製作背景

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/05/07 00:45 UTC 版)

「ザ☆ウルトラマン」の記事における「製作背景」の解説

『ウルトラマンレオ』以降、ウルトラシリーズは長らく途絶えていたが、児童誌におけるウルトラマンの漫画連載が人気を博し、1977年ごろに子供向けから青年向けまでのウルトラマン関係の各種関連書籍やグッズは子供たちを中心に人気が続いていた。これは、平均視聴率12パーセントを記録した1978年の『ウルトラセブン』などの旧シリーズの再放送が夕方や早朝に定期的に放映されていた点や世界的なSF映画ブームによる他の特撮テレビシリーズや特撮映画への再評価が非常に大きかった。この状況の中で、ウルトラシリーズの新作が期待されていた。これに対し、円谷プロはTBSにSFブームが取り入れられた『愛と夢のロマンのシリーズ ウルトラマンIII』というタイトルのウルトラマンIII（三世）が活躍する新機軸でのウルトラマンの企画案を提出したが、当時は『宇宙戦艦ヤマト』などのアニメブームの真っ最中であったことや、限られた制作費の予算と今後のメディア展開を考え、あえて実写ではなくアニメ作品として制作することとなり、企画が練り直され第2稿の『愛と夢のロマンのシリーズ ザ・ウルトラマン』となり、本作品とストーリーや設定が変わりない第3稿の『愛と夢のロマンのシリーズ 新・ウルトラマン』が完成した。企画書にはアクションや怪獣の造形などに関し、アニメの表現力によって特撮の限界を超えられる旨が強調されていた。しかし、当時の円谷プロはアニメ作品の製作技術を持っていなかったため、『恐竜探険隊ボーンフリー』などでつながりがあった日本サンライズに作品製作を委託した。 @media screen{.mw-parser-output .fix-domain{border-bottom:dashed 1px}}劇中で使用される用語には、当時大ヒットした映画『未知との遭遇』からの影響（第1-3種接近遭遇など）が見られる。また、後半のスペースオペラ的な展開には、同じく当時大ヒットした『スター・ウォーズ』の影響が認められる。アニメブーム（特に『宇宙戦艦ヤマト』）の影響から、主人公・ヒカリ超一郎に古代進役の富山敬と、ウルトラマンジョーニアスにデスラー役の伊武雅之というメインキャスト、本作品のOPテーマとEDテーマの作詞を阿久悠が担当し、両方をささきいさおが歌うことになった。後半の母艦となるヤマトに酷似したデザインのウルトリア、ガミラス人を思わせる本作品最大の敵となるヘラー、一部女性キャラクターの顔立ちが、当時多くのアニメ作品に関与した松本零士の描くそれと酷似している点からも見て取れるという説もある。[独自研究?] 当時のアニメ撮影の主流だった16mmフィルムではなく、35mmフィルムで撮影したことで、オプチカル（光学合成）処理も群を抜く鮮やかな仕上がりとなった。また、当時の実写では難しかった複数や多数の怪獣やウルトラマンよりも巨大な敵との戦いなどもアニメーションであることの利点を活かして演出されている。 作品としては、タツノコプロ出身の鳥海永行や虫プロダクション出身の吉川惣司など、ベテランスタッフが制作に当たったため、起伏のあるドラマチックなストーリーが展開し、「主人公がウルトラマンであるがゆえに肝心な時に姿を消す」「主人公がウルトラマンに変身して怪獣を倒し活躍するも、評価されるのはウルトラマンばかりで人間としての自分は少しも認めて貰えない現実に苛立ちや不満を募らせ、葛藤する」という暗黙の了解がドラマ上の主題として正面から取り上げられ、主人公（すなわちヒカリ）の葛藤や周囲からの疑惑などを描かれたことが挙げられる。この主題は幾度かの変奏を経て、ウルトラマンの存在意義などの作品全体を意味付ける主題として昇華された。 チーフディレクターは第13話までは鳥海、第14話以降は神田武幸と表記されている。ディレクターの交代はスムーズに行われたわけではなく、本作品で設定助手を務めた日本サンライズの河原よしえの証言によると、ある日何の説明もなくディレクターの鳥海や担当プロデューサー、制作デスクといった主要スタッフが辞めてしまい（理由は不明）、神田が後任のディレクターとなるまでの約1か月半を残された新人スタッフだけでアニメ製作を行う状況だったという。完結編に当たる最終4話分では、高橋良輔や富野喜幸（現：富野由悠季）が変名で絵コンテを制作した。また、平成作品でCGIモーションディレクターを務めた板野一郎も、当時アニメーター（動画）で参加していた。 アニメ作品として製作された本作品はショーなどの都合上、放映当時から実写用のスーツも撮影用とアトラクション用の2種類が製作された。放映開始からまもない1979年7月21日に公開された映画『ウルトラマン怪獣大決戦』では、各ウルトラ戦士の紹介場面にて新規に撮影された実写フィルムでの活躍を見ることができる。また、映画『新世紀ウルトラマン伝説』にもジョーニアスが実写で登場している。そのほか、各種編集ビデオではアニメ映像が他のシリーズ同様に扱われている。 近畿広域圏でのウルトラシリーズのネット局は『レオ』までは朝日放送であったが、『レオ』終了直後の1975年3月31日のネットチェンジによって毎日放送に変更されており、毎日放送としては本作品がウルトラシリーズの新作の初放送となった。また、1979年10月5日からは同局の製作による『仮面ライダー（新）』も放送が開始されており、初めてTBS系列でウルトラシリーズと仮面ライダーシリーズが同時期に揃って放送されることとなった。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/08/10 17:00 UTC 版)

「恋の魔力」の記事における「製作背景」の解説

ドラマ終了から、続編制作に伴う再結成まで 本作は、前作『ガリレオ』の終了直後からKOH+再結成を望む声が多数上がっていたそうであり、ドラマ制作に関わったフジテレビジョンのプロデューサーの牧野正も「かねてより、KOH+の再結成要望が殺到していたことに加えて、私たちとしても、ドラマの続編をやる際は是非ともKOH+に引き続き、お願いしたいと思っていましたので、その旨を福山さんや、柴咲さんにお伝えしましたところ、快く承諾して頂けました。バラードではなく、軽快でアップテンポな曲にしてほしいとお願いをしましたが、その要望以外の事は全て福山さんにお任せさせて頂く形となりましたが、想像していた通りにイメージぴったりの素晴らしい曲を書いて頂けました。また、今回は海外での放送も決まっていて、海外の方のために各国のトップスターの方に主題歌をカバーして貰えるのはとても嬉しく思いましたし、何より、韓国語、中国語でそれぞれカバーをした、KARAのハラと、A-Linはまさに、曲のイメージにぴったりはまっておりました。」とコメントをしている。 福山雅治の楽曲に関するコメント 本作を制作した福山はこの曲に関して「ドラマプロデューサーの方からは『ガリレオ』と言うドラマは、全体を通してシリアスかつ重く、人間の業の深さを如実に現したような事件が起こっていく展開となっていくので、最後を占めるときは、明るいように終わらせたいと、希望があったので、僕なりの明るいポップチューンとして仕上げさせて頂きました。加えて1週間のスタートともなる月曜の夜に放送されると言うことなので、これから1週間、学業であれ、仕事であれ、頑張っていこうと思って貰えるような曲になればとの思いも込めさせて頂きました。歌詞としては、前回の「KISSして」は、内海薫をイメージしながら作ったんですが、今回は彼女のイメージを踏襲しつつ、岸谷美砂のイメージも盛り込みながら作詞しました」と語っている。 また、KOH+に関しては「柴咲コウさんとは、5年ぶりに共にレコーディングに参加させていただいたんですが、その5年前から伺えた繊細な表現力の豊かさの中に力強さが増していて、今回のレコーディングはほとんどが1発録りで、OKが出たほどに素晴らしかったですね。その時の表現力や集中力全てがこの曲にはつまったものに仕上がったので、是非ともその辺りも楽しんで頂けたらと思います。」と語っている。 本作を中国語でカバーしたA-Lin、韓国語でカバーしたHARAに関しては、「僕が作ったメロディーとトラックの上に異なる国の言語が乗ると、日本語とは全く異なる音の響き方を見せて、更に世界観と奥行きと幅を広げて貰えたのが、嬉しく思いますね。各国にどう届いてくれるかとても楽しみにしています。今回はレコーディングには参加できませんでしたが、もし機会があれば、今度は是非ともお二人とお会いして一緒にやりたいですね」と語っている。 柴咲コウのコメント 柴咲は本作のレコーディング当時の様子を振り返って「一緒に制作に携わった福山さんは、本当にプロデューサーなんだなって改めて感じる事が多かったですね。指示がとにかく、的確。技術的な面で細やかな所も指示してくれるのですが、基本はちゃんと肯定的にしてくれる分、下手に緊張することもなく、スムーズに行くことが出来ました。気持ちをちゃんと肯定的に乗せてくれるのでやりやすかったですね。前回の「KISSして」の時もその辺りのディレクションが的確でやりやすかった印象ですね。」と語っている。 また、2008年に『容疑者Xの献身』の主題歌『最愛』で再びユニットを組んで以降も交流が途絶えることはなく、柴咲が自身初のラジオレギュラー番組をスタートさせた際にサプライズでコメントを寄せたり、歌手デビュー10周年を締めくくるライブにも本人やファンも含めてサプライズでビデオメッセージを送ったりと、柴咲にとっての活動の節目節目に、労う等の交流が続いているのだと言う。 本楽曲を韓国語、中国語でカバーしたHARA、A-Linのコメント 本作を韓国語でカバーしたハラは「今回、この曲の韓国語バージョンを歌わせて頂くこととなってとても光栄な気持ちです。日本でも非常に有名なドラマであるとお聞きしておりましたし、福山さんと一緒に制作させて貰えるとは思っても見なかった事ですね。」と語っている。 本作を中国語でカバーしたA-Linは「今回の『ガリレオ』の主題歌として中国語版として歌えたことにとても光栄に思うのと同時に嬉しく思っています。今回の貴重な機会を与えてくださり、この素敵な曲を作り上げた福山さんには、直接的にお会いしたことがなく、まだお会いすることも出来てはおりませんが、とてもクリエイティブな能力を発揮していたなと感じられましたね。また機会があれば、今度は直接的に一緒に仕事が出来る時が来ることを楽しみにさせて頂いております。」と語っている。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2021/12/22 14:17 UTC 版)

「俺のRequest」の記事における「製作背景」の解説

本作はJUJUが自身のライフワークとしているカヴァー・アルバム『Request』シリーズ第4弾となり、これまでのシリーズでは一貫して女性歌手による楽曲をカバーしていたが本作では、全ての楽曲が男性歌手による楽曲で構成がなされている。本作発売以前にも、男性歌手のカバーを度々発表してきていたが、アルバムとしての発表は本作が初となった。本作からは先行シングルとして『奏/LA・LA・LA LOVE SONG』を自身の40thシングルとして発売しており、それを含めた全14曲で構成され、様々な音楽プロデューサー達と共に独自のアプローチによって楽曲と向き合い、制作された。 JUJUは本作の制作、発売に至るまでの経緯として以下のように語っている。 制作を決定した経緯について ある日、スタッフとの会話で「男泣きとか、男の涙ってキレイだよね。」と話していたことが切っ掛けだったのと、今年(2020年)ファンの皆さんと"繋がる"ためにこの14曲を選び出しました。 今年の4月にベスト・アルバム『YOUR STORY』を発売したのですが、新型コロナウィルスの影響で予定していたアリーナツアーが延期せざるを得なくなってしまって、なかなか皆さんとお会いできる機会が作れなくなってしまったんですよね。そこでどこかでどんな形でも良いから皆さんと少しでも繋がりを持つことができたら、と言う思いが日を追う毎に強くなっていき、色々な考えを張り巡らせました。そして繋がりたいと考えた際、オリジナルアルバムを出すよりも、この状況下、タイミングで皆さんにも聴きやすく知っていると思って貰えそうで、尚且つなるほど、と思って貰えるような繋がりが出来る手段の1つとして『俺のRequest』を作ろうと思うに至りました。 本作の裏テーマに関して 今回における裏テーマと言うか、14曲を通して言える共通項があるとしたら、"男の涙"なんです。例えば、ウルフルズの『笑えれば』ですけど、「一体どこに涙があるんだ？」って疑問をぶつけられそうですが、笑うためには泣くと言う段階を踏まなきゃそうならないし、一頻り泣いたからこそ笑うことが出来る、笑うことの大切さがあるんだ、と言う感じになりますね。そばにいる大切な人の存在に気付く事が出来た嬉しさ、そばにいると言う事自体に気付けた嬉しさ、夢ならば醒めないで欲しいと言う気持ちや、見つけたものを失いたくないと言う気持ちになると涙するんだろうと思います。別れを歌った歌なら、そこには悲しみの涙があったりとか様々な理由で流す涙があって、今回のアルバムの構想が出た時にスタッフとの会話で男泣きって本当に良いなって事でしたね。男性って泣いている姿を見せたくない、見られたくないって想いが強い人の方が多いとは思いますが、けどその涙は美しい、って話をずっとしていましたね。『Request』シリーズを好いていて下さるファンの方からも『男性アーティストのカヴァー・アルバム作らないんですか？』と言う言葉もいただいて、いつの日かはやりたいと思ってましたし、これまでにもシングルのカップリングに収録してきたカヴァーもありましたので、そこから選び抜いた上に新たにこれまで音源化したことのない楽曲を追加しました。 あと、これは最初のフラッシュアイディアでは実現しなかったことなんですが、今回の収録曲一曲につき、一人の俳優さんの泣き顔でビデオクリップが制作したかったので、今回、それを採用させていただきました。この曲はあの人の泣いた姿が見てみたいなって思い描きながら制作していった感じですね。けど、泣くことは人間として大切なことだと思うし、大人が過ごす毎日は忙しいけど、涙を流すと言うのは、心の汗に相当することだから、そう思いながらこれまでも作品を作り続けてきました。忙しい日々の中で、2時間もする映画を見るような時間はとても確保できないけど、5～6分くらいのビデオクリップならば合間にでも観ることは出来ると思うので、そこで泣いて欲しいなって言う感じのテーマを過去にもやって来ました。特にこのアルバムに収録された14曲はこの2020年だからこそ、私が最も欲しかった言葉の数々がギュッと凝縮されているなと、改めて思いました。 本作の制作を通して見えた景色に関して 今回は男性曲だけの構成でありとしつつも、改めて歌ってみると、男性目線からの景色は、今までの私は知ったつもりでいただけだったんだなって思うほどに目から鱗が度重なりました。これまで何百回と歌ってきたし、聴いてきてはいましたが、曲そのものの事を全然分かっていなかったんだなって気付く事が多かったですね。この曲は本当はこんなことを言いたかったんだなとか、レコーディングしながら思い浮かぶ人だとか、思い返すことがこれまで想像だにしなかった事の連続で、実はこの曲を深く理解していなかったんだなって感じましたね。あくまでも、そこにあるのは"私"であって"俺"の目線を持って見ていなかった事に気付かされる事が大いにありました。例えば、Mr.Childrenの『くるみ』は符割りを正確且つ完璧になるように歌うと、歌詞の説得力が100倍位に増していきましたし、サビはオリジナルの当て込み方でなくとも歌えましたが、歌詞のパートによっては歌い方が変わるだけでグイグイと迫りくる感じが強く伝わりましたね。制作中にディレクターと「ミスチルのスゴさはここにあるんだ。」って感動を覚えました。女性の方は今回のJUJUバージョンを女性に合うキーで、元気のない時にこれを歌うと、この曲ほど真理を付いた曲ってないと思って貰えると思います。 レコーディングの最初の頃にスキマスイッチの『奏 (かなで)』を歌った際、私やスタッフ全員が『「奏 (かなで)」ってこんな感じの曲だった？』って驚いてました。長らく名曲だと思って聴いてきたり、歌ってきましたが、繋がることの大切さが、まるで鬼気迫る勢いで伝わってくる歌になったんですよ。で、この曲を聴いたスキマスイッチ大橋さんから『これまでに自分が歌ってきたものも含めて、今までにないほどに切ない響きを持って聴こえました』とありがたいコメントをいただいたのですが、恐らくそれは、私の歌だからと言うより、全ての人の物の見方や感じ方がシフトしていく中で、作り上げられて出来上がった『奏 (かなで)』だったからなんだと思います。大橋さんの感じ方もそうだったからかもしれないし、松浦晃久さんによるアレンジも今だからこそ、あのアレンジに仕上げたかったんだと思います。 歌う際の心掛けと心境に関して カヴァーを歌う際はオリジナルが持つ世界観を邪魔しないようにと言う意識を常に持った上で歌っています。元々の曲の世界観に新しい解釈を持ったり、新たな意味合いを持たせようとするのではなく、純粋にその曲が心から好きで仕方ないと言う事と、小さい頃にみんなが知る曲を人前で歌った時のあの楽しい瞬間が今でも忘れられないと言う思いですね。そこにはオリジナル曲と、それを歌われるアーティストへのリスペクトのみですね。 新録曲と既存曲の選曲に関して 今回の14曲を選ぶにあたり、新録する曲に関してはファンからのリクエストと、これまでに関わりがあった方の楽曲を対象に選ばせていただきました。その中で唯一直接的な関わりがなかったのが、中西保志さんで『最後の雨』でしたね。これはファン投票第1位でして、絶対に歌いたいと思った曲ですね。新録でまず最初にレコーディングしたのは、久保田利伸さんで『LA・LA・LA LOVE SONG』でした。久保田さんとは、ニューヨークで初めてお会いしてジャズ・アルバム『DELICIOUS 〜JUJU's JAZZ 3rd Dish〜』でもデュエットさせていただいたり、兄さんと呼ばせて貰える程に交流させて貰ってます。この曲に背を押して貰えてアルバム制作が始まりましたね。レーベルメイトのフジファブリックの『手紙』は初めて聞いた際に号泣した曲でしたね。 平井堅さんの曲は絶対に入れたいと思いまして、『瞳をとじて』と『even if』の両方のどちらかにしようと両方歌ってみたんですが、今の私は『even if』の方が寄り添えるなと思ってこちらの方にさせていただきました。この曲はニューヨークに住んでいた時に友達から聴かされた初めての平井堅さんの曲で私にとっては平井との出会いの曲だと思っています。冨田恵一さんのアレンジがとにかく素晴らしくて主人公が『脳内ポイズンベリー』と言う脳の中で複数人でめくるめく会議が繰り広げられるマンガがあるんですが、その雰囲気みたいな宛ら鬱蒼とした森の中を彷徨い続けるイメージで、世界観を見事に描き出してくれていましたね。 サザンオールスターズの『Ya Ya (あの時代を忘れない)』は今回のアレンジは武部聡志さんがやってくださっていて、耳にしたときとふっとニューヨーク時代の頃を思い出したんです。今回のレコーディングでは一曲毎に色んな人や事を思い出していました。『YaYa〜』はどことなくこの人を思い出しながら歌うのだろう、そう思っていたら実際は全く違う、ニューヨークの頃の18年にも及ぶ思い出が走馬灯のごとく駆け巡って行った感覚を覚えて。ニューヨークにいた時、仲間と現地のカラオケバーで、みながみなサザンオールスターズの曲ばかりを歌っていて、そこを思い出してサビの所で泣けてしまって一度レコーディングを止めたりもしましたね。けど、歌詞の中の『いつの日にかまた』って所では気持ちの上では笑顔になるんですよね。会おうと思えばいつでも会えるはずなのに、その思い出が浮かび上がってきて驚いたのを覚えています。 『エイリアンズ』は本当に難しい曲でした。けどそれ以上に良い曲だったんですよね。人生で初めて"一聴き惚れ"したのが、キリンジの堀越泰之さんの歌声でした。この曲が収録された3』のCDアルバムはもう擦り切れてしまうんじゃないかってくらい聴き込みましたね。。 山崎まさよしさんの『One more time, One more chance』はずっと昔から大好きな曲でいつかレコーディングしたいとかねてから思っていて、今回、ようやく念願が叶いました。アレンジは今回島田昌典さんにお願いしてやってもらいましたね。 秦基博さんの『アイ』は普段の私はチームJUJUの中では"歌うこと"が主な役割だと思っているので、それ以外は全て専門のスタッフに任せているのですが、今回に関しては音のイメージがすごく浮かび上がってきたので、アレンジメントを務める本間昭光さんに対して「心がクシュッとなる切なさがほしいですね。雪山で吹雪いているのに、晴れ間が見えた際のあの独特の泣ける感じがあるじゃないですか...後は、笑ってはいるのに涙を流しているような切なさが欲しいんです。」って直々にお願いしました。抽象的で無茶な注文だったのですが、本当にイメージぴったりの音にしてくださったんです。こんな事は私にとっては初めての事で、本間さんには感謝しかありませんね。 『言葉にできない』について 私にとってこの『言葉にできない』は小田さんに対してのラブレターの意味合いがあります。2009年に初めて『クリスマスの約束』に読んで頂けたときにイベントやライヴでも何度も共演させていただいて、この曲を共に歌わせて頂けた機会があって『あなたに会えて 本当に良かった』辺りの部分は『JUJUが歌え』って言われるんです。なので、その時は必ず小田さんの目を見ながらしっかりと歌っていますね。いついかなる別れがあったとしても、その出会いがあって良かったなと言う思いが常であると言うことと、喜びも悲しみも全て含めて言葉にできないと言う想いを歌うこの曲をアルバムの最後に置く事に致しました。 アルバムに込めた想い等に関して 『ジュジュ苑』の時にもお話しした事になりますが、誰かに対してとか、何かに対して言葉で100%で伝える事って絶対に出来ないと言うか、100%の言葉なんて存在はしないだろうし、だから人がいなくなり、物が失くなった時に必ず心残りが生じてくるんですよね。けど、それを思い出させてくれるのも、癒してくれるのも、残った思いをその人に届けてくれようとしてくれるのも音楽だと思います。それは今年に入ってから特にそうだし、私の生きる中でもそう思っていましたし、今回のアルバムに収めた曲たちは特にその思いが詰まった曲が大半ですね。その位置付けからも『ジュジュ苑』も本作も2020年の今年でなければ、今年であったからこそ出来たもの、作れたものだと思ってますね。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2020/12/16 08:55 UTC 版)

「ナルニア国物語 (映画)」の記事における「製作背景」の解説

生前、C・S・ルイスは映画化によってキャラクターや空想的な要素を忠実に再現できるかに懐疑的で、『ナルニア国ものがたり』シリーズの映画化権を売らなかった。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2021/05/29 02:08 UTC 版)

「名探偵コナン ホームズの黙示録」の記事における「製作背景」の解説

『名探偵コナン』シリーズ原作者の青山剛昌は、2003年にロンドンを舞台とした話を描こうと考えていた。そのために青山は実際にロンドンへ行き、物語に登場する各所を訪れた。訪れなかった場所にはGoogleマップを使用した。旅行中に、作中で重要な場所として使用されたビッグベン付近の電話ボックスとウェストミンスター橋の "Valley of Fear" と刻まれた排水管についてメモしていた。物語製作中に、青山はテキストに英語を取り入れて、困難を表現した。また、作中のプロテニス選手であるミネルバ・グラスは、シュテフィ・グラフを元に創り、コナンが試合中のミネルバに話しかける場面は、1996年ウィンブルドン選手権女子シングルスで、グラフのファンが観客席から試合中の彼女にプロポーズをした場面を元にしたと明かしている。新一の告白は、シャーロック・ホームズの乏しい人間関係力と「厄介な難事件」の言葉を念頭に作った。 物語は小学館の『週刊少年サンデー』に2010年8月18日発売の36号から同年10月27日発売の46号にかけて掲載され、総話数は全10話に及ぶ。個々の話は2011年2月18日と同年6月17日に発売された単行本71巻と72巻に収録されている。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2014/11/15 05:51 UTC 版)

「pedit5」の記事における「製作背景」の解説

pedit5という名前は、PLATOシステム上のプログラムを行うワークスペースを指し、 Rutherfordが当時所属していたイリノイ大学の研究グループ"Population and Energy"に由来する。 グループに割り当てられた"pedit1"から"pedit5"までの5つのワークスペースのうち 1から3は実際の研究に用いられ、4をゲームのマニュアル、5をゲーム本体の格納スペースとしていたが、 システム管理者によってPedit5は削除された。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2018/12/15 15:11 UTC 版)

「雨さえも」の記事における「製作背景」の解説

本映画はアメリカの歴史家であるハワード・ジンに捧げられている。脚本を務めたポール・ラバトリー（英語版）は「ハワード・ジンの著作『民衆のアメリカ史』の中で、コロンブスを新大陸を発見した偉大な航海者という従来のイメージではなく『金儲けにとりつかれた人物』として描き、先住民の側に立ったバルトロメ・デ・ラス・カサスがあまり語られていないと指摘したことに触発されて本作の構想が生まれた」と語っている。また、ラバトリーは「ボリビアで起きたコチャバンバ水紛争は、スペイン植民地時代の黄金を巡る闘いの今日版であり、人民が権利を要求すると、権力側が武力を持って人民を隷属状態に置こうとする普遍的な問題を扱った」と説明している。 本作の監督であるイシアル・ボジャインも、「映画の中で撮影される新大陸への侵略の歴史と撮影時点の2000年の水紛争に接点をもたせ、本作が繰り返される歴史の一環として水紛争をとらえたもの」をうかがわせる発言をしている。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2021/12/30 01:27 UTC 版)

「サイアミーズ・ドリーム」の記事における「製作背景」の解説

1991年にリリースしたデビューアルバムの『ギッシュ』は、本人たちの予想に反して思うように振るわず、ほぼ同時期にデビューし、対照的に大成功を収めたニルヴァーナを引き合いに、「ニルヴァーナの後追い」であると揶揄されることもあった。バンドにとっては「次のアルバムで名を上げる」ことが命題となっており、メンバー各々が強いプレッシャーを感じていた中で製作が行われた。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2021/10/19 14:23 UTC 版)

「監督失格」の記事における「製作背景」の解説

『新世紀エヴァンゲリオン』で知られる庵野秀明が、プロデューサーとして参加している。庵野が実写映画をプロデュースするのは初めてのことであり、『旧劇場版エヴァ』の制作で、精神的に疲弊していた時に、平野監督の『自転車不倫野宿ツアー 由美香』を観て、救われた事に対しての恩返しとして、引き受けることを決めた。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2021/11/07 04:31 UTC 版)

「死の国からのバトン」の記事における「製作背景」の解説

作者の松谷みよ子は17歳のとき、戦死者を取り上げた新作能作品『忠霊』を見て、死者との出会い、死者との会話の描写に深く感動をおぼえた。そして本作執筆の数年前に、山形県の伝統芸能である黒川能を見て、かつて『忠霊』で感じた感動を新たにした。 松谷はこれらの能を通じて、「能とは死者との出入りが自由な世界であり、対話であり、日本のファンタジーである」と考えて、本作の構想に繋がった。それらの知識をより深めるために、頻繁に黒川を訪れて、少年義民、江戸時代に作られた天保堰などのことを知った。挿絵を担当した司修も、自ら同行を申し出て、松谷と共にそれらの取材場所すべてに同行した。 後年のインタビューによれば、松谷は黒川能を見ながら、「何かが囁きかけてきた感覚があり、土や空気、水の汚れを、精霊が語りかけてきた」と感じた。能を見た当時は、その感覚は微かな物であったため、何年間も黒川村、日本海と歩き回り、様々なものを体感し、朧げな感覚を形にしていったという。 実際の執筆では、松谷は「自分の書きたいものは能、義民、堰に限定されず、それらを含めた死者との会話だ」と感じられ、実在の地域や歴史に縛られない自由な世界設定が必要と感じられたことから、黒川や能への執着は一つ一つ捨てられた。さらに、「東京の猫が水俣病で死んだ」というニュースを見たことがあり、それをいつか書きたいと思っていたことで、これが本作のもう一つの骨子となった。 シリーズ第1作『ふたりのイーダ』は、自身の中で完結した作品であり、それ以上を書くつもりはなかった。ある日、作家のいぬいとみこから「あなた、この続きを書かなくちゃね」と言われたときも、松谷はその言葉に疑問を抱いていた。しかし、公害問題を扱う作品として本作品の執筆を始めた後、「これは『ふたりのイーダ』の続きだ」と感じ、「直樹とゆう子が出番を待っていてくれた」という実感があったという。 当時の偕成社の編集者である相原法則は、松谷が製作のために山形の黒川能の取材を行うにあたって、可能な限り取材に同行し、協力した。しかし能のことの大半は、作中に登場しない。このことで相原は「取材とは作家が納得することであり、大半は書かずに捨てられる」「捨てる勇気が大事」と理解したという。なお松谷が相原に黒川能のことを話したのは1971年（昭和46年）2月であり、本作の発行は1976年であることから、製作には5年もの期間を費やしたことが窺える。 松谷は当初、題名を『直樹は阿陀野のにて』と考えていたが、「『阿陀野』という地名は難しい」と指摘されたことから、『死の国からのバトン』に改題された。この題はその名の通り、主人公の直樹が死の国を訪れて、先祖と交流することを意味している。松谷はこの題名も本書に最もふさわしいと考えたものの、児童文学者の与田準一から、「『死』を含む題名はタブーなのに、よく使いましたね」と言われ、後から子供の本に「死」を使うことはないと知って、驚いたという。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/01/06 16:33 UTC 版)

「HYSTERIA」の記事における「製作背景」の解説

前述にもある通り、本作は鬼束がデビューして間もない頃に書かれていた未発表曲を楽曲としてまとめあげたものとなっており、ディレクターにこれらの未発表曲のデモ音源を全て渡して、そこから厳選された楽曲に対し、現在の鬼束が歌詞を乗せて完成させたのが本作になると言う。 鬼束は本作に関しては、以前から「昔に書いた曲を楽曲として作ってみないか？」と言うアイディア自体は存在していたそうであり、「私自身はどうしても嫌だったんですよ。『月光』を発表した頃に書いた曲ばかりだったので、今の私と比べて詞も若かった上にあまりにもメッセージ性が強すぎてたから。やろうと言うことにしたのは、信頼しているディレクターの方の熱意でしたね。ビリー・ジョエルの『Songs In The Attic』って言うのがあって、初期の隠れた名曲ばかりを披露したライヴ盤があるんですけど、そのディレクターさんから、「それみたいな感じでやってみない？」って言われて、それなら、歌詞を書き直すところから始めようかなって思って、既にあるメロディーに対して新しく作詞するってやり方は私にとっては初めての事で、普段は歌詞、メロディーは同時に作る事が多かったんですよ。かなり、大変で悪戦苦闘したんですけど、その分、楽しみながら、書けましたね。作詞に取り掛かるにあたって、まずは、アルバムのタイトルと全体を通してのイメージカラーを決めるところから、始めて、『ショッキング・ピンクのアルバムにしていこう』って所から始まったんです。私の中でショッキング・ピンクって、神経症ーヒステリアのイメージと繋がるところがあるなと思ってて、そのイメージを基礎の土台として、大体、1週間程度の日にちで、一気に書き上げたんです。あまり時間をかけてしまうとハマってしまう可能性があったから。当時学生時代から20代の頃に作った曲に40歳になる私が作詞家として歌詞を書くのはとても新鮮な気分になりましたし、何より、終わってみたら楽しかったなって思えたんですね。20年前のメロディーに今の自分の歌詞を当て込むのは、正直どうなんだろうって思うこともありましたが、最終的には同じ自分が作ったものだし、世界観に特に影響はないかなと今は思います。」と語っている。 本作のサウンド・プロデュース及び編曲は兼松衆が一貫して担当しており、テレビドラマ、映画、アニメなどジャンルを問わず、劇伴を数多く手掛け、一方では、King & Princeや、手嶌葵、薬師丸ひろ子等、幅広く様々なアーティストへ楽曲提供、編曲も行っており、鬼束もその一人であった。最初に鬼束の楽曲を手掛けたのは、『End of the world』の編曲を担当したことから始まり、クラシカルなアレンジの中に洗練されたピアノの旋律や、ストリングスを主軸とし、それらが鬼束の歌声を際立たせるのと同時に彼女の新たな音楽面の開花にも一役かう形としてその手腕を発揮していたが、本作でもそれらが存分に生かされた構成となっているのだと言う。 鬼束は兼松に関して、「『End of the world』のアレンジをお願いしてやってもらっていたので、どんな音を作り出すのかは、理解してましたし、ディレクターからも「今回も是非とも一緒にやって欲しい」って話もあったので、起用させていただく事となりました。兼松さんを始めとして、ミュージシャンの方がみんな若い世代なんです。2001年に発表した『インソムニア』を10代の頃に聴いていた世代でもあったんですよ。オケの録音の際、初めて拝見させていただいて、どうしても気になるところだけは意見を入れさせて頂いてたんですが、凄く良い演奏をしていましたね。かねてから、私はミュージシャンの方にとても恵まれていましたが、今回は特にその辺りに運命的なものを感じていましたね。ただ、今回の歌は、歌うのが難しくて大変だったなと思います。昔にメロディーを書いてから、月日を経てから歌詞を書いたからって言うのもありますが、こんなにも難しいメロディーを作ってたんだなって改めて思いましたね。まぁ、歌うときは頭で考えてるのではなく、本能と言うか、動物的になって歌っていますね。」と語っている。 本作でサウンド・プロデュースを勤めた兼松は鬼束について「1stアルバムの『インソムニア』はもう何度も繰り返し聴いていたのを今でも覚えてますね。あの当時は13歳と多感だった頃でして。今となると、1曲目から順に聴き入ってると、当時通っていた山奥の学校に向かうバスから見えた風景が思い浮かんだりしますね。今回のアルバムのコンセプトの土台は実を言うと『インソムニア』が基盤となっているんです。」と語り、「鬼束さんのデビュー当時のデモテープを頂いて聴かせていただいたんですが、あの当時の鬼束さんと対面して、時空を越えた対峙を味わっているようなそんな感覚を味わえたんです。この感覚を受けてコンセプトは『インソムニア』のアコースティック志向で行こう、けど『インソムニア』の焼き増しや延長線上、とか、2000年代の懐かしみをただ単に感じるようなことにはしたくなかったので、2020年時点の今の自分が考え、感じるアコースティック、レンジの広い音楽路線にしようと意識しながら製作に携わらせて頂きました。」と語っており、そこから始まった『HYSTERIA』は、ダイナミックさを感じさせられる歌唱にピアノやストリングスが寄り添う『憂鬱な太陽 退屈な月』や、強い情感を感じさせるような『焼ける川』などの鬼束の真骨頂とも言える曲や『ネオンテトラの麻疹たち』のような兼松自身の挑戦が随所に盛り込まれた楽曲などの、様々な表情を持つ10曲が仕上がっていったのだと言う。

製作背景

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2020/07/23 23:25 UTC 版)

「肉の鑞人形」の記事における「製作背景」の解説

ガストン・ルルーの原作を元に、ダリオ・アルジェントがストーリーを考案。監督・脚本はルチオ・フルチに依頼されたが、糖尿病の合併症によりフルチは急死。最終的には特殊効果担当のセルジオ・スティヴァレッティが監督に当たった。

製作背景

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「いざよい (柴咲コウの曲)」の記事における「製作背景」の解説

本作は、柴咲自身が主演を務める大河ドラマ『おんな城主 直虎』の撮影の合間を縫って作詞したもので、柴咲は本作に関して「月の満ち欠けが一回りしていく様子だったり、そこから、朧月夜、下弦の月や十五夜の月等、様々な側面を見せる月とその様子や形を歌ってきました。今回は十六夜をテーマにいざよう心模様を描いた曲に仕上げました。満たされた月夜ゆえに、想いが強く深くなり、そして切ないものに変わる、大河ドラマで1年を通して1人の役を演じてきたからこそ生み出すことの出来た楽曲だと私は思っていますね。」と語っている。

製作背景

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「数字であそぼ。」の記事における「製作背景」の解説

『重要参考人探偵』の連載終了後、次回作の構想を練っていた絹田は、たまたま数学好きの人と知り合った。絹田自身は文系で高校の数学もよく判らなかったのだが、その人と話すうちに文系の自分とは違う考え方や価値観を持っていることに興味を抱いた。一例で言うと、絹田にとって数学とは「公式などをたくさん覚えて問題を解くもの」だったが、数学好きの人たちに言わせれば「公式は覚えなくていい」というものだった。そこで主人公を「数学が判らない」側とし、「数学が暗記科目ではない」ことを強調するために記憶力を強化した設定を付けた。 ストーリーは先にシチュエーションを考え、数学科出身の人に数学ネタをどう絡められるか意見を聞きながら組み立てている。読者には数学が好きな人もいれば、数学が苦手な人もいるので、絹田自身が聞いてもさっぱり理解できないことは入れないことにしている。 作中にはさまざまな数学のトリビアが出てくるほか、数学分野の学生や教授たちの姿が、いかにも「大学生の青春」といったシチュエーションと共に、ユーモラスに描かれている。これらは京都大学数学科出身の人に取材した内容を元にしており、作中で描かれているエピソードも実際にそのような先生がいたという話をもとにしている。また、理系大学生たちの生活を描くという点で佐々木倫子の『動物のお医者さん』を彷彿とさせ、獣医学を数学に置き換えたバージョンの『動物のお医者さん』とも言える内容になっている。

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「LOVE (平原綾香のアルバム)」の記事における「製作背景」の解説

本作は前述のように「愛」をテーマとしている。本作においてそのテーマとした経緯として平原は「私、今31歳になっていますが、19歳でデビューした当時とは全く環境も自分の心境も全てが違うようになっていて、私はこれまでに恋や愛の歌を歌っては来たけど、大人の愛の歌はまだ歌った事なかったなと思っていて。そのタイミングでこれまで歌ってきた曲はちゃんと世間に届いているだろうかと不安に思っていたんです。そんな時に今回のアルバムのプロジェクトプロデューサーの方とアルバムのコンセプトを相談し合う中でその方から「今最前線で活躍している豪華アーティストのみなさんに曲を書いて貰って、それを歌うのはどうだろうか？」と提案がありまして。それを受けてこんな貴重な機会、滅多に来ないだろうから愛と言う究極のテーマで憧れのアーティストさん達がどんな曲を作るのか、身近でその一端に触れてみたいと思って今回のお話が持ち上がりました。」と語っている。

製作背景

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「はじめまして (平原綾香のアルバム)」の記事における「製作背景」の解説

タイトルの由来について 平原は本作のタイトルについて以下のように語っている。デビューから15年間歌ってきて16年目にして「はじめまして」とつけたのは、長いことやって来ていてもこのアルバムで初めて私の歌に触れる人々もやはりいらしてると思うんです。一方で長い年月の中でどこか慣れてきているような、ありきたりな感覚になってきてるような気もしていた所があるかなと思って、やはり、初めて歌った時の気持ちや心境は常に大事にしていきたいと思ったんですよね。 と言うのも、バレエの先生でとても尊敬する方が要らしてるんですが、その先生の躍りがすごく感動して泣けてくるんです。技術的にも凄いからと言うのもありますが、何よりその躍りが初めて躍りをやった少女のような感動を忘れていないからと言うのが感じられるから。だから私もそんな気持ちを常に持ち続けてどんな事でも「はじめまして」と思う気持ちを大事にしていきたいなと思ったんですよね。 思えば、私たちの生活の中でも「はじめまして」と言うのは常に隣り合わせになっていることが多いなと思うんですよね。同じ朝でも、「また今日が来たのか」と思うのと「はじめまして」と思うのとでは全く気持ちの持ち方が変わってくると思うんです。そう言う事を伝えたかったのと、後は槇原敬之さんの作ってくださった曲があったからと言うのが理由ですね。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/03/11 17:38 UTC 版)

「Winter Songbook」の記事における「製作背景」の解説

平原は本アルバムの制作を決定した際、海外ではクリスマスに家族や恋人、大切な人と共に聴けるクリスマス・アルバムのことを"ホリデーパック"または"ホリデーアルバム"ということを知ったといい、日本にはあまり馴染みの無い文化であったものの、家族の集まりでよくかかっているとのことで、そう言ったコンセプトのアルバムを作ろうかと思い至ったという。

製作背景

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/03/11 17:34 UTC 版)

「Prayer (平原綾香のアルバム)」の記事における「製作背景」の解説

前述にもあるように本作は平原自身のセルフ・プロデュースによって手掛けられており、外国の作家陣を数多く迎え入れて制作がなされている。 制作スタイルについて 平原は本作に関して以下のように語っている。今回のアルバムに収録される楽曲たちは、ほとんど私自身で歌詞を書いています。私としては平原綾香を身近に感じるような作品に仕上げられたと思います。楽曲の大半は外国の作家さんによるものが多いですね。外国のメロディーは元々英語詞を想定して作ってる曲が大半を占めるので、それに日本語詞をつけるのはなかなか難しかったですね。なので、出来る限りシンプルな形にまとめた上で俳句を作るような感覚で書いていきました。その分、ストレートな想いを伝える楽曲に仕上がったんだと思います。 外国の作家について 以下のように語っている。日本のデモテープだと簡易的なピアノと、シンセサイザーを使ったストリングスで、本格的な楽曲の録音で作られていないいわば、土台とか骨組みのような段階で作られていることが多いんです。けど、外国の作家さんはもうそれでCD化が可能な段階のクオリティーの音源に近い状態にまでデモが仕上げられていることが多いんです。本格的に生ギターだったり、生ストリングスが用いられてたり。日本とは制作の仕方が全く違うんですよね。その辺りの違いがとても面白いなと思いましたし、楽曲の全体像が想像しやすかったです。。 外国の作家が作る歌詞について 以下のように語っている。曲によってはそのままの英語詞で採用もすれば、全て書き換えたりもする、一部か半分は採用して後はまた新たに書き直すなど、曲によってまちまちですね。作家さんは曲全体をプレゼンしてくれるので、実を言うと「キーを変えたい、ここのテンポはもうちょっと早くしたい」とかの要望は言い出し難い所がありましたね。場所も離れている上、顔すらも合わせた事のない方々とのやり取りは大変でしたね。外国の作家さんが起きて活動している時間帯は日本だと明け方の4時、5時位になっていましたので、就寝時間も後半辺りの制作段階だとその時間に就寝したりしてましたね。 セルフ・プロデュースについて 以下のように語っている。今回は外国の作家さんとのやり取りの大変さに加えて、歌わないといけない上に、曲も歌詞も自分で作るから、とても大変な思いはしましたね。でもセルフプロデュースをしてやりたいことができると言う環境には本当にありがたいなと思っていて感謝してます。外国の作家さんにも一人一人に手紙を書いて「ありがとう」と言う気持ちを伝えたら、「アーティストの方に手紙を貰ったのは初めてで嬉しく思います。」と言ってくれました。音楽を通して交流が深まって仲良くなっていく感覚を久し振りに味わいましたね。最初の辺りはレコーディングのために向こうに行かなくとも曲ができる分、あまり人との交流が無くなってしまうのではと不安がありましたが、その分、より歩み寄ろうとする人間としての本能があるんだなって分かった時でもありました。 コンセプトについて 以下のように語っている。曲毎にテーマや、それぞれの主人公の性格とか生きていた時代こそは異なるけど、全てが一貫して祈りと言うテーマを抱いて歌っている、と言った感じですね。これは制作段階の前半辺りで決まりましたね。そのアルバムの表題曲の「Prayer」は当初、「Before I die」と言うタイトルだったんですよ。けど黒木瞳さん主演ドラマの『スケープゴート』の主題歌に決定した際に、少し変えようと思いまして。そこからさ「Prayer」と言うタイトルになりました。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/07/03 03:55 UTC 版)

「黒いオルフェ」の記事における「製作背景」の解説

ブラジルを舞台にし、出演者たちは演技未経験者ばかりという挑戦的な映画だった。なかなか配給会社がみつからず、その間、フランスの監督の自宅に出演候補者たちをあつめて、何か月もリハーサルが繰り返された。 映画中で描かれるリオのカーニバルは、実際のものではなく、エキストラたちが演じたもの。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2021/08/18 11:28 UTC 版)

「MOSHIMO (平原綾香の曲)」の記事における「製作背景」の解説

平原は以前よりミャンマーでもステージに立っており、本作はミャンマーに向けた楽曲としては初の楽曲となる。この曲はミャンマーで放送されるドラマ『House With Dreams』の主題歌となっており、平原自身の作詞・作曲の楽曲となっている。 楽曲の製作が持ち上がった経緯について 平原はこの曲に関して以下のように語っている。以前、ジャパン・ミャンマー・プエドーでニーニーキンゾーさんとのデュエットをさせて頂いて、その際、ミャンマー語で歌わせて頂きました。とても難しかったのですが、響きの良い言葉で短いセンテンスながらも頑張って歌わせて貰いました。ただ、その時には今回のように全編ミャンマー語詞で歌うことになるとは夢にも思いませんでしたね。デビューから16年、様々な国で歌ってきましたが、今回ほど現地で新しい言葉を覚えたことはなかったですね。 製作の経緯について 以下のように語っている。今回、ドラマの主題歌の曲を書き下ろして貰えないかとお話を頂いて、脚本と大まかなあらすじを読ませて貰いましたが、とても面白くてこれからどうなっていくんだろうとワクワクする感じがありました。あることを機に家族がバラバラになって、また1つに戻っていくと言う笑いあり、涙ありの良いドラマでしたね。その時に感じたのは、言葉の擦れ違いで離れ離れになったり、争いが起こったりしてしまう事があると言う事ですね。ただ、そこに言葉ではなく、抱き締めあったら、全てが解決する事もあるのではないかと思いましたね。私自身も過去にそう言う経験をして来ていましたので。 言葉の壁がなければ、歴史がなければ、国境がなければ、人はどれだけ1つになれるのだろうなと言う想いを最初は日本語詞で書いてそれを訳した上に、ミャンマーの作詞家の方がとても素晴らしいミャンマー語詞に仕上げてくれたんです。ミャンマーの方からも「とても良い歌詞に仕上げてくれたよ。」と言って貰えたので、素直に嬉しく思いましたね。 ミャンマー語で歌うことに加え、デュエットで歌ったことについて 以下のように語っている。ミャンマー語でやるからにはちゃんとした意味を持って伝えたいと思いました。加えてデュエットで歌うのは、ソロで歌うのとはまた、違う難しさがありましたね。日本語でもなかなか苦労をする時があるのに、全編ミャンマー語で歌いきれるだろうかと言う思いはずっとありました。ウィン君に頼りつつも、カタカナで覚えていくようにしました。ただ、それでもかなり大変で試行錯誤しながら覚えていって間違えずに歌い切った時は嬉しかったですね。いつの日かミャンマー語で会話ができるようになればなと思ってます。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2021/08/18 04:42 UTC 版)

「ドキッ!」の記事における「製作背景」の解説

本作はキャッチフレーズとして「あたらしい平原綾香、はじめました」とあるが、イメージチェンジという意味合いではなく、それまで発表するには至れなかったタイプの楽曲を出していくというコンセプトがあったという。平原はそのあたりに関して「例えば、「冷やし中華、はじめました」のような季節によっては出してこなかったメニューを出していく、みたいな元からあったにはあったけど、出す機会に巡り合わずに出せなかった曲を出していきたいと言う思いがありまして、私自身、『Jupiter』のイメージが浸透していて、あまり動くことがない、笑わない、って印象を持たれる事が多かったですね。初めてライブに来られた方にも「意外でした」って言われる事がよくあったんです。なので、そう言う人々にも「私にはこんな側面があるよ、こう言う自分も知って欲しいな」って言う思いがありまして、このようなキャッチフレーズを着けました。」と語っている。 平原はさらに『Jupiter』のイメージで固定されがちなことに関しては「『Jupiter』のイメージで見られることは全く嫌じゃないですね。だけど、私自身が歌を始める切っ掛けとなったミュージカルだと、今回のアルバムジャケットの写真で披露したようなかなりカジュアルと言うか、軽快なノリのあるイメージに近かったんです。私自身もそんなイメージがあると思っていたし、皆さんに見せているつもりでいましたが、意外と表現できていなかったな、と振り返って思う所があって。その辺りを反省しつつも『my Classics!』から始まったクラシック・アルバムではなかなか実現の出来なかった事をこの際に思い切ってやってみようと思いました。」と語っている。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2021/08/20 16:28 UTC 版)

「あの鐘を鳴らすのは少なくともおまえじゃない」の記事における「製作背景」の解説

作者は「いがみあう女の子が大好物」で、作中の喧嘩について「三姉妹育ちなので姉妹ゲンカの組み合わせは無駄にバリエーション豊か」だと語っている。

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「交渉人〜THE NEGOTIATOR〜」の記事における「製作背景」の解説

主演の米倉はこのドラマで初の刑事役を演じ、刑事ドラマに初出演（かつ初主演）となる。また役作りのためにショートボブカットにしている。制作スタッフは米倉と共に『黒革の手帖』・『けものみち』・『わるいやつら』の松本清張三部作の製作に携わったスタッフで構成されている。 松本清張三部作で米倉と「追われる女」像を作り上げたため、今度は「追う女」像を描こうという逆転の発想から話が進み、プロデューサーの内山聖子の提案から女性交渉人という企画が生まれた。また宇佐木玲子の人物造形では、取材で女性が交渉人として活躍することは現実そうはうまくいかないとわかったため、脚本家の寺田敏雄の発案で、ただ私怨のために玲子が交渉班に配属したという動機が生まれたという背景がある。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/05/10 04:06 UTC 版)

「美藝公」の記事における「製作背景」の解説

「GORO」1980年1月1日号から10月23日号まで掲載された全19回の連載作品であった。 1979年に開催された六本木ピットインでのファンクラブイベントで筒井により、以下の予定が語られている。 長編を「GORO」で連載すること 毎回横尾によるビアズレー調のイラストを載せる予定であること とっくに始まっているはずだったこと 横尾が多忙で延び延びになっていること 横尾による架空の映画のポスターイラストと『活動写真』と題された筒井自身による作詞作曲のテーマ曲の譜面、小説のテーマとなった映画産業とスタアの存在など、この小説は文学以外の要素が多く作用している。美藝公の執筆の少し前から、のちに『不良少年の映画史』として出版されるエッセイを書き始めていた筒井は、その資料にするべく「キネマ旬報」のバックナンバーを揃えていった。そのため後半はどんでん返しめいた現実否定はあるものの、前半部分は古き良き映画の世界を描き、連載の挿絵はと思った時に横尾忠則が浮かび、依頼した。筒井自身は前半部分は『蒲田行進曲』の世界だと語っている。 巻末には参考文献として以下の著作が挙げられている デヴィッド・リースマン「孤独な群衆」加藤秀俊・訳（みすず書房） ジャン・ボードリヤール「消費社会の神話と構造」今村仁司・塚原史・訳（紀伊國屋書店） 岡本博・福田定良「現代タレントロジー」（法政大学出版部） デヴィッド・リースマン「何のための豊かさ」加藤秀俊・訳（みすず書房）

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「拳銃は俺のパスポート」の記事における「製作背景」の解説

製作は多くの日活B級活劇映画に共通する過酷なスケジュールと低予算で、脚本執筆に4日、撮影も公開日目前の1967年1月に20日ほどの短期間で製作された。屋外ロケーションの多い作品ながら真冬の撮影であっただけに、苦労も多かったという。 宍戸は監督の野村、B班担当の長谷部らを相手に多様なアクションのアイデアを提案し（宍戸が日活アクション映画で頭角を現して以来の習慣だった）、ラストの決闘シーンの流麗なガンアクションをはじめ相当な部分で活かされている。 宍戸が矢作俊彦との対談で語ったところでは、ラストシーンの埋立地のロケーションに使われたのは、川崎市扇島の埋立地であった。21世紀時点ではすでに撮影当時とは一変して都市化しているという（ただし実際の扇島は埋め立て完成後は純然たる工場用地となっており、別の埋立地でロケした可能性もある）。日活は本作のビデオソフト紹介にてロケ地に横浜、羽田空港を挙げたほか、ドライブイン「渚館」のロケ地を熱海としている。 脚本の永原秀一は、本作での実績に基づき、同種のハードボイルドなガンアクション作品の企画を立てて脚本も執筆したが、日活・宍戸主演では映画化は実現せず、翌1968年に東宝で「狙撃」（堀川弘通監督・加山雄三主演）として映画化されている。

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「3D甲子園 プラコン大作」の記事における「製作背景」の解説

たかや健二の初の連載作品であり、たかやが第2回藤子不二雄賞を受賞したことを機に連載が開始された。当時の『コロコロコミック』の競合誌『コミックボンボン』（講談社）で、プラモ漫画『プラモ狂四郎』が読者の注目を集めていたことから、それに対抗し得るプラモ漫画を目指して描かれた作品である。 当時はガンプラが人気を博していたものの、そのメーカーであるバンダイが『コミックボンボン』と提携していたために作中でガンプラを用いることは許されず、小学館が『超時空要塞マクロス』の掲載権を所有していたこともあって、登場するプラモは『マクロス』のものが主である。たかやはガンプラを愛好していたためにこれを残念だったというが、それが逆に作品に力を入れる要因となり、作中には『マクロス』などのSFメカに限らず自動車、恐竜、銃、さらには屋台など、バリエーションに富むプラモが登場することになった。もっともこれだけ数々の種類が登場する中、ガンプラが一切登場しない展開を不自然とする意見もあるものの、たかや自身は「『狂四郎』以上にプラモ作りの魂を描き表せた」と語っている。 なお、たかやは以前に藤子不二雄のアシスタントを務めていたことから、本作の中に藤子2人に似せた人物が審査員として登場したり、逆に藤子の漫画『ドラえもん』に本作の主人公たちに似せた人物が登場したり、といったカメオ出演も行われている。さらに『ドラえもん』の中のエピソードで、登場人物が『プラコン大作』を読んでいることを語る台詞があり、たかやは「藤子先生も自分の作品を気にかけてくださっている」と改めて知って感激し、同期の漫画家たちからも大変羨ましがられたという。

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「イノサン Rouge」の記事における「製作背景」の解説

本楽曲は中島が主役を務めるミュージカル『イノサンmusical』の主題歌として制作された楽曲となる。 中島が『イノサンRouge』に触れる切っ掛けとなった経緯に関して 以下のように語っている。原作の『イノサンRouge』と巡り会ったのは、たまたま書店に立ち寄った時に「イノサン」の単行本がずらりとあって、その絵に一目惚れしまして、その当時に発売していた7巻全てを購入してしまうほどに魅力的に思いましたね。7巻全て購入した後に店員さんに「この漫画、本当にこれで全てなんですか？」って確認しちゃったくらいでしたね。その後、自宅に帰った後、もう3回ぐらい繰り返し読みました。面白すぎて、好きすぎてもうたまらない位でした。 ミュージカルの出演依頼が来た経緯に関して 『イノサン』と『イノサンRouge』を連載している『週刊ヤングジャンプ』と『グランドジャンプ』を発行している集英社さんの方から電話があったんですよ。私が原作を好きだと言う風に聞いて、今度やるミュージカルの出演依頼を打診されました。 初めてのミュージカルと、マリー-ジョセフ・サンソンを演じるにあたっての心境について 以下のように語っている。好きな役を演じることに緊張していたのもありますが、何よりもこれまで経験したことのないミュージカルで演じると言う事になり、どうしたものかとと言う気持ちがありました。ドラマや映画で演じるのとはまた違うものがありまして、やるからにはゼロから始めていかなくては行けないと思い、色々と模索しながらマリー像にアプローチをかけていきました。 良い意味で半々な気持ちでしたね。初めての舞台でやったことなかったから、自信がなかなか持てなかったから「怖いな」って思う気持ちと、かねてより好きだったキャラを演じられる事に対しての「嬉しい」って思う気持ちと言う初めての事で「怖い」んだけど「嬉しい」って感じでしたね。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2021/11/20 06:47 UTC 版)

「目抜き通り (椎名林檎とトータス松本の曲)」の記事における「製作背景」の解説

2017年4月20日に銀座にオープンした大型商業施設「GINZA SIX」のテーマ曲として、「NEW LUXURYを世界に向けて発信する」というコンセプトのもと書き下ろされた楽曲。このプロジェクトのクライアントより、銀座の魅力を表現した新たなる銀座のテーマソング制作の依頼を受けて椎名林檎が書き下ろした。制作するにあたり、椎名はかねてより共演の機会を求めていたトータス松本にデュエットをオファー。松本の快諾を受けた椎名は、銀座と二人の声をモチーフにこの曲を書いた。 もともとはコマーシャルソングとして制作が始められたが、トータス松本との共演に勢いづいた椎名はフルサイズも制作。その完成度を目の当たりにしたスタッフがリリースを提案し、急遽配信限定でリリースする運びとなった。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2021/11/25 10:22 UTC 版)

「ドクター・スリープ」の記事における「製作背景」の解説

キングは、著作『アンダー・ザ・ドーム』のプロモーション・ツアー中である2009年11月19日に、『シャイニング』の続編を描く考えを示した。オンタリオ州トロントにあるキャノン・シアターで映画監督デヴィッド・クローネンバーグが司会を務める中、キングは続編について、前作のキャラクターを踏襲し、ニューハンプシャー州でホスピスの従業員となり、死期が近い患者に対して超能力で援助する40代のダニー・トランスが主人公となることを明かした。 2009年12月1日、キングは公式サイトにて、次の作品として、『ドクター・スリープ』か「ダークタワーシリーズの続編」のいずれを書き上げるべきか、訪問者に対してアンケートを行った。同年12月31日に投票は終了し、『ドクター・スリープ』が5,861票を獲得し、ダークタワーシリーズの続編『The Dark Tower: The Wind Through the Keyhole』の5,812票を上回った。しかし結果的には、ドクター・スリープが後発作品となった。 2011年9月23日、キングはバージニア州フェアファックスのジョージ・メイソン大学にてメイソン賞を受賞した際に、『ドクター・スリープ』のあらすじを語っている。その後、2011年11月上旬に、初稿を書き終えた。2012年2月19日には、ジョージア州サバンナで行われたサバンナ・ブック・フェスティバルにおいて、キングが第一章を朗読した。また、2012年4月24日に発売されたオーディオブック版の『The Dark Tower: The Wind Through the Keyhole』には、『ドクター・スリープ』の序章が収録された。 『エンターテイメント・ウィークリー』によるインタビューの中で、キングは『シャイニング』と『ドクター・スリープ』の間の継続性について取り組むために、キング自身の研究者であるロッキー・ウッドを雇ったことを明らかにした。 この作品のストーリーは、死期が近づいている患者を予見する猫オスカーに影響を受けている。キングは「自分自身のことを考えた。「このストーリーを書きたいと。」そしてホスピスで働く大人になったダニー・トランスとの繋がりを作った。それが全てであり、それで私はこの本を書こうと考えた。この猫は物語に必要であった。物語が進むためには二つとも必要であった。まるで猫がトランスミッションであり、ダニーがモーターであるように」と語っている。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/07/06 11:27 UTC 版)

「ふたりのイーダ」の記事における「製作背景」の解説

松谷みよ子自身が語る製作背景によれば、1967年（昭和42年）春のある夜、松谷が自分の跡を何者かがつけて来ると感じて、振り向いて見ると、椅子が「ナイ、ナイ、ドコニモイナイ」と呟きながら、歩いていた。無生物である椅子が喋り、歩いていたという体験について、後に松谷は「夜道で何者かがつけて来ると感じる体験は誰にでもあり、大抵は犬や猫だが、そのときは椅子のような感じがした」「幻覚に過ぎないだろうが、実際にそのような感じがした」と語っている。 それがなぜ椅子なのかの理由については、松谷は「そういうことは聞かないでほしい、新雪の雪原に足を踏みこまれるような心持」「椅子との出会いは必然的なものでした。なぜ椅子なのですか? それは言えません。そこはいいたくないということがあって……」と語っている。これについて、松谷が本書の後書きで「廃屋に放置されているような古い器物が、命が宿っているような気がして怖く思えることがある」と述べていることから、椅子は松谷の分身であり、それと同時に、忘れたいことでも忘れさせてくれない、恐怖を感じるにもかかわらず自分の近くにいてほしい存在ではないか、といった分析もある。 松谷は、椅子が強く印象に残っていたことで、椅子を主人公とした『もうひとつのおうち』（小学館『幼児と保育』1967年7月号）や『にげだしたオバケ』（同8月号）の2作の短編作品を発表した。しかし、松谷は椅子に対して、書き尽くせない物が何かあると感じ、鎮魂の思いを新たに抱いて書き下ろす必要を感じていた。 当時、児童図書の出版社である童心社の編集長である稲葉桂子が松谷の近所に住んでおり、松谷は稲葉と「椅子が話したわけではないけれど、この話は原爆に関係しているらしい」と話していた。この話を原爆に紐づけた理由について、松谷は後の講演で、「椅子との出会いの約1年後、椅子が話したのか、自分の心の中から聞こえたのかはわからないが、『それが原爆と繋がっている』という声が聞こえた気がしたと語っている。稲葉は先述の2作品を高く評価し、その続編の製作を望んだ。しかし松谷は、椅子の意思を理解し始め、従来のような形式の児童文学では、その意思を表現することができないと考えていた。 翌1968年（昭和43年）、松谷は講談社から、それまでに経験のない長編作品の依頼を受けた。同年に山口県岩国市と広島へわたり、児童文学作家の沖井千代子、『原爆の図』の作者である丸木位里と丸木俊の夫妻、被爆者たちの取材を経て、歩く椅子と原爆などのイメージを作品として形作っていった。松谷は被爆者についての取材を経て、「無数の死者の群れが地の底から立ち上がって来るのを感じた」と語っている。 取材を終えての帰郷後、「あるく椅子」の仮題で執筆が始められた。松谷の次女が当時2歳であり、その幼さゆえに松谷の手を煩わせたことから、次女の印象が本作の大部分を占めることとなった。また、原爆という題材が、現代を生きる子供たちにとってさほど関心を持たれないと考えられたことから、その題材に踏み入り、作品へ引き込む道筋として、執筆当初より、推理小説に似た手法がとられていた。終盤の執筆において、松谷は直感から新キャラクター「りつ子」を登場させ、さらにそのりつ子から「私がイーダちゃんなのよ。まだわからないの?」と言われているかのような直感を受けて、1人と設定していた「イーダ」が2人となったことで一気に製作が進行、同1968年12月に本作が完成した。 また松谷は第二次世界大戦末期、まだ17歳の頃に、戦死者を取り上げた新作能作品『忠霊』を見て、深い感動を覚えていた。文学評論家の安藤美紀夫は本作を、「17歳の松谷が『忠霊』から得た感動を形象化し得た作品」と述べており、死者との出会いや死者との対話を通して、彼らを死に追いやったものを問い詰めていく作品だと述べている。 作中で語られる少女「イーダ」は、松谷の実子が当時、頻繁に「イーだ」と言っていたことがモデルとなっている。松谷によれば、この子供は幼いときから年齢にそぐわない、直感的に相手の心を見透かしたような言動が多く、ときにそうした子供の考えに恐れを抱いたことから、そうした要素も本作の元となっている。 松谷は本作を経て、後年には公害問題を取り上げた『死の国のバトン』、ナチス・ドイツのアウシュヴィッツ＝ビルケナウ強制収容所を取り上げた『私のアンネ=フランク』など、様々な重い題材による「直樹とゆう子の物語」全5部作を書き上げた。

製作背景

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「All You Need Is Kill」の記事における「製作背景」の解説

「はじめに頭に浮かんだのは『うる星やつら2 ビューティフル・ドリーマー』なんです。あと『恋はデジャ・ブ』と『ターン』。どれも1日がループする話で頭に浮かんだのが学園物と恋愛物というのは自分でも変だと思うんですがとにかくそうでした」とインタビューで語っている。

製作背景

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「コロコロ創刊伝説」の記事における「製作背景」の解説

この節には、一部のコンピュータや閲覧ソフトで表示できない文字（「藤子不二雄(A)」の(A)は丸の中にA(囲み文字）が含まれています（詳細）。 のむらは当初、『アニキ』の漫画を執筆するにあたり、かつての人気作『つるピカハゲ丸』のような和やかなギャグ漫画、または読み切り作品を構想していた。しかし途中から担当者となった石井宏一は長期連載を見据え、のむらのそれらの企画に代り、それまでにない新しい漫画として、『コロコロ』の歴史を描くストーリー漫画を依頼した。石井によれば、のむらは『コロコロ』創刊前からアシスタントとして小学館に通っており、デビュー以来も約40年もの間『コロコロ』一筋で描き続けてきた唯一の漫画家であるため、『コロコロ』の生き字引として同誌の歴史を描く適任者と考えたのだという。のむら自身を主人公に指名したのも石井である。のむらも60歳を迎え、どうしても読者とは感覚の乖離があり、彼の描くギャグが現代の子供たちに通用しにくくなっているという事情もあった。 のむら自身は、それまでは『まんが道』（藤子不二雄Ⓐ著）のような自伝漫画に憧れを抱いたことがあったものの、もっと歳をとってからの執筆でも良いかと考えており、当初の構想であるギャグ漫画の方を先に発表したいと考えていた。しかし自分の漫画が古いと見られていることも自覚しており、時代がネット社会となってからは、「のむらしんぼは終わった」との悪評も多く目にしていた。また、自分のデッサン力が近年の若手漫画家よりも劣っていることも認めていた。そうした事情から、自分の短所を全て捨てて長所だけに光を当て、自分しか描くことのできない漫画として、本作の執筆を決意したという。 作画にあたっては、当初のむらはギャグ漫画でないことを考慮し、8頭身の劇画風な絵柄を想定していたが、石井の勧めで、従来のギャグ漫画のような絵柄となった。『アニキ』は、少年時代に『コロコロ』を愛読していた大人に向けた漫画雑誌であるため、この絵柄のほうが読みやすいとの声があり、のむら自身も、「当初の想定通り劇画調で描いていたら批判を浴びていただろう」と語っている。

製作背景

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「地球の秘密」の記事における「製作背景」の解説

1991年（平成3年）。斐川町の町立西野小学校では、6年生の国語において環境問題の調査を生徒たちの課題にもうけ、調査結果のまとめ方は各自の自由とした。 生徒たちが思い思いの方法で資料をまとめる中、当時の生徒の1人である坪田愛華は、漫画を描くことが得意であったことや、小学1年生にも理解してもらえるようにとの意図から、低学年向けの環境漫画の執筆を考案し、同年10月より執筆を開始した。図書館でも熱心に調査し、友達からの遊びの誘いも断り、いつも夜遅くまでかけて描き続けた。表紙だけでも3回も描き直した。 両親の談によれば、愛華は10歳のときにすでに地球に対して強い関心を抱き、この年の1月には、湾岸戦争の激化によりイラクの遺跡が破壊されることを危惧し、同戦争で原油にまみれた水鳥の姿にショックを受けていたという。修学旅行で被爆地である広島県へ行き、平和について学んだことも背景にあった。 約2か月間を費やした執筆の末に、2学期の終業式当日である同1991年12月25日、『地球の秘密』と題した漫画がほぼ完成し、あとは彩色しての仕上げを残すのみの状態であった。 しかしその夜の12月26日午前1時頃、愛華は就寝中に体調が突如急変した。同日朝、課題を学校へ提出することなく入院した。翌日の1991年12月27日朝、小脳出血により死去した。それまで健康そのものであり、病気の兆候など全く無く、わずか12歳というあまりに早い、そして突然の死であった。

製作背景（映画）

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「ふたりのイーダ」の記事における「製作背景（映画）」の解説

映画監督の山田洋次は、1971年（昭和46年）頃に自分の娘から本作のことを聞かされた。当時小学生であった娘の口を通してもなお、その幻想的なイメージによって本作に強く魅了されたことから、映画化を企画し、松谷みよ子に承諾を得て、脚色に取りかかった。しかし山田の作成した第一稿は、山田自身の目から見れば、原作には到底及ばなかった。そのために一時は製作が頓挫したまま数年が経過し、製作を再度軌道に乗せることに難航を強いられていたが、松谷善三が製作に参加することにより、製作の再開に成功した。 製作当時は広島原爆と長崎原爆の31年後であり、その間に被爆体験の無い新たな被爆二世、被爆三世が生まれていることから、原水爆禁止を願う日本人はもとより、平和と人類の幸福を願う全世界の人々の両親に訴える作品として製作された。 製作にあたっては、製作協力券付きのシナリオパンフレットを普及して製作資金を調達し、さらに多くの人々からシナリオへの意見をもとに、山田洋次も参加して決定稿を作成するという、当時としては斬新な方法がとられた。シナリオパンフレットは約20万部が売れ、この映画は約20万人の人々によって作られたとも言える。パンフレットにおいては、一見平和に見える世の中でも、未だに原爆被爆者や、公害病で苦しんでいる者が存在することを、松谷善三が「障子を破くと被爆がある」と表現しており、平和の陰に存在するそうした者たちに目を向けなければ、真の平和教育はあり得ないことが訴えられた。 映画の脚本は、原作と異なる点が多い。その中でも最大の違いは、りつ子の存在が省略された点である。原作の設定では、りつ子の年齢は20歳代だが、映画は公開時点（1976年）の時代設定での製作のため、1945年の被爆当時に3歳だと、原作よりも約10歳ほど年上になってしまう。そのために、直樹たちの母である美智が被爆者、直樹たちは被爆二世として設定され、被爆二世が主人公とされている。プロデューサーの山口逸郎は、被爆二世が明るく元気に育ったことを表現することで、これこそ被爆二世だということを描写したかったという。松山善三も、単なる原爆映画ではなく、美しい童話の描写として原爆を取り上げることで、日本全国の母親と子供たちに見てもらえることを目指したという。直樹とゆう子の年齢がそれぞれ小学4年生、3歳に改められたといった設定変更もある。 また、直樹とゆう子と椅子による幻想的な物語と並行して、美智の同僚カメラマンの広岡が美智に求婚し、美智が被爆者ゆえに迷うエピソードが描かれている。こうした場面を通じて、被爆者や被爆二世への不当な偏見や、思いやりの欠如への批判をも含めた作品に仕立て上げられている。 1976年8月6日、広島で平和記念日の実景の撮影からクランクインし、10日から東宝撮影所でセットでの撮影が行われ、9月3日から岡山県御津町に洋館のオープンセットを建設し、200年の歴史を持つ萱ぶき屋根の家を借りきってのロケセット、広島ロケなどを行ない、9月28日にクランクアップした。 製作スタッフにとって最大の問題は、椅子をどうやって動かすか、ということだった。ホラー映画のようになってはいけないし、笑いを誘うようなことになってもいけないとして、巧みに動すことが考慮された。この椅子の操演には、人形劇団ひとみ座の協力があった。ゆう子を演じた子役の原田祐子は、本作ですっかり人気者となった。 作中で水中の原爆犠牲者を描写する場面では、特殊効果としてスキャニメイトが用いられた。これにより製作スタッフは、フィルムとビデオの共存時代の1つの指針を得ることとなった。 松谷みよ子は、大衆の前での語りを苦手とするために講演の場を避けていたが、この映画の上演運動に伴い、平和教育の講演の場に足を運び、千人余りの人々を前にし、平和について語った。

製作背景

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「ルンナ姫放浪記」の記事における「製作背景」の解説

作者によると「宇宙あんみつ姫」風になるはずであったが、少し違ったという。

製作背景

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/08/01 05:30 UTC 版)

「タイムトンネル」の記事における「製作背景」の解説

それまでのタイムマシンはハーバート・ジョージ・ウェルズの『タイムマシン』のように時間旅行者が搭乗する機械であり、多くが天才的発明家が屋敷や納屋で個人的に作った発明品として描かれていた。 タイムトンネルが設定上画期的だったのは、1960年代当時の宇宙開発計画を思わせる国家プロジェクトの産物である巨大な装置により時間航行する、という近未来的なリアリティにあった。アリゾナ砂漠で暗号名で推進される極秘計画との設定は、原子爆弾を開発したマンハッタン計画も連想させる。製作・監督のアーウィン・アレンはTV『原潜シービュー海底科学作戦』で近未来をリアルに描写したSFで評価を得たが本作でもそのコンセプトが継承され、それまでの宇宙や未来世界を描いた子供向けSFドラマとは一線を画した、大人の鑑賞に堪える世界観を作り出している。アポロ計画のミッションコントロールセンターを思わせる科学センターに設置された機器やコンピュータのリアルな造形、軍関係の所員や警備、議会による計画打ち切りという演出もドラマに現実感を与え、その後の近未来SF作品に与えた影響は少なくない。後の映画『タイムライン』や『スターゲイト』、『コンタクト』（後の2作はタイムマシンではない）の転送装置や研究機関はタイムトンネルの設定コンセプトの延長線にあるものと言える。また時空転送の際に亜空間や異次元を経由するコンセプトや表現も、現在のSFで広く使われている。シリーズ中のエピソードでタイムトンネルがドイツ第三帝国が開発していた決戦兵器の戦利技術で、ソ連でも同じ技術で装置を開発していたと事が明かされ、本作が宇宙開発や核兵器開発を準えていることを伺わせる。 予算問題からタイムトンネル計画打ち切りの検討からはじまるこのドラマだが、壮大なストーリーの割に製作費が削られた作品であったため脚本家の皮肉もこめられていた。事実各エピソードには毎回大規模なスペクタクル・シーンが登場するものの、そのほとんどは配給会社である20世紀フォックスの劇場作品から流用したもので、科学センター以外のドラマ本編は低予算な作りとなっていた。にも関わらずストーリー展開の面白さからアメリカや日本でも好評だった本作品だったが、後期シリーズの未来や宇宙人を扱ったエピソードが増えた事による視聴率不振のため、ドラマの決着がつかないまま中途打ち切りとなってしまった。これは並行して製作していた『宇宙家族ロビンソン』が低年齢向け路線に変更し人気を博したのに追随して、失敗した結果である。ちなみにアメリカでの本放送の最終話は宇宙人侵略阻止のエピソードで終っている。『タイムトンネル』はSFドラマとして他作品への影響も大きいエポックメーキング的作品にも関わらず、現在語られることが少ないのは、全30話という放送期間の短さと未完のドラマとなってしまったことに原因がある。 しかし、アレンのリアリティ追求路線は、後に手掛けた70年代パニック映画や大作ブームの火付け役となる『ポセイドン・アドベンチャー』や『タワーリング・インフェルノ』などの劇場作品へも受け継がれ、その後のSF、パニック、スペクタクル作品のスタイルに多大な影響を与えた功績は多い。また一連の作品は『2001年宇宙の旅』や『ジョーズ』、『未知との遭遇』が登場してくる布石ともなっている。タイムトンネルをはじめアレン作品の音楽を手掛けたのは、スティーヴン・スピルバーグやジョージ・ルーカス作品などの音楽担当として知られるジョン・ウィリアムズで、アレン作品は彼の出世作にもなっている。

製作背景

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「コンバット弾」の記事における「製作背景」の解説

チョロQを題材にした漫画『ゼロヨンQ太』が『月刊コロコロコミック』本誌で人気が出始めたことを機に開始された作品であり、作者のたなかにとっては、初めて単行本化された作品である。 1983年5月号の読み切り作品では、2B弾を改造した超小型爆弾をチョロQに仕込むことで、玩具であるチョロQが実際にミサイルやバズーカを撃って戦い合うという、無理のあることは歪めない設定であったが、連載では「コンバット・シミュレーション」なる装置が登場。前年から講談社の『コミックボンボン』に連載されていた『プラモ狂四郎』と同様、コンピュータによる仮想現実世界の戦場において、チョロQによる実戦さながらのシミュレーションが可能という設定が用意され、主人公たちが実物大のチョロQに乗って戦闘を行う物語が、1984年3月号まで描かれた。この仮想世界は第二次世界大戦におけるナチス・ドイツと連合国との戦闘を舞台としているため、ここまでの物語は「第1部 ドイツ・シミュレーション編」と呼ばれている。 1984年4月号から7月号にかけては、第2部として物語を一新。未来の世界の危機を救うため、主人公たちが時間を越えて未来の世界へと旅立ち、シミュレーションではなく現実の世界を舞台として戦う物語が展開された。この物語ではチョロQは登場せず、タイトルも『超未来戦隊 コンバット弾』と改題されている。 連載期間中の『月刊コロコロコミック』1984年新年増刊号では『プラモ天才エスパー太郎』『プラコン大作』『ゼロヨンQ太』との合作による『コンバット弾 史上最大の作戦』が掲載され、同年夏の増刊号では『ラジコンボーイ』『ドラゴン拳』『プラコン大作』との合作『ラジコンボーイ ドラゴン大作戦』が掲載された。 連載終了翌年の1985年には、単行本全2巻が『コンバット弾』のタイトルで同時発売された。単行本には読み切り、第1部、第2部が収録されているものの、第2部は1984年4月号から5月号までにあたる物語が改変されており、最終話の7月号分は単行本に収録されておらず、その直前の6月号分の終わりで物語が完結するよう内容が改変されている。

製作背景

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「カサブランカ (映画)」の記事における「製作背景」の解説

『カサブランカ』が製作された1942年はアメリカにおいて映画産業が戦時体制の重要な柱の一つとされた年である。1940年代前半はスタジオ・システムと呼ばれた製作、配給、上映の資本統合が継続していた黄金期である。ハリウッドの映画資本は、政府側の戦時要請よりも利潤追求を優先していたが、第二次世界大戦へのアメリカの参戦により協力体制をとっていくことになる。 この背景には、アメリカ映画の主要な海外市場であったドイツや日本、イタリアなどの枢軸国がアメリカと交戦状態にあり閉ざされた上に、多くの市場がこれら枢軸国による占領により閉された点もある。さらに当時のアメリカ、そしてイギリスをはじめとした連合国は、クランクインした1942年はいずれも各地で日本やドイツに対して敗色が濃く、そうした中で映画を通じて国民の戦意を鼓舞する必要もあった。 さらにスタジオ・システムが独占禁止法違反であると裁判で負けるのが確実になってきた点もある。また大恐慌の余波が襲っていた1930年代後半の孤立主義や、『怒りの葡萄』（1940年）のような名もなき労働者への賛歌は終わろうとしていた。 時代の要請により、アメリカ人も戦場であるヨーロッパやアフリカへ関心をもたざるを得なくなっていた。また戦争は、大衆の好むメロドラマの枠を広げるには格好の題材でもあった。評論家にも懐疑的な孤立主義者が大義に目覚めていく姿が、アメリカを投影しているとする見方がある。 山本武利や里見脩といったマスメディアと戦争の研究者は、本作とかつて存在した政府機関である戦時情報局（United States Office of War Information（OWI））が主体となった、「ホワイトプロパガンダ」と呼ばれる宣伝工作との関連を紹介している。但し、山本、里見は『カサブランカ』との関連を指摘するのみで根拠となる事実は挙げていないが、いずれにしても、ヨーロッパとアフリカにおける主要敵国であるドイツが映画の中で極端かつ細かく悪役扱いされている。 ルーズベルト大統領を中心に政府機関トップを横断した「心理戦局」は、その活動を始め、セクションの一つである陸軍でもジョージ・C・マーシャル参謀総長の強引な命令により、イタリア系アメリカ人であるフランク・キャプラが責任者にされた。ジュリアスとフィリップのエプスタイン兄弟も、本作の脚本を途中にしたままワシントンへ移り、映画『Why We Fight』へ駆り出されている。 大戦後は再びアメリカ映画がヨーロッパ諸国で配給されるが、マーシャルの名前がつけられた欧州復興支援「マーシャル・プラン」により売上をアメリカへ持ち込めなくなった。これも一因としてヨーロッパ・ロケの映画が製作される。これが映画史におけるランナウェイ映画である。『ローマの休日』（1953年）もその一本だが、本来はキャプラが監督するはずだった。戦争中は戦意高揚映画を作らされ、大戦後は冷戦の影響により、1948年より始まった赤狩りの猛威に晒されたハリウッドで、自信を失っていたキャプラは、ハリウッド・テンのドルトン・トランボの脚本と知って、友人ウィリアム・ワイラーへ譲った逸話がある。その後、リベラル派の多かった戦時情報局（OWI）は、1945年の戦争終了時に国務省に統合されることになる。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/05/21 21:50 UTC 版)

「抗日神劇」の記事における「製作背景」の解説

中国では民間のテレビ番組の内容について中国共産党の検閲が行われているが、内容が「反日」的であれば規制が緩くなるとされる。そのため、第二次世界大戦中の中国大陸を舞台に中国人が日本兵（日本軍兵士）を撃退する「抗日ドラマ（反日ドラマ）」というジャンルが一定数製作されていた。これらの一部は、「（インターネット上で）人気のあるドラマ」や「不思議なお笑いドラマ」を意味する中国語インターネットスラングである「神劇と「抗日」を組み合わせて「抗日神劇」と通称されるようになった。 このような作品が増えた要因の一つとして、放送の規制が厳しい中国では比較的自由度が高いことや、テレビ視聴層の高齢化によって高齢者向けのコンテンツが求められたが、抗日ドラマは他ジャンルよりも製作が容易で派手なアクションを入れやすいという利益重視の姿勢があるという。 中国では共産党やその傘下の宣伝部の主導で、日中戦争を題材としたプロパガンダ作品が多数制作されているが、日本と戦った中国人や共産党を美化・英雄視することでナショナリズムを煽る作品が中心であり、抗日神劇のような荒唐無稽な作品ではない。

製作背景

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/07/27 05:38 UTC 版)

「のみじょし」の記事における「製作背景」の解説

連載前迂闊のPixivやメールから「うちでマンガ書きませんか？」のようなメールが来て詐欺と疑った迂闊は竹書房にその担当が在席しているかどうかの確認の電話しその担当が竹書房にいるかどうが確認したが、間違いなく竹書房の社員であり、迂闊は後ほど謝罪したという余談ではあるがその担当はまさが詐欺扱いされるとは思わず落ち込んだとの事（1巻より） 作者の迂闊はマンガのタイトルをつけるのが苦手でこの作品も適当に「サシ呑み女子」という仮タイトルと決めていたが出版社とのやり取りの中でいつの間にか「サシ」の文字が消えさらに平仮名表記の「のみじょし」になってしまい、連載が決まった時に「もうのみじょしで通してしまった」と担当編集者から知らされたという。 第46話では旅行先でオリジナルビールの手造り体験をするエピソードがあり、作者は実際にビール工房を取材し、オリジナルビール造りに挑戦した。その様子を追った記事「のみじょしオリジナルのクラフトビールを作ろう!」が『まんがくらぶ』2018年9月号に掲載された。

製作背景

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/07/31 22:30 UTC 版)

「ふしぎ駄菓子屋 銭天堂」の記事における「製作背景」の解説

もともとお気に入りのイラストレーター・jyajyaのウェブサイトに雰囲気のある横町や路地の絵を見つけて興味を持ち、このような場所にある店について考える中で、「魔法のようなお菓子を売る駄菓子屋」の案を思いつき、その店主である紅子や「銭天堂」という店名などといったアイデアが一気にまとめて出来上がった。その後、本シリーズの出版が決まり、廣嶋玲子の指名でjyajyaが挿絵を描くこととなった。 駄菓子のアイデアは、廣嶋の願望などがもとになって生まれる。前述の「釣り鯛焼き」は、「大好物の鯛焼きたくさん食べたい」という願い、と「鯛焼きを自分で釣ることができたらいいのに」という望みをもとに生み出された。 また、願望だけでなく実体験がもとになった駄菓子も存在する。たとえば、無くした者や秘密などを見つけやすくする「ホームズビーンズ」は部屋の中にあったはずの物が見つからないという経験がヒントになっている。

製作背景

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/08/04 09:40 UTC 版)

「エドワード・エルリック」の記事における「製作背景」の解説

当時、連載用のマンガのネタを考えていた荒川は、まず錬金術や賢者の石をモチーフとすることを構想していた。ただ、それだけでは主人公のキャラクターが弱いと考えていた折、リハビリセンターでのバイト中に見かけた、自らの義手を腰にぶら下げて歩く人物を見て、義手の主人公というイメージを着想した。最初期の原案では、主人公の18歳の少年と、モモンガに魂を移した父親の二人旅という設定であったが、少年漫画という点を考慮し、最終的に主人公は14歳の義手・義足（機械鎧）の少年で、相棒は大きな鎧に魂を移した弟（アルフォンス）に変わった。キャラクターのビジュアルに関しては賢者の石の色のイメージからマントは真紅、機械鎧の整備で油を差す必要があるので油汚れが目立たないように黒基調の服と、デザインを作っていった。特にエドのデザインはすんなり決まっていったという。エドのトレードマークである「フラメルの十字架」のマークに関しては、担当編集の下村より、少年漫画として主人公と敵側に象徴的なマークをもたせるように提案され、錬金術の資料でよくみるマークを採用したものである（この時、敵側のトレードマークとなったのがウロボロスである）。また、チビという言葉に過剰反応させるのも下村の提案であったが、それ以外の人物像は既に完成しており、「（担当編集として）私の出る幕はほとんどなかった」と語っている。名前は、映画『シザーハンズ』の主人公エドワード・シザーハンズから取られた。 エドを描く時、荒川は基本的に生意気そうな表情になるように気をつけていたという。背筋を伸ばして地に足をつけているイメージとも言い、逆に背中を丸めているときは落ち込んでいる時だという。また、エドの内面をあえて描写しないように心がけたと言い、前髪を長く垂らしているデザインも表情をつける時に顔を隠せるようにしたためであり、何か後ろめたいことがあるといった雰囲気を出したかったという。荒川のイメージとして、エドは「頭はいいけど、単純なガキんちょ」で「自分に自信がある分、人のいうことに耳を傾けない」性格であり、失敗しても錬金術自体には懲りておらず、これが旅を通して己の無知を知り成長していったと述べている。まだ子供ながらに自分のしたことには自分で責任を持つという意識は、実はただ大人ぶっていただけの側面でもあり、両親がいないために家と残された弟を守るために自らが大黒柱になるという気負いがあった。それが物語の後半では（自分でできることは自分で解決しつつも）大人たちを頼るようになるのは成長であり、自分が困っている人たちを助けるのと同様に、自分たちが困っていれば助けてくれる人がいる、そうした人との繋がりが網の目のようにだんだん広がっていくことが大人になるということではないか、と荒川は解説している。また、少年漫画として主人公たちの成長は必要不可欠なものであり、変化がないのは駄目だと思うと語っている（ただし荒川にとってそれは少年漫画として当然のものだから、特に強くは意識して描かなかったとも述べている）。一方では少年漫画の王道としてのいわゆる「友情・努力・勝利」については、最初からレベル100で努力が無いとし、途中は結構負けたり、逃げたりして、なかなか卑怯な主人公とも評している。 荒川は、エドは連載を通して作者の思惑を超えて、独自の行動を取るようにもなったと述べている。もともと荒川は理不尽なことに対し、たとえご都合主義展開であっても、少年誌の主人公として「こういうこともあるさ」「しょうがない」という答えを出させないように気をつけていた。エドは荒川が当初考えていた物語展開をしばしば変えざるを得ない状況に追い込んでいった。作者としては物語展開が運びやすい方に持っていきたいが、これまでのエドの経験や成長を踏まえれば、持っていきたい展開に反した行動や台詞を行うのが自然なシーンに出くわすと、仕方なくエドの選択を認めて作者である荒川の方が物語のハンドルを切り直したという。特に、荒川は第41話の展開がそれであったと述べ、エドの台詞「もう誰一人失わない方法で」「もし目の前で誰かが犠牲になりそうになったらオレが守る」は、作者から見れば、もはやこの先の展開で誰も殺せなくなる、プロットの幅を狭めるもので困ったというが、エドなら絶対にこう言うから、もはやこの主人公にとことん付き合っていこうと覚悟を決めて描いたと回顧している。また、エドは物語の途中で相手を殺さないように明言するようになるが、これももともと荒川は『トライガン』や『るろうに剣心』のような不殺（ころさず）の信念を持つ主人公たちの作品が好きだが、自分ではそのようなシナリオは無理だと考え、連載初期にはハードな旅ゆえにいずれエドは人を殺すことになると想定していたが、結果的にホムンクルスも含めてエドが敵を殺すことは無い展開になったと語っている。 また、エドが最終的に錬金術を喪失するという結末については、荒川は朝日新聞のインタビューに対し、「主人公が得たものは何かから考えていったとき、要らないものがあることに気付いた」「主人公のアイデンティティーと呼べるものでした。存在意義を代価にしたということです」とコメントしている。

製作背景

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/05/15 14:30 UTC 版)

「スター・ウォーズ エピソード4/新たなる希望」の記事における「製作背景」の解説

本作が製作された1970年代中盤のアメリカ映画は、ベトナム戦争終結等の社会風潮を受け、内省的なアメリカン・ニューシネマが多くを占めていた。ベトナム戦争以前の「古きよきアメリカ」を描いた『アメリカン・グラフィティ』で一定の成功をおさめたジョージ・ルーカスは、かつてのアメリカ娯楽映画の復権を意図し、古典コミック『フラッシュ・ゴードン』の映画化を企画する。しかし様々な問題が絡みこの企画の実現が不可能となり、その設定を取り入れて自ら『スター・ウォーズ』の脚本を執筆した。そのため、一般的にはSF映画というジャンルに分類されている本作であるが、内容は正に娯楽映画の見本市であり、戦争映画をはじめ、西部劇、海賊映画、ラブロマンス、ヒューマン、ミュージカル、果ては日本の時代劇の要素まで盛り込まれている。 製作にゴーサインが出たとはいえ極端に予算が少なく、様々な作業をこなさなければならなかったルーカス本人が忙しさの余り入院したほどであった。このため、撮影終了後ルーカスはアラバマ州で『未知との遭遇』を撮影していた友人のスティーヴン・スピルバーグを訪ね、「もう大作はこりごりだ」と言っていたという。 製作時、ほとんどの関係者は「毛むくじゃらの猿（チューバッカ）が二足歩行しているし、ヒロインは変な団子を付けているし、変な映画だな」などと思ったという。中には「ゴミ映画だ」とぼやいたカメラマンもいたほどだった。ルーカスが、スピルバーグやブライアン・デ・パルマなどの友人たちを招いて自宅で完成前のラッシュ試写を行った際には、気まずい空気が流れ、デ・パルマは「ダース・ベイダーは陳腐な悪玉」「フォースという名の都合のよい便利な魔法」「レイア姫の菓子パンのような三つ編み」「冒頭の長すぎるスーパーインポーズ」などと酷評した。ルーカスは「よく言うね。君は映画で成功したことがないくせに。僕はせめて5000万ドルは儲けてやる！」と言い返した。反対にスピルバーグは「5000万ドルなんてものじゃない。1億ドルは儲かる」と評価した。完成後の試写会と同時にそうした低評価の感想は減っていたが、関係者の中では試写中に居眠りをする者もいた。 アメリカの各映画館は当時、子供やマニア向けのB級映画と低く見なして上映することを渋り、配給会社である20世紀フォックスも他の映画作品との抱き合わせるかたちで売り込みを行わざるを得なかった。完全に自信を失ったルーカスは映画が大失敗すると思い込み、結果を聞くまいとプレミア公開翌日にハワイ旅行に出かけ、電話もテレビもない別荘に籠っていたという。ルーカスはプレミア公開時にチャイニーズ・シアターで本作に並ぶ行列に出くわしたが、「こんなにヒットする映画なんてうらやましいな」と思ったという。本作の失敗を確信していたルーカスは、自身が受け取る本作の収益歩合と、スピルバーグが受け取る『未知との遭遇』の収益歩合を交換しようと持ち掛け、ルーカス本人以上に本作を高く評価していたスピルバーグはこれを了承し、印税の2.5%を交換することにした。公開と同時に大ヒットしたことを、電話のつながらない場所にいるルーカスにいち早く伝えたのもスピルバーグである。結果として『スター・ウォーズ』は『未知との遭遇』を超える大ヒットとなり、現在になってもその印税収入は、スピルバーグに利益をもたらしている。

製作背景

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「竜馬暗殺」の記事における「製作背景」の解説

本編の製作は新宿ゴールデン街のバー「まえだ」の飲み仲間だった夏文彦（本名・富田幹雄）が黒木和雄に「あんたの映画をプロデュースしたい」と持ちかけたことに端を発する。その後、企画がATGを通った時点で黒田征太郎の応援を仰ぐこととなり、夏文彦と黒田征太郎の企画製作で製作されることになった。製作費を調達したのも夏と黒田で、京都のロケ途中で軍資金（製作費）が底を突き、急遽、新幹線で上京して「まえだ」のママ・前田孝子をはじめゴールデン街のなみじの店3軒で計150万円を調達してなんとか撮影続行に漕ぎ着けたというエピソードも伝えられている。こうしたことから本編は、当時、「ゴールデン街が作った映画」とも呼ばれたという。なお、夏文彦は本編のために作った借金を5年かけて返済したことを主演の原田芳雄が明かしている。

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「赤い鳥逃げた?」の記事における「製作背景」の解説

本作の製作は、監督の藤田敏八と脚本のジェームス三木の交流に端を発する。三木によれば、藤田と三木は俳優座養成所の同期で、藤田のデビュー作『非行少年 陽の出の叫び』を見て感心した三木が長い手紙を書いたのがきっかけで「一緒に映画を作ることになった」という。またプロデューサーの奥田に藤田を紹介したのも三木で、奥田によれば1969年頃の年末、東宝のクリスマス・パーティーで紹介されたという。その後、藤田から奥田に電話があり、東宝撮影所の入り口で待ち合わせることに。間もなく「ボロボロのトヨタ・コロナ」を運転して現れた藤田は奥田を助手席に乗せると「一寸これを見て下さい」と後部座席を示したという。そこには古い脚本や本、シャツ、下着などが山積み。聞くと「今日カミさんに追い出されました」という。そして「この瞬間に私はパキさんにはまったのである」。 こうして、奥田製作、藤田監督、ジェームス三木脚本による新作が企画され、紆余曲折を経て脚本も完成。どうにか東宝本社のOKも出たものの、当時、東宝撮影所で他社の監督に仕事をしてもらう場合は、東宝の監督会と従業員組合の承諾が必要という不文律があったという。この時の監督会のリーダーは西村潔で、早速、奥田は西村に承諾を求めたものの、西村は「東宝の作品に東宝の監督を使わないのは不都合である」と承諾を拒否。さらに藤田組を撮影所に入れるかどうかをめぐって撮影所組合で投票が行われ、反対50、賛成49、棄権1の1票差で協力拒否が決議され、東宝撮影所の使用が不可能となった。こうした結果となった背景には、東宝が専属監督19人に対し「観客動員不振は今いる監督が無能のためである」として次期監督契約破棄（フリー化）を通告し、それに監督会と助監督会が激しく反発するという東宝の社内事情があったとされる。いずれにしても、こうして東宝製作ながら東宝撮影所の協力が得られないという異例の条件で製作されることになった本作はスタッフも全員、藤田敏八の人脈で集められることになった。その中にはチーフ助監督を務めた長谷川和彦やサード助監督を務めた相米慎二などもいた。 また脚本をめぐってもトラブルがあった。三木によれば、話し合いの中で藤田は「起承転結なんてくそ食らえだ。俺は自由で新しい感覚の映画を作る」と抱負を述べており（ジェームス三木の表現によれば「気炎を上げた」）、意識していたのもゴダールの『気違いピエロ』やトリュフォーの『突然炎のごとく』だったという。三木はできるだけ藤田の言い分を受け入れ、タイトルも『青い鳥を撃て』として「前衛的な脚本を書いたつもりだった」。ところが藤田は「腹心の助監督長谷川和彦と二人で、めちゃくちゃに脚本をいじくり回し、タイトルまで「赤い鳥逃げた?」と変えてしまった」。そのため、藤田と三木は大喧嘩となり、仲直りするのに数年かかったという。なお、主人公三人が警察の一斉射撃で亡くなるという結末は『シナリオ』1973年1月号に掲載された「未定稿」や『キネマ旬報』1973年3月上旬号に掲載された「あらすじ」とも異なっており、製作現場でのアドリブだった可能性がある。それを裏付けるように奥田が面白いことを書いている。実はラストのカーチェイスで主人公三人が乗っていた車は奥田の車（プリンス・スカイラインGT）で、藤田から「貴方の車を撮影に貸して下さい」と言われて快くOKしたところ、その後、「車のドッグファイティングを撮影したいのだがよいか」「多少傷つけるかも知れない」と要求はエスカレート、遂には「ラストシーンで、あの車を燃やしたい‼」。こうした証言からも、現場のアドリブで次々と脚本が書き換えられて行った実態がうかがえる。

製作背景

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「闘将!!拉麺男」の記事における「製作背景」の解説

本作が企画された背景には、当時本格的な中国拳法の漫画がなかったこと、作者であるゆでたまごが『燃えよドラゴン』などブルース・リーの映画を好んでいたことがあった。そこで、漫画『キン肉マン』に登場するキャラクターの中で読者人気の高かったラーメンマンに少林寺拳法をミックスさせた形で描くこととなった。『闘将!!拉麵男』は『キン肉マン』とは異なる世界観のため、混乱しないように『キン肉マン』ではラーメンマンをあまり登場させないようにし、代わりにモンゴルマンを登場させることとなった。 『キン肉マン』との2本同時連載であったため、執筆中はほとんど家には帰れず、ゆでたまごの2人は、コンタロウや江口寿史も常連になっていた「伝説の執筆室」にこもりっきりで執筆をしていた。 作中に登場する格言については、作者が好んでいたテレビドラマ『必殺シリーズ』（1972年 - 、TBS系列、テレビ朝日系列）から影響を受けたものとなっている。 また、作者が香港に取材に行った際に、ジャッキー・チェンから本作を実写映画化するという話を持ちかけられたが実現しなかった。 本作が未完に終わっていることに対し、作者は続きを描く意欲と、ラーメンマンの少年時代をもっと描きたいとの意欲を語っている。

製作背景

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2012/05/09 06:55 UTC 版)

「ザ・ウィル・トゥ・デス」の記事における「製作背景」の解説

2004年、ジョン・フルシアンテはレッド・ホット・チリ・ペッパーズの活動休止中の合間に、6か月で6枚のアルバムを製作すると発表。本作はその1作目にあたる。 時間と金をかけて製作されたシャドウズ・コライド・ウィズ・ピープルとは違い、レコーディングは短期間で行われ、最大でも録音は1曲につき2回のみであった。