中心部に飛び込んでいくというスペースオペラを、プロメテウス神話や聖杯伝説など様々な神話や祖型の暗喩によって構成したもので、ジュディス・メリルは「見慣れた宇宙冒険物語の水面の下に、ディレイニーの内的世界の奇怪で豊かな生物相が群がり、きらめいているのだ」と述べ、『1兆年の宴』では「疑いもなく彼の最高傑作であり、『ザンジバーに立つ』、アレクセイ・パンシンの『成長の儀式』などの現代SFをはるかに凌いで、『アンドロイドは電気羊の夢を見るか?』と並ぶ出来ばえを見せている」と評ししている。。 『コロンビア大学版アメリカ文学史』(1988年)では、ラリイ・マキャフリイはディレイニーが「メタフィクション的構造によってSFと主流文学のはざまを縫う作家」と指摘され、イングリッド・ターラー『環太平洋系黒人思弁小説』(2010年)では、「今日隆盛をきわめるアメリカ黒人思弁小説全体の系譜において、ディレイニーはすでにひとりの優れた先覚者」であると認められている。

作品と評価

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2020/12/04 10:25 UTC 版)

「ルカ・デッラ・ロッビア」の記事における「作品と評価」の解説

ルカは、より戸外での耐久性があり、建物の外装に使うのに適したものを作るための、土器の釉薬を開発した。ルカの作品で、とくに有名なのに、『キリスト誕生』（1460年頃）と『聖母子』（1475年頃）、フィレンツェのサン・ミニアート教会ポルトガル枢機卿礼拝堂の、琺瑯細工したテラコッタの天井（1466年）などがある。 同僚であったレオン・バッティスタ・アルベルティは、ルカの才能は彫刻家のドナテッロ、ロレンツォ・ギベルティ、建築家のフィリッポ・ブルネレスキ、画家のマサッチオに匹敵すると賞賛した。

作品と評価

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2021/12/16 20:32 UTC 版)

「エルザ・レスピーギ」の記事における「作品と評価」の解説

エルザ・レスピーギの作品は、主にピアノ伴奏独唱曲によって再評価が進められつつある。夫の没後に2つのオペラを作曲したが、どちらも未だに上演されていない。

作品と評価

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2021/07/17 01:44 UTC 版)

「梁実秋」の記事における「作品と評価」の解説

五四時期に文学活動を始めた彼は、初期頃は詩を書いていた。1927年にアメリカ留学から帰国すると、散文にも着手し、散文の書き手として高い評価を得ている。また、新月社内で、トップの文芸批評家として活躍していた為に、数多くの評論集も残されている。シェークスピア翻訳でも有名であるが、梁実秋の作品は日本語訳されたものはなく作品を読む場合は中国語の資料のみとなっている。 散文集 雅舎小品 罵人的芸術 談聞一多 清華八年 実秋雑文 評論集 浪漫的古典的 偏見集 英国文学史 文学是有階級性嗎？ 論魯迅先生的硬訳 敬告読者

作品と評価

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/03/01 08:21 UTC 版)

「ヤン・ロセン」の記事における「作品と評価」の解説

ロセンはナポレオン戦争を題材とした戦争画で知られているが、11月蜂起を描いた作品もいくつか制作している。彼の作品の大部分は馬をモチーフとしており、軍服や武器を精緻に書き込んでいることでも知られている。しかし一方で、彼の作品は歴史を教える以上の役には立たないという批判もある。

作品と評価

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/07/24 14:00 UTC 版)

「宮沢賢治」の記事における「作品と評価」の解説

生前に刊行された唯一の詩集として『春と修羅』、同じく童話集として『注文の多い料理店』がある。また、生前に雑誌や新聞に投稿・寄稿した作品も少ないながら存在する（『やまなし』『グスコーブドリの伝記』など）。ただし、賢治が受け取った原稿料は、雑誌『愛国婦人』に投稿した童話『雪渡り』で得た5円だけであったといわれる。 しかし生前から注目されていた経緯もあり、死の直後から、主に草野心平の尽力により多数の作品が刊行された。最初の全集は（作品全体からは一部の収録ではあるものの）早くも死去の翌年に野々上慶一が営んでいた文圃堂より刊行され、続いて文圃堂から紙型を買い取った十字屋書店が、それに増補する形で1939年から1944年にかけて出版した。戦時下『雨ニモマケズ』は滅私奉公的に受け取られ、求道者としての賢治像ができあがった。戦後は筑摩書房から文庫判も含め数次にわたり刊行されている（#作品一覧参照）。戦後は賢治の生き方や作品にみられるヒューマニズムを聖化する一方、反動としての批判『雨ニモマケズ』論争が行われるなど再評価の動きもあらわれた[要出典]。 賢治の作品は、一旦完成した後も次から次へ書き換えられて全く別の作品になってしまうことがある。これは雑誌に発表された作品でも同様で、変化そのものが一つの作品と言える。『農民芸術概論綱要』においても「永久の未完成これ完成である」という記述がある。多くの作品が死後に未定稿のまま残されたこともあり、作品によっては何度も修正した跡が残されていて、全集の編集者が判読に苦労するケースも少なくなかった。そうした背景から原稿の徹底した調査に基づき、逐次形態を全て明らかにする『校本 宮澤賢治全集』（筑摩書房、1973～77年）が刊行され、作品内容の整理が図られた。これ以後、文学研究の対象として、賢治とその作品を論評する動きが増え、精神医学や地学、物理学など他の領域や時代背景を踏まえた論考も多くなった。 死去から49年後の1982年、花巻市矢沢の胡四王山に花巻市立宮沢賢治記念館が開館している。 草稿調査によって、賢治の遺稿はほぼ調べ尽くされたと見られていたが、生家の土蔵から未発表の詩の草稿1枚（地形図の裏に書かれたもの）が発見されたことが2009年4月に公表され『新校本 宮澤賢治全集』別巻（筑摩書房）に収録された。 広く作品世界を覆っているのは、作者自らの裕福な出自と、郷土の農民の悲惨な境遇との対比が生んだ贖罪感や自己犠牲精神である。また幼い頃から親しんだ仏教も強い影響を与えている。その主な契機としては浄土真宗の暁烏敏らの講話・説教が挙げられる。特に18歳の時に同宗の学僧である島地大等編訳の法華経を読んで深い感銘を受けたと言われる。この法華経信仰の高まりにより、賢治は後に国粋主義的な法華宗教団「国柱会」に入信するが、法華宗は当時の宮沢家とは宗派違いであったので、父親との対立を深めることとなった。弱者に対する献身的精神、強者への嫌悪などの要素は、これらの経緯と深い関わりがあると思われる。また、良き理解者としての妹トシの死が与えた喪失感は、以後の作品に特有の陰影を加えた。 また、童話作品においては擬声語を多用し、作品によっては韻文にも近いリズム感を持った文体を使用したことも大きな特徴である。賢治の童話は同時代に主流とされた『赤い鳥』に掲載されるなどしていた児童文学作品とはかなり異質なものであった。 賢治の作品には世界主義的な雰囲気があり、岩手県という郷土への愛着こそあれ、軍国主義や民族主義的な要素を直接反映した作品はほとんど見られない。ただ、24歳の時に国柱会に入信してから、時期によって活動、傾倒の度合いに差はあるものの、生涯その一員であり続けたため、その社会的活動や自己犠牲的な思想について当時のファシズム的風潮との関連も議論されている。晩年には遺作『銀河鉄道の夜』に見られるようにキリスト教的な救済信仰をも取り上げ、全人類への宗教的寛容に達していたことが垣間見られる。宗教学者からは、賢治のこうした考え方の根本は、法華経に基づくものであると指摘されている。この宗教的思想と自然科学の融合した独自の世界観は第二次世界大戦後に日本国外の研究者からも評価され、1996年9月、宮沢賢治生誕100周年を記念して花巻市にて開催された宮沢賢治国際学会では20ヶ国程の研究者、翻訳者が集ったことを歴史家の色川大吉は著書で言及している。 賢治は自ら学んだエスペラントでも詩作を試みたが、公表されたのは1953年である。これらの作品のほとんどは自らの作品のエスペラントへの翻訳、改作である。 1998年頃に、山折哲雄がある小学校で授業をした際に、賢治の3つの作品『風の又三郎』『注文の多い料理店』『銀河鉄道の夜』を示し、これらに共通する問題があり、それは何だと子供たちに問い、自らは風がすごく大きな役割を果たしている、この3つの童話の中心的大問題は「風」だと力説した。この時、子供の一人が「猫」だと言おうとしたが、山折が「風」と言ったのであれっと思ったが、山折の話を聞く内にやっぱり「風」だと思った。ところがこのエピソードを聞いた河合隼雄は、賢治作品における猫の役割の重要性をずっと考えていたため、「猫と風」というヒントから、風のつかまえどころの無さと優しさと荒々しさの同居、少しの隙間でも入り込んでくる点など猫との共通点を感じ、賢治作品に登場する猫は、正にそのような性格を持って登場すると論じている。賢治の『猫』という短編には「私は猫は大嫌いです。猫のからだの中を考えると吐きそうになります」という一節が見られる。しかし、この「猫」は高瀬露が転嫁された表現であり、実際に賢治が猫嫌いだったわけではないという指摘もある（ますむらひろし著『イーハトーブ乱入記―僕の宮沢賢治体験』[要ページ番号]）。 愛知県出身の児童文学作家である新美南吉は、賢治の作品を読んで評価し、没後の1934年に開かれた「宮沢賢治友の会」に出席した 。

作品と評価

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2013/02/22 01:06 UTC 版)

「サミュエル・コールリッジ＝テイラー」の記事における「作品と評価」の解説

コールリッジ＝テイラーの最も成功した作品は、おそらくカンタータ《ハイアワサの婚礼（Hiawatha's Wedding-feast）》であろう。この作品は作曲者の生前からイングランドの合唱団によって幅広く上演され、ヘンデルの《メサイア》やメンデルスゾーンの《エリヤ》に肩を並べるほどの人気であった。《ハイアワサの婚礼》に続いて、カンタータ《ミンネハハの死（The Death of Minnehaha）》と《ハイアワサの旅立ち（Hiawatha's Departure）》が、また演奏会用序曲《ハイアワサの歌（Overture to The Song of Hiawatha）》も作曲された。マルコム・サージェントは、1928年から1940年にかけてロイヤル・アルバート・ホールにおける12年間に、厖大な人員を迎えて《ハイアワサの婚礼》を上演し、圧倒的な評判をとった。《ハイアワサ》の上演が終止符を迎えたのは、第二次世界大戦の勃発による。 このほかに、一連のアンセムや、ヴァイオリンのための《アフリカ舞曲（African Dances）》などの室内楽曲を完成させており、《演奏会用小組曲（仏語：Petite Suite de Concert）》は今でも定期的に演奏される。コールリッジ＝テイラーは、詩人コールリッジに因んで名付けられたにもかかわらず、どうしたものか《クビライ汗の伝説（The Legend of Kubla Khan）》を除いてコールリッジ作品には曲付けしなかった。 《ヴァイオリン協奏曲》は作曲者の存命中にアメリカ合衆国での上演が予定されたが、パート譜がタイタニック号によって運ばれたために演奏が遅れた。1998年には、《ハイアワサの婚礼》作曲100周年記念演奏会において、ハーヴァード大学のサンダース劇場で《ヴァイオリン協奏曲》が上演されている。

作品と評価

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2020/08/04 09:00 UTC 版)

「フランチェスコ・ダ・ミラノ」の記事における「作品と評価」の解説

フランチェスコ・ダ・ミラノは、すでに生前から並び立つ者なきヴィルトゥオーソとして高い評価を得ており、ちょうどミケランジェロの場合のように、「神々しいフランチェスコ（ il Divino ）」と呼ばれていた。フランチェスコのパトロンで占星術師だったルーカス・グヮリーコ（Lucas Guarico）は、フランチェスコ・ダ・ミラノについて「あらゆる音楽家の中で最も重要で最も秀でた音楽家であり（……）、彼が奏でるのがリュートであろうとなかろうと、オルペウスやアポローンをも凌いでいるのです」と教皇パウルス3世にしたためている。 フランチェスコ・ダ・ミラノの作品は、1536年から1603年までイタリアのほかフランスやドイツ、スペイン、スイス、オランダで出版された、40点以上の別々のタブラチュアによって発見された。さらに25の別々の手稿譜も、同じように広く流布した。フランチェスコ・ダ・ミラノの作品は、ルネサンス・リュートのためのファンタジアという楽種と、リチェルカーレという楽式に、つねに関わり合っている。フランチェスコ・ダ・ミラノの作品は、こんにちリュートやギターの演奏を通じて親しまれている。

作品と評価

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2020/11/14 21:41 UTC 版)

「アゴスティーノ・ステッファーニ」の記事における「作品と評価」の解説

場面と衣装があるにせよ、オペラがしだいに格式張った演奏会の性質に近づいた時期にあって、ステッファーニは自作のオペラの中で、舞台運営に炯眼を発揮した。だがバッキンガム宮殿王立図書館所蔵の自筆譜について言うと、これらのオペラは全くもって知られていない。それでもステッファーニは、2声と通奏低音のための室内カンタータなどの二重唱作品は、美しさゆえに忘れられることはなかろう。大英図書館は、これらの魅力的な作品を100曲以上所蔵しており（書籍番号 Add. MSS. 5055 seq.）、そのいくつかは1679年にミュンヘンで出版されたものである。 ステッファーニは、声楽曲においては、しばしばアレッサンドロ・スカルラッティに劣るとされ、意図の真摯さにおいてナポリ楽派の巨匠たちに比肩し得るような二重唱は一つもないものの、それでも十分魅力的である。一方、器楽曲形式の熟練において、同世代のイタリア人作曲家（たとえばスカルラッティ）とは、いくぶんかけ離れていた。その重要性は、当時のドイツ人作曲家が目指した「趣味の和合」を独自に実現させ、ヘンデルの芸術的発展の一因となった点にある。たとえばオペラ用序曲は、イタリア音楽の甘美さと、フランス音楽に影響された、論理的で明晰な構築性とが結び付けられている。

作品と評価

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/08/04 23:30 UTC 版)

「日夏耿之介」の記事における「作品と評価」の解説

文体は、まず『轉身の頌』序文にて「象形文字を使用する本邦現代の言語は、其の不完全な語法上制約に縛られて、複雑の思想と多様の韻律とを鳴りひびかするに先天的の不具である。」ことから、「象形文字の精霊は、多くの視覚を通じて大脳に伝達される。音調以外のあるものは視覚に倚らなければならぬ。形態と音調との錯綜美が完全の使命である。」として「黄金均衡（ゴールドウン・アベレイジ）」を目指すものとされ、『黒衣の聖母』序文にいたり「假にゴスィック・ロオマン詩體ともいはばいうべき詩風」が「最近の私といふ人間の思想感情はこれらの詩によって最も妥當に表現せられる」と述べられた。そして「黒衣聖母に芽生え黃眠帖に成長したわたくしのいはゆるゴシック・ロマン詩體が、順当に煉金叙情詩風として展開したのが『咒文詩集』であった」（創元社版全詩集「敍」）と語られた。これはその詩を口ずさむことによって「音調と形態とは、精神の不可思議な領域に於いて渾然と交感し照応しつつ、交響楽の力強さを以って「喚起の魔術」を達成するのである。」、また特殊な措辞、象形文字の多用については「古語も廃語も俚語も難語も奇語も、一切が、旋律の逞しい息吹に協力する緊密な諧音と、かけがへのない和声となるのだ。」（齋藤磯雄）と評された これらは「詩と評論と学的研究とこの三つのジャンルに亙ってそれぞれ優に一家を成す堂堂たる業績」の賦才が「裡に緊密に相結合し、相補っている」（佐藤正彰「解説」（『日夏耿之介詩集』新潮社 1953年）と評される。『轉身の頌』発表時には、柳澤健「マラルメよりももっと容易に奪取できない城砦を、霊魂の劇場を、所有している!」（読売新聞）、堀口大學「私は思い出す、あの有名なマラルメがエロヂアッドの一節なる次の詩句を＜Qui C’est pour moi, que je fleuris…＞」（『三田文学』9巻2号）など、ステファヌ・マラルメの詩風に擬して評された。 「視覚的要素の、審美的な重要性」のために、活字の形態に繊細であり、「大文字の奢侈な印本を必要とする」など、本の装幀への強いこだわりも持っていた。 日本の作家では、上田秋成、森鷗外、幸田露伴、樋口一葉、泉鏡花らを高く評価しており、中でも永井荷風について多くの評がある。また、昭和初期において文壇大御所の低俗さを批判した者は荷風、日夏、佐藤春夫の3人のみだったと回想している。『明治浪曼文學史』では、ヨーロッパのロマン主義文学の発生と系統に比較して、日本の作品の比較文学的分析を行なっている。 澁澤龍彦は「西欧文明の隠れた大きな流れであるところの、世紀末デカダン文学やデモノロギア、神秘主義思想や魔法に関する前人未到の業績を残された」と述べている。また、三島由紀夫は1960年にワイルド『サロメ』の演出、上演にあたり日夏訳『院曲散羅米』を選び、自らの死後一周忌の上演演目にもこれを指定していた。

作品と評価

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/06/13 19:40 UTC 版)

「赤江瀑」の記事における「作品と評価」の解説

デビュー作の『ニジンスキーの手』のバレエや、歌舞伎、能などの古典芸能、『オイディプスの刃』の刀剣や「雪花葬刺し」の刺青などの伝統工芸、さらには養蜂（「殺し蜜狂い蜜」）や捕鯨（「幻鯨」）など、芸道と生の間の葛藤や破滅を官能的な筆致で描くことが多い。新作歌舞伎「大内御所花闇菱五幕十二場」（『金環食の影飾り』）もある。磯田光一が『オイディプスの刃』について「この小説のオイディプス神話はひどく日本化されている」と評したように、日本的な情緒と死生観が感じられる作風となっている。 瀬戸内晴美は「泉鏡花、永井荷風、谷崎潤一郎、岡本かの子、三島由紀夫といった系列の文学の系譜のつづき」として「中井英夫についで、この系譜に書き込まれるのはまさしく赤江瀑であらねばならぬ」とした。 山尾悠子は赤江作品のベスト5として、1「花夜叉殺し」、2「花曝れ首」、3「禽獣の門」、4「夜の藤十郎」、5 「罪喰い」または「春葬祭」または「阿修羅花伝」を挙げている（昭和56年6月現在）。また小説現代新人賞の受賞の言葉で赤江が引用したジャン・コクトーの「一度阿片を喫んだ者は、また喫む筈だ。阿片は待つことを知っている」を、赤江の小説観をよく言い表した言葉としている。 ペンネームの「赤江は赤潮」「瀑はアラシ」で、「一種の危機感」「自分にない荒々しさ」を意図するという。

作品と評価

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2020/05/18 18:58 UTC 版)

「フリードリヒ・キール」の記事における「作品と評価」の解説

キールは、ほとんどすべての楽種に手を染めたが、交響曲と歌劇は遺さなかった。作品は、自らがピアノを演奏したり指導したことに関連して、半数がピアノ曲である。そのほかに、さまざまなアンサンブルのための室内楽やピアノ協奏曲、合唱曲、宗教曲（レクィエム、荘厳ミサ、オラトリオ《ベツレヘムの星》）がある。 室内楽曲がキールの作品のかなりの部分を占めており、全作品のうちでも最も重要で最も優れた作品となっている。音楽学者・音楽評論家のヴィルヘルム・アルトマンは、キールの穏当な作風が正当な評価の妨げになっているとしながらも、ブラームスらの名を挙げた後、このように述べた。「（キールは）たくさんの室内楽曲を遺した。それらはどれも比類ないものである。」 1993年からフリードリーヒ・キール協会がケルンのドーア社（Verlag Dohr）と共同で、キール作品の校訂譜を出版しており、そこには新版だけでなく、初版も含まれている。

作品と評価

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2021/10/04 14:48 UTC 版)

「ヤコポーネ・ダ・トーディ」の記事における「作品と評価」の解説

ヤコポーネの100篇をこえる「讃歌 Laude」は、19世紀には神への愛に酔う狂気の詩人というロマン主義的な解釈で描かれることが多かった。20世紀に入るとより客観的な立場から見直され、ダンテ以前の優れた神秘詩人としての像が定着する。 イタリアの評論家デ・サンクティスは、芸術性を問題とせず、庶民の話し方を好んでまねるその作風を高く評価し、純粋で素朴な民衆の詩心をあらわしたものと考える。 ヤコポーネの傑作「スターバト・マーテル」は聖歌の詞として、アヴェ・マリス・ステラやサルヴェ・レジーナと並ぶ地位を確立している。

作品と評価

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2021/05/23 03:41 UTC 版)

「ジョージ・フレデリック・ワッツ」の記事における「作品と評価」の解説

後期の絵になると、ワッツの創作の目標は神秘的なイメージに変わってゆく。たとえば、抽象画に先鞭をつけたようなSower of the Systems』（1902年）がそうである。この絵の中の、星雲と星雲の活発なパターンの中にかろうじて見えるものは「神」である。ワッツの後期作品のいくつかは、ピカソの「青の時代」（en:Picasso's Blue Period）の作品を予言したかのように見える。 ワッツは肖像画家としても尊敬された。ワッツの肖像画に描かれた男女は、当時の重要な人物たちで、「名誉の家（House of Fame）」を作る目的があった。多くのワッツの肖像画が現在ナショナル・ポートレート・ギャラリーに所蔵されている。1895年に17点が寄贈され、その後さらに30点以上が加えられた。肖像画を描くうえで、ワッツは秩序だった安定性と動作の力の間に緊張感を持たせることに勤めた。さらにワッツは、モデルの顔に浮かんだ緊張と我慢の表れを強調することでも注目に値した。モデルの中には、チャールズ・ディルク（en:Sir Charles Dilke, 2nd Baronet）、トーマス・カーライル、ウィリアム・モリスらがいた。 晩年、ワッツは彫刻も作った。その中でも最も有名な作品が、巨大なブロンズ像『フィジカル・エネルギー』である。馬上の裸の男が、手を庇にして太陽を遮り、前方を見ている。当初それは、ムハンマド （マホメット）、アッティラ、ティムール、チンギス・ハーンに捧げられるはずだった。自然のままのエネルギシュな権力への意志を象徴化するつもりだったのだ。結局、この彫刻は大英帝国主義者のセシル・ローズに捧げられることになり、鋳造した1体は南アフリカ共和国ケープタウンのローズ・メモリアル（en:Rhodes Memorial）に設置された。ワッツのエッセイ『Our Race as Pioneers（開拓者としての我が民族）』で大英帝国主義支持を表明していて、ワッツはそれが進歩的な力になると信じていた。鋳造物のもう1体はロンドンのケンジントン・ガーデンズで、サーペンタイン池の北西を見下ろしている。 ワッツが死んですぐに、ワッツを敬ういくつかの伝記が書かれた。しかし、モダニズムの台頭でワッツの名声は失墜してしまった。ヴァージニア・ウルフは、喜劇『フレッシュウォーター』でワッツを皮肉に描写した。ワッツ・ギャラリーの元館長ウィリフリッド・ジャスパー・ウォルター・ブラント（en:Wilfrid Jasper Walter Blunt）が1975年に書いた伝記『England's Michelangelo（イングランドのミケランジェロ）』も、ワッツにとっては失礼きわまりないものだった。死後1世紀を経てようやく、ワッツの生涯と作品を建設的に研究したヴェロニカ・フランクリン・グールド『G.F. Watts: The Last Great Victorian（G・F・ワッツ：最後の偉大なヴィクトリア朝時代人』が出版された。