背景・曲の構成

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背景・曲の構成

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「ブラックバード (ビートルズの曲)」の記事における「背景・曲の構成」の解説

マッカートニーは、スコットランドにある自身の農場で「ブラックバード」を書いた。ギターの伴奏は、ヨハン・ゼバスティアン・バッハの「ブーレ ホ短調（英語版）」に触発されたもので、マッカートニーは「構成的にはメロディとベースラインのハーモニックな関係が特徴となっていて、僕はそこに魅了された。バッハの曲を元にしたギターでメロディを展開させて、別のレベルに持っていった。歌詞はそれに合わせて付けてある」と振り返っている。 歌詞は、女性を「鳥」になぞらえて、「傷ついた翼のまま、夜の闇の中にある光を目指して飛んでゆく」などと描写した内容となっている。歌詞についてマッカートニーは「1960年代は公民権をめぐって様々な問題が起きていて、僕らもみな熱心に応援していた。この曲は実のところ、リトルロック高校事件で差別と隔離を受けていた黒人女性に宛てて書いた曲だ」と語っており、2016年4月30日にノース・リトル・ロックで行ったライブでも「僕らはイギリスに戻って、公民権をめぐったさまざまな問題を知ることになったんだけど、僕らにとってこの場所はとても重要な場所だ。だって僕にとってすれば、このリトル・ロックから公民権運動は始まったのだから。何が起こっているのかを知り、問題を乗り越えようとする人々に共感することになって、そうしたことが僕に曲を書かせることになったんだ。少しでも問題を乗り越えようとする人々の手助けになるかもしれないと思ってね」と語っている。 アコースティック・ギターでのツーフィンガー奏法によるアルペジオと、指弾きによるストロークとの中間的な演奏が聞け、3弦開放音（G音）が通奏的に鳴り続けているのが特徴。このアコースティック・ギターのフレーズは、2006年にシルク・ドゥ・ソレイユのショーのサウンドトラック盤として発売された『LOVE』において「イエスタデイ」のイントロとして収録されている。

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「P.S.アイ・ラヴ・ユー」の記事における「背景・曲の構成」の解説

ポール・マッカートニーは、ドイツのハンブルクに滞在していた1962年春に「P.S.アイ・ラヴ・ユー」を書いた。歌詞の内容からマッカートニーが当時の彼女であるドット・ローヌに宛てて書いた曲と解釈されることもあるが、マッカートニーは「手紙をテーマした歌…大半は僕が書いたよ。あまりジョンの手は借りなかったと思う。テーマにしやすいものはいくつかあって、手紙はその一つ。でも別に実際の出来事じゃないし、ましてはハンブルクのガールフレンドに宛てたものでもない。そう考える人もいるみたいだけどね」と否定している。 本作にジョン・レノンは、「ポールの曲。シュレルズの『ソルジャー・ボーイ（英語版）』みたいな曲を書こうとしていたんだろう。ドイツにいた時だったか、ハンブルクに行こうとしていた時につくった。僕も何か手を加えたかもしれないけど、よく覚えてないや。基本的にポールの曲だ」と語っている。

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「ラヴ・ミー・ドゥ」の記事における「背景・曲の構成」の解説

「ラヴ・ミー・ドゥ」は、1958年から1959年にかけて不登校生だった当時16歳のポール・マッカートニーによって書かれた作品で、ジョン・レノンはミドルエイトを書いた。作者クレジットはレノン＝マッカートニーで、レノンは「『ラヴ・ミー・ドゥ』はポールの曲だ。僕らが本格的な作曲家になる前、ハンブルクの頃から曲を持っていたのを知ってるよ」と語っている。 「ラヴ・ミー・ドゥ」は、G7とCコードを基調とした楽曲で、ミドルエイトのみDに移るというコード進行となっている。レノンが演奏したブルージーかつドライなハーモニカのリフから始まり、レノンとマッカートニーによるツイン・ボーカルが加わってくる。 当初はレノンがタイトルセクションを歌っていたが、フレーズに重なるかたちでハーモニカのパートが追加されたため、ハーモニカを演奏するレノンではなくマッカートニーがこの部分を歌うことになった。この処置について、マッカートニーは「そのセッションまではこの部分を歌うのはジョンの担当だった。だけど歌詞がハーモニカのソロに被るから、"Love me do"の部分で止まってしまう。そこでジョージ・マーティンがハーモニカをフィーチャーするアイデアを出して、急遽僕がリードをとることになった。本当に緊張したよ。今聴いても緊張して声が震えているのがわかる」と語っている。

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「ヒア・カムズ・ユア・マン」の記事における「背景・曲の構成」の解説

フランシスは、14歳から15歳の頃に『ヒア・カムズ・ユア・マン』を書いた。1987年に入りデモ音源が制作されたが、「ポップすぎる」としてこの時点では正式なレコーディングは行われなかった。4ADレーベルの会長であるアイヴォ・ワッツ＝ラッセルは、バンドのデビュー作『カム・オン・ピルグリム』の収録曲を決める際に、「明らかに商業的すぎる」として意図的に本作を除外した。 その後も未発表のままとなっていたが、1989年のアルバム『ドリトル』のレコーディング・セッション時に、プロデューサーのノートンが曲を気に入ったことから、本作の正式なレコーディングが行なわれることとなった。このレコーディング・セッションでレコーディングされた本作は、従来のデモ音源とは異なるアレンジになっており、フランシスによって新たなヴァースが追加されている。 曲は、ギタリストのジョーイ・サンティアゴが気に入っているドミナント7♯9コードから始まる。曲中ではアコースティック・ギターでD-G-Aというコード進行を演奏していて、リッケンバッカー製12弦ギターとフェンダー・テレキャスターでギターリフを演奏している。

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「ナット・ア・セカンド・タイム」の記事における「背景・曲の構成」の解説

「ナット・ア・セカンド・タイム」について、レノンは1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューで「僕の曲。何かに挑戦しようと思ったんだけど、それが何だったのかは忘れた」と語っている。なお、レノンは「当時はスモーキー・ロビンソンか何かを書こうとしていた」とも語っており、ポール・マッカートニーも「スモーキー・ロビンソン&ミラクルズに影響された曲」としている。 本作は、ビートルズが作曲家としての評価を受けた初の例となっている。『タイムズ』誌のウィリアム・マンは「メジャー・トニックのセブンスとナインスが強固に組み込まれ、フラットを付した長短音階の6度の転調があるせいで、最後のイオリアン・ケイデンス（自然的短音階）も非常に自然になっている。コード進行は、マーラーの『大地の歌』に匹敵する」と分析している。レノンは、後年に「未だにイオリアン・ケイデンスが何なのかがわからない」と語っている。

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「アイル・ビー・バック」の記事における「背景・曲の構成」の解説

音楽評論家のイアン・マクドナルド（英語版）によると、レノンがデル・シャノンが1961年4月に発表した「悲しき街角」のコードを参考にして本作を作曲したとのこと。レノンも1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューで「デル・シャノンの歌のコードを参考にした」と語っている。 フラメンコ調のアコースティック・ギターと感情の複雑さを表した歌詞が特徴となっている。曲はヴァースと2つのブリッジで構成され、コーラスが存在しない。 プロデューサーのジョージ・マーティンは、ビートルズのアルバムのオープニング・ナンバーとクロージング・ナンバーには「優位性がある」と判断した楽曲を使うことを好んでいた。しかし、音楽評論家のイアン・マクドナルド（英語版）は「『ハード・デイズ・ナイト』の最後に音色が曖昧になっていくこの曲は、驚くほど穏やかな別れの曲で、これから成熟していくことを示している」と指摘している。音楽ジャーナリストのロバート・サンダールは、『モジョ』誌で「最も予言的だった初期のビートルズの楽曲。陰と陽で彩るアレンジは、『ラバー・ソウル』での内なる旅を予感させた」と述べている。

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「イット・ウォント・ビー・ロング」の記事における「背景・曲の構成」の解説

レノンは、1971年と1980年に本作の作者であることを主張している。一方で、マッカートニーは、1995年に「ジョンがメインで歌っているから、彼のオリジナルのアイデアだと思うけど、2人で座って一緒に書いたんだ」と語っている。サビは、「be long」と「belong」を掛け合わせた言葉遊びとなっている。本作では、コールアンドレスポンスのような「yeah」のコーラス、スケール感のあるギターリフなど、ビートルズの活動初期のトレードマークとなっている要素が見受けられる。 レノンは「これも僕。二枚目のアルバムに入れた。これは特殊な効果音を使っていて、エンディングは正にクラシックのマーラーによるシンフォニーの終わり方なんだ。でも本当はいったい全体それがどんなことか僕にはわからなかったけどね」と語っている。また、1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューでは、「シングル用の曲を書こうとしたんだけど、うまくできなかった。ロンドン・タイムスのなんとかって記者が『イオリアン的抑揚』というようなことを書いてた。ビートルズの知的解釈というやつの始まりさ」と語っている。

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「テル・ミー・ホワイ (ビートルズの曲)」の記事における「背景・曲の構成」の解説

本作についてポール・マッカートニーは「『テル・ミー・ホワイ』をはじめ、ジョンが書いた曲の多くは、ジョンの実体験やシンシア（レノンの妻）との関係を元にしているといわれているけど、実際に僕らがそんな場面と出くわしたことはない」と語っている。 レノンは、本作について1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューで「アップテンポな曲が必要だと言われて書いた曲。ニューヨークの黒人女性グループみたいな感じだ」と語っていて、基本的にシンプルなドゥーワップのコードチェンジとランニングベースの上に乗せたブロック・コードで構成された楽曲となっている。 曲のキーはDメジャーに設定されている。レノン、マッカートニー、ジョージ・ハリスンの3声ハーモニーで歌われていて、コーラスではレノンがハリスンよりも高い音域を歌っている。

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「アイム・ア・ルーザー」の記事における「背景・曲の構成」の解説

1980年にレノンは本作について「ディランに影響されてた時期の曲」とし、「一方の僕は自分を負け犬と思っていて、もう一方の僕は自分は天下無敵だと思ってた（笑）」と語っている。ポール・マッカートニーは「僕らはカントリー・アンド・ウェスタンの曲をよく聴いていた。だいたいが『俺はトラックを失くしちまった』みたいな悲壮なもの。だから『僕は負け犬』と歌うことについて特に抵抗はなかった。その時は気づかなかっただろうけど、後になってわかるんだ。神よ！ジョンの勇気を讃えたまえ！『アイム・ア・ルーザー』はまさにジョンらしい曲だ」と語っている。 アンタ―バーガーによると、「ビートルズの曲でおそらくディランの影響を直接的に反映した最初の楽曲であり、翌年のフォークロックの流行に向けて、フォークとロックを少しずつ近づけていったという点で注目されている」とのこと。音楽学者のアラン・ポラック（英語版）は、「この曲にはビートルズがそれまでに手がけた楽曲よりも、フォークの要素がより強くブレンドされている」と評している。本作の「And I'm not what I appear to be（見た目とはぜんぜん違うんだ）」というフレーズは、レノンがそれまでに手がけた楽曲の中で最も内省的なもので、翌年に発表された「ヘルプ!」や「ひとりぼっちのあいつ」に通ずる内容となっている。

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「ニモ (曲)」の記事における「背景・曲の構成」の解説

本作の作詞作曲を手掛けたツォーマス・ホロパイネンは、「これまでに作った曲で『最も難しい曲』の1つ」と語っている。当初のアレンジはテンポが現行のものよりも速く、演奏時間が2分長かったが、レコーディング・エンジニアのテロ・キンヌネンの提案により、一部のセクションが省略され、テンポが約10BPM遅くなった。 題名は「誰でもない」を意味するラテン語（英語のnobodyと同義）であり、歌には喪失の気持ちや過去への憧憬が描かれている。しかし、題名の由来に関して様々な憶測を生んだ。例えば、ジュール・ヴェルヌ作の『海底二万里』に登場するネモ船長、チャールズ・ディケンズ作の『荒涼館』に登場するネモ、ウィンザー・マッケイ作の「リトル・ニモ」、ディズニー映画の『ファインディング・ニモ』などと関連付けられた。特に「ファインディング・ニモ」に関しては、この曲が発売される直前に公開されたため、またホロパイネンがそのアニメを制作したディズニーのマニアだったため、登場キャラクターのニモと混同された。それについてホロパイネンはインタビューで、「魚ではない! "誰でもない"を意味するラテン語であり、ディズニー映画とは関係がない。」と述べている。

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「ボヘミアン・ラプソディ」の記事における「背景・曲の構成」の解説

マーキュリーの友人であるクリス・スミスによると、マーキュリーは1960年代後半に「ボヘミアン・ラプソディ」を書き始めたという。マーキュリーが当時書いていた楽曲の1つには「The Cowboy Song」の歌詞には、本作のフレーズでもある「Mama ... just killed a man（ママ、たった今僕は人を殺した）」というフレーズが含まれていた。ブライアン・メイは、「The Cowboy Song」を初めて聴いたときのことについて「フレディが父親の職場から拝借した付箋のような大量の紙切れを持ち込んで、ピアノを弾き始めたのを覚えてる。彼はまるでドラムを叩くかのようにピアノを弾いていて、それは彼が説明していたオペラのようなものからまるでかけ離れていた。きっと彼の頭の中でハーモニーが展開されていたんじゃないかな」と語っている。 バンドは、1974年半ばにリッジファーム・スタジオで1か月にわたってリハーサルを行ない、ヘレフォードシャーのペンロス・コートでの3週間のリハーサルを経て、1975年8月24日にロックフィールド・スタジオでレコーディングを開始した。レコーディングには24トラックのアナログ・テープが使用された。 5月に1日10〜12時間ほどでボーカル・パートの録音を行なったと伝えられている。楽曲全体のレコーディングには3週間費やされ、一部のセクションでは180トラック分のオーバー・ダビングが施された。ボーカル・パートのオーバー・ダビングにあたっては、マーキュリー、メイ、ロジャー・テイラーの3人で160トラック分のオーバー・ダビングが施され、メイは「繰り返しテープを回していたから、テープは擦り切れていって、照明に当てると向こうが透けてみえたほどだった。音楽もほとんど消えかかっていて、フレディが『もう少し“ガリレオ”を足そう』という度に、なにかが代わりに消えていった」と振り返っている。 曲の構成は冒頭から順に アカペラ バラード オペラ ハードロック バラードである2.の延長 となっている。 ヒットしたためにステージでのライヴ演奏が要求されたが、バンドのメンバー4人だけでの通奏や完全再現は不可能であった。初期のステージでは分割した形で、2. と 4. とをそれぞれ、別々の曲と組み合わせた、メドレー形式として演奏された。その後、中期以降においては、ほぼ1曲通して演奏されることとなったが、1. は省略して、2. のイントロ相当部分のフレーズの繰り返し、ないしは独自のピアノ弾き語り部分を、冒頭に付加して行われた。3. はテープのみを流し、その間に、衣装を変えて再登場して4.以降をライヴ演奏するなどの視覚的効果も加えられた。 1985年に行われたライヴエイドでは、1曲目として2.のみが演奏され、メイによるギターソロからそのまま流れるように次の曲である「RADIO GA GA」に移った。 クイーン+ポール・ロジャースのステージでは、1. は省略、2. はマーキュリー存命時のライヴのヴォーカル・トラックに合わせた演奏（スクリーンにもフレディの姿が映し出された）、3. はテープ、4. 以降ポール・ロジャースも加わるという構成だった。クイーン+アダム・ランバートのステージでは、1. は省略、2. は1番はアダム・ランバート、2番はアーカイブ映像によるマーキュリー、3. はテープ、4. は再びアダム、5. はマーキュリーアダムのデュエットという構成になっている。 キーポイントでもあり、ライヴ再現での最大の障害ともなっている 3. のコーラスの録音は、ドラムセット、ピアノ、ベース、ギター等のバッキング・トラック、マーキュリーのリードボーカルと、ミックスされない仮歌のトラックを除く残りのトラックに、メンバーが何度もオーバーダビングすることによって、約200人位の「声の効果」を出そうとしたものであり、実際にそれくらいの声が重ねられている。またダビングのし過ぎでテープが劣化し、テープを明かりに翳すと光が漏れて見えていたというエピソードが残されている。このエピソードは、2018年に公開された本作と同名の映画でも触れられている。

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「バッドフォーミー」の記事における「背景・曲の構成」の解説

2018年初頭に「バッドフォーミー」のデモ音源が完成し、そのデモ音源を聴いたドラマの監督が「この曲をぜひ」ということから、主題歌として使用されることが決まった。主題歌として選んだ理由として「めちゃくちゃピュアで純粋な気持ちなのに、それを斜めに受け止めようとしているしゃがれた感じにグッときた」「今回のドラマの主人公・田島毛と別所の2人の気持ちを歌っていると思った」としている。楢崎誠は「元々のデモの雰囲気とドラマの雰囲気がマッチしていた」としているが、示し合わせたわけではないとも語っている。 サウンド面では、サックスやパーカッションが取り入れられており、楢崎は「この曲でテナーサックスを吹いたときの快感はヤバかった。音域的にボーカルとの兼ね合いが良い」と語っている。サビ前のベースのフレーズは、楢崎曰く「ベースの音域としては明らかにおかしい跳び方」をしており、「レコーディングでは別録りしたけど、サビにインパクトを与える重要なフレーズになっていて、気持ちよかった」と語っている。藤原聡は、「もしも東京スカパラダイスオーケストラのみなさんをフィーチャリングするならこういう曲がやりたい」という設定で作った曲とし、「そのイメージでデモを作っているから、ブラス・セクションがバリバリ活躍して、パーカッションが細かいフレーズを叩くのも、そういうイメージがあってのことだった」と語っている。 楽曲はボーカルから始まり、最後にAメロに戻って終わる。Aメロが3回あり、小笹大輔は「真ん中は好きに散らかせるなと思って、好きなように作ってきたら、楢ちゃんも好きに散らかしてきて、いい絡みができた」と語っている。なお、2番のフィルは何十回もテイクが重ねられている。

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「ひとりぼっちのあいつ」の記事における「背景・曲の構成」の解説

「ひとりぼっちのあいつ」は、レノンがアルバム『ラバー・ソウル』のために曲を書こうと5時間悩んだ末に、自分自身について書いた楽曲。1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューで、レノンは「ある朝、僕は5時間ほど曲の構想を練ってた。意味のある良い歌を作ろうとして思ったんだ。だけどいつまで経ってもできなくて、ついに諦めて横になった。そしたら突然『Nowhere Man』という言葉とメロディが思いうかんできた」と語っている。 ポール・マッカートニーは「ジョンの曲。この頃のジョンは自分がこれからどこに向かうのかを少し心配してたんじゃないかな」と語っている。 曲全体としては、32小節形式となっており、Eメジャーで演奏される8小節の主部、音楽的な問いかけをする第3フレーズ（17〜42小節）、Eメジャーの主部を再現する第4フレーズが繰り返される。主部は「He's a real」でのEコードから始まり、「nowhere man」でのBコードと「sitting in」でのAコードとの間で下降する。最後のフレーズ「nowhere plans」では、Aコードの代わりにAマイナーが使用され、同時にG♯で演奏されるメロディで不協和音となるAmM7を作り出している。

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「恋をするなら (ビートルズの曲)」の記事における「背景・曲の構成」の解説

ハリスンのインドの伝統音楽への関心の反映に加え、「恋をするなら」はバーズの影響を受けた楽曲となっている。バースは、1964年に公開されたビートルズ主演の映画『ハード・デイズ・ナイト』に触発され、自分たちの音楽に対してビートルズの演奏スタイルなどを取り入れた。1965年8月初旬にバーズとビートルズ間での交流が始まり、同月下旬にハリスンはデヴィッド・クロスビーと会話をし、その中でシタール奏者のラヴィ・シャンカルの名が挙がった。以降、ハリスンはインドの伝統音楽や古代のヒンドゥー教の教えへの関心を深めていき、1966年にはインドに渡ってシャンカルに師事してシタールの演奏を習得した。 曲中におけるギター・パートはDのポジションで演奏され、本作についてハリスンは「世の中にごまんとあるDコードスタイルの曲。少し指を動かせばあのフレーズになる」と語っている。フォークロック調の楽曲で、一部インドの伝統音楽の影響が見られる。なお、ハリスンはバースの「リムニーのベル（英語版）」のリフに触発されて本作を書いており、ドラム・パートは同バンドの「シー・ドント・ケア・アバウト・タイム（英語版）」から一部拝借している。歌詞について、ハリスンは「（翌年に妻となった）パティ・ボイドに向けたラブソングとして書いた」と語っている。

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「ドライヴ・マイ・カー」の記事における「背景・曲の構成」の解説

歌詞は、語り手が女性に自分は有名な映画スターになるはずで、自身の運転手にしてもいいと伝えられるところから始まる。語り手が断ると、女性は頑張って働くよりももっと素晴らしい時間にしてみせると言ってきた。彼が申し出を受け入れると、女性が「実は車を持ってないの。でも運転手が見つかったし、これから始まるの」と口にする。タイトルの「Drive My Car」は「性交」の意を持つ古いブルースの隠語で、マッカートニーも古いブルースの隠語として使用したことを明かしている。 マッカートニーが楽曲制作のためにウェイブリッジにあるレノンの自宅に向かったときに、マッカートニーはこの曲が思い浮かんだが、この時点でマッカートニーは「歌詞が悲惨だというのは僕には分かっていた」とのこと。コーラスには「You can buy me diamond rings」というフレーズがあったが、"diamond rings"はこれまでに「キャント・バイ・ミー・ラヴ」と「アイ・フィール・ファイン」（およびボツとなった「イフ・ユーヴ・ガット・トラブル」）で使用されていた。レノンは、マッカートニーが考えた歌詞を「馬鹿馬鹿しく、甘すぎる」と否定した。2人は歌詞を書き直すことにし、困難の末にタイトルが「ドライヴ・マイ・カー」に決まり、その題から全体の歌詞が簡単に湧き上がった。当時について、マッカートニーは「最もやっかいなライティング・セッションの1つだった」と振り返っている。

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「ミッシェル (曲)」の記事における「背景・曲の構成」の解説

本作について、マッカートニーは「チェット・アトキンスのフィンガー・ピッキング・スタイルで書いた曲。トップラインを繰り返す『Trambone』という曲があって、彼はメロディを弾きながらベースラインを弾いていた。僕らにとっては革新的だった。僕らがフィンガーピッキング・スタイルを使うことを知ったのは、チェット・アトキンスだった」と語っている。 本作の歌詞と楽曲のスタイルは、マッカートニーの学生時代の出来事に由来している。マッカートニーが顎髭をたくわえたり、ボーダーのTシャツを着用した芸術専攻の学生達が集まるパーティに出席していた際に、学生達がフランス語の歌を歌っていて、マッカートニーもその中で、フランス語を彷彿させる楽曲を作って演奏した。それが本作であるが、レノンが『ラバー・ソウル』に収録するにあたって、リメイクを提案するまでそのままとなっていた。 フランス語の名前と韻を踏んだフレーズは、マッカートニーからの依頼を受けたアイヴァン・ヴォーン（英語版）の妻であるジャン＝ヴォーンによって書かれた。これについて、マッカートニーは「この曲はフランス語に聞こえるといつも思っていたから、そこに重点を置いた。ただフランス語がうまく話せないから、フランス語を話せる人の助けが必要だった」と語っている。 ヴォーンが冒頭の「Michelle, ma belle（ミッシェル、ぼくの美しい人）」というフレーズを書き、数日後マッカートニーは「these are words that go together well（とてもよく似合う言葉だ）」というフレーズの翻訳を求め、「sont les mots qui vont très bien ensemble」というフレーズが加えられた。その後、ニーナ・シモンの「アイ・プット・ア・スペル・オン・ユー（英語版）」を聴いたレノンがブリッジで「I love you」を強調するように提案した。 モノラル・ミックスとステレオ・ミックスで曲の長さが異なっており、モノラル・ミックスが2分33秒であるのに対し、ステレオ・ミックスは2分40秒となっていて、アメリカで発売されたモノラル・ミックスは2分43秒となっている。また、本作は最後のギターソロの途中でフェードアウトして終わるが、2009年に発売された音楽ゲーム『The Beatles: Rock Band』（日本未発売）には、フェードアウトせずに最後まで演奏されるアレンジで収録されている。そのため、曲の長さも2分50秒まで延びている。

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「ガール (ビートルズの曲)」の記事における「背景・曲の構成」の解説

楽器によるイントロはなく、レノンのボーカルから始まる。演奏面では「アンド・アイ・ラヴ・ハー」や「ミッシェル」と同じくギリシャ音楽との類似点が見られる。歌詞のインスピレーションについて、1980年のインタビューでレノンは「まだ見ぬ理想の女性像を歌ったもの。結果的にそれはヨーコのことだった」と語っている。またレノンは同年に「ウーマン」という曲を発表しているが、これについても「ビートルズ時代に作った『ガール』の1980年版だよ」と語っている。 ポール・マッカートニーは、1994年に「基本的なアイデアはジョンだけど、共作だ。"Was she told when she was young that pain would lead to pleasure"と"That a man must break his back to earn his day of leisure"というフレーズを書いたことを覚えている」と語っているが、1970年の『ローリング・ストーン』誌のインタビューで、レノンはキリスト教に対する言及としてこれらのフレーズを書いたと説明している。

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「嘘つき女」の記事における「背景・曲の構成」の解説

ハリスンは、本作のインスピレーションが何であったかを忘れており、1980年に出版した自伝『I・ME・MINE』で、「『嘘つき女』は特定の誰かに歌ったはずだったけど、思い出せない。政府かなんかだったんだろう」と書いている。このように楽曲のインスピレーションが曖昧であり、ボブ・ディランの「寂しき4番街」を思わせる恋人に別れを告げるような歌詞とも捉えられることから、本作は政治的声明と個人的な関係についての言及の2つの解釈がなされている。 本作はディランの影響を受けている。ビートルズはディランにロックへ転向させるきっかけを作り、ディランはビートルズに通常のラブソングよりも洗練されたコンセプトに取り組むきっかけを作った。またハリスンは、1965年春にジョン・レノンらと共に、歯科医師のジョン・ライリーがコーヒーに混入させたLSDを服用し、幻覚症状によりパニック状態に陥った。これ以降も継続して服用し、それは音楽面にも影響を与えることとなった。 「嘘つき女」のキーはGメジャーとGマイナーに設定されており、4分の4拍子となっている。2小節のイントロダクションのあと、ヴァースとコーラスが3回ずつ入り、最後のコーラス部分を繰り返して終わる。

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「ウィズ・ア・リトル・ヘルプ・フロム・マイ・フレンズ」の記事における「背景・曲の構成」の解説

「ウィズ・ア・リトル・ヘルプ・フロム・マイ・フレンズ」は、1967年3月中旬にレノンとマッカートニーによって、スターが演じるビリー・シアーズ（Billy Shears）という架空の歌手が歌うというコンセプトのもとで書かれた。当時『サージェント・ペパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンド』のレコーディング・セッションは終盤に差しかかっており、時間に余裕がなかった関係から、本作を書き始めた翌日にレコーディングを行う予定となっていた。マッカートニーは当時について「ジョンと僕のちょっとした職人作業だった。僕はいつもそれを007の映画の主題歌を書くようなものと考えていた。リンゴのキーにあわせて書かなきゃならなかったうえに、少しおふざけっぽく書かなきゃならなかったから、僕からすれば普段とはちょっと違った作業だ」と語っている。 本曲の当初のタイトルは、「Badfinger Boogie（バッドフィンガー・ブギ）」。楽曲の制作はレノンがギター、マッカートニーがピアノを弾きながら行われた。レノンは1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューで、「ポールの曲で、少しだけ僕も手伝った。『What do you see when you turn out the light, I can't tell you, but I know it's mine.（灯りを消したらなにが見えるんだろう？言えないけど、わかってる、ぼくのものさ）』の部分をね」と語っている。本作の制作の途中で、マッカートニーは「フール・オン・ザ・ヒル」を歌い出し、レノンがこの時点でできていた歌詞を書き留めた。 冒頭の歌詞は当初「What would you think if I sang out of tune? Would you throw ripe tomatoes at me?（もし僕が音程を外して歌ったら君はどう思う？熟したトマトを投げつけてくれるかい？）」となっていたが、スターが「将来この曲をステージで歌うことになったときに本当にトマトを投げつけられたら嫌だ」と言って断り、現在の歌詞に変更された。これは1964年頃、記者会見でジョージ・ハリスンがゼリービーンズが好きだとコメントしたことがきっかけで、ステージ上にゼリービーンズが投げ込まれるというハプニングが起きたことが関係している。 アメリカでの発売後、のちの第39代米国合衆国副大統領スピロ・アグニューは歌詞中の「I get high with a little help from my friends（友達の助けを借りてハイになる）」というフレーズについて、「キャッチーな曲ではあるが、指摘されるまで“フレンズ”というのが各種のドラッグを指すことには気が付かなかった」と語っており、本作を放送禁止にするように働きかけた。このフレーズについて、マッカートニーは「当時はマリファナの時代だったから、軽く触れないわけにはいかなかった」と語っている。

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「トゥモロー・ネバー・ノウズ」の記事における「背景・曲の構成」の解説

1966年4月にマッカートニーはレノンを連れてインディカを訪れた。ここでレノンは、ティモシー・リアリー、ラルフ・メツナー、リチャード・アルパートらの共著『チベット死者の書サイケデリック・バージョン』を見つけた。リアリーらは、幻覚剤を使用した医療の可能性や、潜在的な神秘性を持つものとしての2つの側面から幻覚剤について研究を行なっていて、同書の中で8世紀の仏教の書を基に、幻覚剤による「自我の喪失」と幻覚剤から覚めた後の自我の再生についての解説がなされていた。レノンは同書を読んで、ドラッグが及ぼす影響を理解するための理論を習得し、「トゥモロー・ネバー・ノウズ」を書いた。 本作のタイトルは、「A Hard Day's Night」や「Eight Days a Week」と同様に、リンゴ・スターが何気なく呟いた一言に由来している。1964年初頭のテレビインタビューで、ワシントンD.C.にある在アメリカ合衆国イギリス大使館で発生した事件について訊かれた際に、スターは「Tomorrow never knows」という言葉を発していた。当初のタイトルは「Mark I」で、6月にレコーディングされた楽曲の最終ミックスを行なうまで、当時のEMIスタジオのレコーディング・シートにはこのタイトルが記載されていた。楽曲について、レノンは「タイトルはリンゴの言い回しから拝借して、重たい哲学的な詩を揃えてみたんだ」と語っている。 曲はテープ式のループ（繰返し音）が鳴り、それに合わせてミニマルなドラムやベースなどの演奏が始まる。楽曲はCのミクソリディアン・スケールで作られていて、ドローンのコードは基本的にCメジャーとなっているが、テープ・ループやボーカルのパートにおいてB♭メジャーに転調する。

背景・曲の構成

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「愛こそはすべて」の記事における「背景・曲の構成」の解説

1967年5月18日にビートルズは、世界初の試みとなる通信衛星を使って24か国で同時放送された宇宙中継特別番組『OUR WORLD 〜われらの世界〜』（6月25日放送）にイギリス代表としての出演契約に署名した。番組のための楽曲として、ジョン・レノンは「愛こそはすべて」、ポール・マッカートニーは「ユア・マザー・シュッド・ノウ」を書いた。番組では本作が採用され、同番組内でレコーディング風景が世界中継された。当時のマネージャーであるブライアン・エプスタインは、この時のパフォーマンスを「グループにとって最高の瞬間」と語っている。また、ジョージ・ハリスンは、「当時はあんな雰囲気だったから、カナダで編み物をしている人やベネズエラでアイリッシュ・ダンスをしている人の合間に、この曲を演奏するのは素晴らしいアイデアだと思えた」と語っている。 ビートルズは前年よりベトナム戦争に対して反対の意を示しており、後には「レボリューション」などの楽曲で、自身の意見を反映させているが、「愛こそはすべて」はその最初の例となっている。その歌詞の内容から、サマー・オブ・ラブを象徴する楽曲のひとつとなった。 曲はフランス国歌「ラ・マルセイエーズ」のイントロから始まり、グレン・ミラー楽団の「イン・ザ・ムード」など、他の音楽作品からの要素が取り込まれている。他の音楽作品からの引用は、同年にレコーディングされたハリスン作の「イッツ・オール・トゥ・マッチ」のアプローチを踏襲しており、1967年のサマー・オブ・ラブの背景にあるイデオロギーを反映している。本作のコーダでは、イングランド民謡「グリーンスリーブス」、J.S.バッハの「2声のインヴェンション8番BWV779」、「イン・ザ・ムード」のほかに、ビートルズの「イエスタデイ」や「シー・ラヴズ・ユー」の冒頭部分が演奏されている。これらのうち、「シー・ラヴズ・ユー」と「イエスタデイ」はリハーサル時にレノンが即興で入れたもの。

背景・曲の構成

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「テイク・オン・ミー」の記事における「背景・曲の構成」の解説

「テイク・オン・ミー」は、ポール・ワークターとマグネ・フルホルメンがかつて在籍していたバンド、ブリッジズ（英語版）時代に作られた楽曲である。 当時リハーサルを行なっていた楽曲の中に「Miss Eerie」（原題は「Panorama」）があり、同曲の中にはフルホルメンが15歳の時に作り、後に「テイク・オン・ミー」となる主要なシンセサイザーのリフが含まれていた。このリフについて、当時のバンドは「ポップすぎる」と感じていたことから、リフを相殺するためにパンク調のアレンジを施していた。本作の最初期のテイクは、ドアーズのメンバーであるレイ・マンザレクの演奏法に触発された演奏になっていた。ワークターは、当初本作について「ポップすぎて使えない」と考えていたが、フルホルメンは「かなりキャッチーだと思った」と振り返っている。 間もなくして、ブリッジズは解散。ワークターとフルホルメンは、ロンドンの音楽業界で活躍することを目的にロンドンに移住したが、半年後に失望してノルウェーに戻った。2人はモートン・ハルケットを迎えて、「Miss Eerie」の新バージョンを含むデモ音源の制作を開始した。1983年1月にレコーディング契約を目的にロンドンを訪れた。 「テイク・オン・ミー」は、1分間に169拍という速いテンポで演奏される。歌詞は愛を訴えるもので、最後のサビの前にブリッジがあるヴァース‐コーラス形式という構成になっている。本作におけるハルケットの声域は2.5オクターブ以上で、サビの冒頭の「Take On Me」というフレーズを本作で最も低い音であるA2で歌い、曲が進むたびに高くなり、本作で最も高い音であるE5に達する。

背景・曲の構成

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「アイ・アム・ザ・ウォルラス」の記事における「背景・曲の構成」の解説

音楽評論家のイアン・マクドナルド（英語版）は、「アイ・アム・ザ・ウォルラス」のモデルとなったのは、1967年夏に発売されたヒットを記録したプロコル・ハルムの「青い影」と推測している。同作はレノンのお気に入りの楽曲の1つであった。ある朝、レノンはパトロールカーのサイレンから着想を得て「Mister city policeman」という楽曲を書き始め、他の未完成となっていた楽曲を融合して完成させた。歌詞には「Lucy in the sky」と、本作と同じくレノン作の「ルーシー・イン・ザ・スカイ・ウィズ・ダイアモンズ」を思わせるフレーズも含まれている。 タイトルのウォルラス（セイウチ）は、ルイス・キャロル作の物語『鏡の国のアリス』の「セイウチと大工」からとられたものである。後述のように、レノンはセイウチが善人と勘違いしており、「しまった！」と思ったことを明かしている。 曲の途中の"Yellow matter custard..."からのくだりは、 Yellow matter custard, green slop pie,All mixed together with a dead dog's eye,Slap it on a butty, ten foot thick,Then wash it all down with a cup of cold sick. という、過去に作った歌詞からの引用であるとレノンの友人であるピート・ショットン（英語版）は語っている。なお、「You've been a naughty girl, you've let your knickers down（まったくきみはいけない娘だね。すぐにニッカーズを下ろしちゃって。）」というフレーズが問題視され、BBCでは放送禁止となった。 後半部分のリズムについては宮城県民謡「斎太郎節」との共通点が指摘されている。ちなみにレノンはビートルズ日本公演で来日した際に東京ヒルトンホテルの10階のスイートルームに運び込まれたステレオセットで日本の民謡のアルバムを熱心に聞いており、その中でも「スゴくリズムがおもしろい」と言ってたのが「斎太郎節」だった。 1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューで、レノンは本作について「最初の部分はある週末にトリップした時に書いて、次の部分は次の週末にトリップした時に書いた。そしてヨーコと出会った後に完成した。一部はハレ・クリシュナについての言及。クリシュナに興味を持っていた人が多かったんだ。『Elementary penguin（ペンギン聖体）』というのは『ハレ・クリシュナ』のような偶像崇拝を簡素化した表現さ。当時はディランの影響もあって、いろんな意味に取れる表現を使っていたよ。あと『不思議の国のアリス』の『セイウチと大工』は僕にとってはとても美しい詩だった。ルイス・キャロルが資本家や社会構造について言及していたとは予想だにしてなかったけどね。でも後になって実はセイウチが悪人で、大工が善人だということに気がついて『しまった！』と思った。僕は『セイウチ』ではなく『大工』になるべきだった。'I Am The Carpenter'（俺は大工）でもそんなに違和感はないだろう？」と語っている。

背景・曲の構成

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「ウォッチング・レインボーズ」の記事における「背景・曲の構成」の解説

「Watching Rainbows」は、ゲット・バック・セッションの最中である1969年1月14日にプロデューサーのジョージ・マーティンと共に、トゥイッケナム・スタジオ（英語版）にレコーディングされた楽曲で、「ミーン・ミスター・マスタード」と「Madman」（未発表曲）とのメドレーという形で演奏された 。このセッションが行われる5日前にジョージ・ハリスンが一時的にビートルズを脱退したため、リードギターはポール・マッカートニーが演奏した。 2つのコードで構成された本作は、他のビートルズの楽曲との関連性も見られる。1つは曲の構成が類似した「アイヴ・ガッタ・フィーリング」で、もう1つは本作の歌詞の1フレーズである「Standing in the garden, waiting for the sun to shine」と類似したフレーズを持つ「アイ・アム・ザ・ウォルラス」である。また、サビでは「shoot me!（俺を撃て！）」と歌っている箇所があり、これは後に発売された「カム・トゥゲザー」でも使用された。 本作はマッカートニーが「アイヴ・ガッタ・フィーリング」のリードギターのフレーズを演奏するところから始まり、「アイ・アム・ザ・ウォルラス」の3つ目のヴァースを思わせる歌詞を歌った後、ジャム・セッションへと変遷していく。内容的には、貧困に喘いでいる男が「虹を夢見るだけでなく、その夢を自分の力で摑みたい」と望む前向きなものであり、後にレノンがソロで発表する『マザー』と共通する母親への想いを歌っている部分も見受けられる。 本作は後に「Everybody Had a Hard Year」となったのち、マッカートニーが書いた「アイヴ・ガッタ・フィーリング」と統合された。

背景・曲の構成

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「アイ・ミー・マイン」の記事における「背景・曲の構成」の解説

ハリスンは、1969年1月7日にトゥイッケナム・スタジオ（英語版）で行なわれたリハーサルで「アイ・ミー・マイン」を書いた。当時ビートルズは、後に『レット・イット・ビー』としてリプロデュースされたアルバム『Get Back』のためのレコーディング・セッションに取り組んでいて、同セッション中には1966年以来となるコンサート活動を行なうことも予定されていた。その一方でメンバー間では、レノンとポール・マッカートニーの主導権争い、レノンの後の妻となるオノの介入などから不和が生じていた。 ハリスンは、メンバー間の不和からインスピレーションを得て本作を書いた。セッションの方向性について議論がなされた1月7日には、マッカートニー作の「マックスウェルズ・シルヴァー・ハンマー」の度重なるリハーサルが行なわれ、レノンが同作について皮肉を交えた反応を示した。ハリスンはセッションに際して、いくつか新曲を提案したものの、他のメンバーから却下されることが多々あった。このことについて、ハリスンは「ソングライターとして経験が豊富なジョンとポールは自分たちの曲を最優先にし、僕の曲を後回しにしていた」と不満を述べている。『ゲット・バック』のセッションで残されたテープを研究したダグ・サリピーとレイ・シュヴァイクハートは、著書『Get Back: The Unauthorized Chronicle of the Beatles' Let It Be Disaster』で「レノンとマッカートニーは、ハリスンの曲が『自分の曲よりもはるかに優れている』と判断したときも、たびたびハリスンの曲を没にしていた」と書いている。 「アイ・ミー・マイン」に取り組む際、ハリスンはエゴイズムの「永遠の問題」について研究していた。同作における見解についてハリスンは、LSDの服用した経験から得られたものと語っている。本作についてハリスンは「『アイ・ミー・マイン』のテーマは『エゴ』。僕の周りにはエゴが渦巻いていて、頭がおかしくなりそうだった。自分のエゴにまつわることを嫌悪していた。すべてが失敗で、僕が嫌ってる刹那的なものばかり。ただだんだんとここには古い雄弁家ではない誰かがいるということがわかってきた。『僕は一体何者なのか』という問いが日々の命題になった。とにかくこの曲はそういうエゴにまつわる曲なんだ。人間の永遠の課題さ」と語っている。 「アイ・ミー・マイン」のヴァースのキーはAマイナーで、コーラスのキーはAメジャー。同主調を使用した作曲は、ビートルズにおいて一般的となっており、ハリスン作の「ホワイル・マイ・ギター・ジェントリー・ウィープス」や「サボイ・トラッフル」でも採用されていた。当初フラメンコ調の楽曲のパッセージが含まれていたが、この部分は「I me me mine」というフレーズを繰り返すコーラスに置き換えられた。完成バージョンでは、イントロ、ヴァースとコーラス、それに続くヴァースで構成されている。また、ヴァースとコーラスで拍子が異なっており、前者は4分の3拍子で、後者は4分の4拍子となっている。

背景・曲の構成

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「アクロス・ザ・ユニバース」の記事における「背景・曲の構成」の解説

「アクロス・ザ・ユニバース」の歌詞は、レノンの当時の妻であるシンシア・レノンが延々と喋り続けることに由来している。1967年のある夜にレノンはそんなシンシアに腹を立て、寝室を出て階下に降りたところで冒頭の「Words are flowing out like endless rain into a paper cup」という一節が浮かび、しばらく考えた末に一気に歌詞が書き上げられた。このことについてレノンは、「ベッドでシンシアの隣に寝そべっていたときのことだ。僕はイライラしていた。きっと彼女がどうでもいいことを延々と喋り続けていたからだろう。僕の耳には彼女の言葉が、尽きることのない流れのように、幾度となく聞こえてきた。階下に降りた瞬間に、それがイライラの歌から宇宙の歌へと変わった。職人技なんて関係ない。あの曲は勝手に出来上がったのさ」と振り返っている。 本作は1967年後半から1968年初頭にビートルズのメンバーが超越瞑想に興味を寄せたことに影響しているとされており、繰り返し歌われる「Jai Guru Deva Om…」は、サンスクリット語で「我らが導師、神に勝利あれ（神に感謝を）」の意で、マハリシ・マヘーシュ・ヨーギーの師にあたるグル・デヴに感謝を捧げるマントラである。 楽曲は、ヴァースのあとに「Jai Guru Deva Om…」というフレーズが後に、「Nothing's gonna change my world」というフレーズを3回繰り返すという構成になっている。3つのヴァースでは、それぞれ「歓びの波」、「落ち着かない風」、「百万の太陽の輝き」について歌われている。 後にレノンは、「実際のところ、最高傑作かもしれない。呼び名はどうであれ、良い詩だよ。僕が好きなのは、メロディ抜きでも単体で成り立つ歌詞。メロディを必要としなかったら、詩みたいように読めるだろう」と語っている。

背景・曲の構成

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「アイヴ・ガッタ・フィーリング」の記事における「背景・曲の構成」の解説

レノンが作った「Everybody had a hard year」は、ゲット・バック・セッションが行なわれる前にレノンによって2回レコーディングされた。レノンは1968年12月にケンウッドにある自宅でポータブルカセットテープに録音していて、当時は「Everyone had a hard year」と歌われていた。同月後半、「Everybody had a hard year」に変更し、自宅の裏庭で演奏する姿をビデオに収めた。この時に撮られた映像は、1969年3月31日にオーストリアで放送されたオノ・ヨーコのアート映画『Rape』で使用された。 1969年1月22日にアップル・スタジオで「アイヴ・ガッタ・フィーリング」をレコーディング。この時にレコーディングされたテイクは、1996年に発売された『ザ・ビートルズ・アンソロジー3』に収録された。なお、当時制作していたアルバム『ゲット・バック』には、このテイクが収録される予定となっていた。 1969年1月30日にアップル・コアの屋上で、ビートルズとして最後となるライブ・パフォーマンスを行ない、同公演で本作は2回演奏された。同公演での演奏がアルバム『レット・イット・ビー』や映画『レット・イット・ビー』に収録された。2003年に発売された『レット・イット・ビー...ネイキッド』には、2回の演奏を繋ぎ合わせ、エコーが除去された音源が収録された。

背景・曲の構成

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「アイル・ゲット・ユー」の記事における「背景・曲の構成」の解説

本作についてポール・マッカートニーは「ジョンと2人で書いた」と語っており、ジョン・レノンも1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューで共作としたうえで「ポールと曲を書こうとして…うまくいかなかった」と語っている。 曲のキーはDメジャーで、4分の4拍子となっていて、終始レノンとマッカートニーのデュエットで歌われる。ベースが強調されている一方で、リズムギターとドラムは8ビートを刻んでいる。なお、リードギターのパートは存在しない。「ラヴ・ミー・ドゥ」や「アイ・ソー・ハー・スタンディング・ゼア」でも聴くことができるハンドクラップは、本作ではイントロ部分だけに登場し、パーカッションの役割を果たしている。 本作は「Imagine I'm in love with you（想像してみて、僕が君に恋してるって）」と呼びかけるところから始まっており、この形式は後に発表された「ルーシー・イン・ザ・スカイ・ウィズ・ダイアモンズ」やレノンのソロ曲「イマジン」にも見られる。コード進行についてマッカートニーは、「It's not like me to pretend（そんなふりをするなんて、僕らしくないけれど）」というフレーズのコードをジョーン・バエズの「私の悩み（英語版）」から拝借したことを後に明かしている。

背景・曲の構成

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「フロム・ミー・トゥ・ユー」の記事における「背景・曲の構成」の解説

レノンとマッカートニーは、ヘレン・シャピロとのライブツアーの一環として、シュルーズベリーへ向かう高速バスの中で「フロム・ミー・トゥ・ユー」を書き始めた。タイトルは『ニュー・ミュージカル・エクスプレス』誌の記事にあった「From You to Us」というフレーズに由来している。ビートルズの初期の楽曲の多くと同様に、聴衆に親近感を持ってもらうという目的により、「Me」や「You」など人称代名詞が多用されている。 1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューで、レノンは本作について「たしか車の中で書いた。冒頭の部分は僕が書いたと思う。それから2人で次のシングルのために続きを書いたよ。最初はもっとブルースっぽかった。ファンキーなアレンジにもできる曲なんだ」と語っている。 マッカートニーは、本作のミドルエイトが印象的だとしていて、「この部分の最初のコードは僕らを新しい世界に導いてくれた。この曲で僕らの曲作りのレベルは少し上がった。そういった意味で重要な曲なんだ」と語っている。 本作は「イントロ→ヴァース1→ヴァース2→ブリッジ1→ヴァース3→ソロ→ブリッジ2→ヴァース4」という構成になっていて、ブリッジの歌詞はいずれも同じ。曲は「da da da da da dum dum da」というフレーズから始まる。

背景・曲の構成

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「レット・イット・ビー (曲)」の記事における「背景・曲の構成」の解説

マッカートニーが1968年に行われたアルバム『ザ・ビートルズ』のためのセッションの最中で、ビートルズが分裂しつつあるのを悲観している頃に、亡き母メアリー・マッカートニーが夢枕に現れた際に述べた「あるがままを あるがままに（全てを）受け容れるのです」との囁きを元に書いたと語っている。マッカートニーの母であるメアリー・パトリシア・モーヒンは、マッカートニーが14歳の頃にガンで死去した。亡き母が夢枕に現れたことについて、マッカートニーは「母に再会できたのは本当によかった。夢で祝福された気分だった。だから僕は母の囁きを元に『レット・イット・ビー』を書いたんだ」と語っている。なお、英文では「Mother Mary」とは聖母マリアを指すため、聖母マリアを題材にした楽曲という解釈も存在する。英文の感覚では、「let it be」（レット・イット・ビー）とは次の引用のような、受胎告知に対する「…成りますように」というマリアの応答である。 そこでマリヤが言った、「わたしは主のはしためです。お言葉どおりこの身に成りますように」。そして御使は彼女から離れて行った。 — 新約聖書『ルカによる福音書』1章38節. - ウィキソース. 、口語訳聖書 これについて、マッカートニーは「聖母マリアのことだと解釈してくれても構わない」と答えている。 しかし、1975年5月21日にアメリカのABCテレビで放映されたビートルズの特別番組『A Salute to the Beatles: Once upon a Time』でマル・エヴァンズは、「インドでポールが瞑想している時に僕が出てきて、"Let It Be, Let It Be" と言ったんだって。それがきっかけで曲ができたんだ。ある晩、セッションが終わってポールと一緒に家に戻ったら、夜中の3時にポールはこう言ったんだ。『曲ができたよ、ぱぱっと。"Brother Malcolm" っていう曲なんだ』と。でも、みんなに誤解されるから "Brother Malcolm" は変えたほうがいいんじゃない？って伝えたんだよ」と語っている。実際に初期のテイクでは、「Mother Mary comes to me（母メアリーが僕を訪れ）」ではなく、「Brother Malcolm comes to me（ブラザー・マルコムが僕の元にやってくる）」と歌われていた。

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「フォー・ユー・ブルー」の記事における「背景・曲の構成」の解説

ジョージ・ハリスンは、1968年末に妻であるパティ・ボイドへのラブソングとして「フォー・ユー・ブルー」を作曲した。ハリスンは自伝『I・ME・MINE』で、「12小節ブルースの典型。内容が脳天気なことを除けばね」と述べている。本作は、ハリスンがニューヨーク州北部のウッドストックに滞在した際に、ボブ・ディランとの共演やザ・バンドとジャム・セッションを行なったことが影響している。ウッドストックにおいてハリスンは、1968年後半のアルバム『ザ・ビートルズ』のセッションにおける緊張した雰囲気とは対照的な、音楽的な仲間意識を体験することができた。 「フォー・ユー・ブルー」は、Dのキーで演奏されるカントリー・ブルース調の楽曲である。イントロを除くすべてのセクションが12小節のブルース形式に従った構成になっている。なお、5小節のイントロにはホーム・キーのE7が含まれている。歌詞の中で、ハリスンはボイドへの愛について書いており、音楽学者のアラン・ポラック（英語版）は「非常に穢れのないロマンティックな幸福感」と評している。 ハリスンのオリジナルの手書きの歌詞では、曲名が「For You Blues」となっていて、1969年1月下旬にレコーディングが行われた際には「George's Blues (Because You're Sweet and Lovely)」と名付けられ、2か月後にアルバム『ゲット・バック』用にミキシングされた際には「Because You're Sweet and Lovely」に変更された。その後、5月下旬に現行の曲名に定着した。

背景・曲の構成

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「シー・ラヴズ・ユー」の記事における「背景・曲の構成」の解説

レノンとマッカートニーは、1963年6月26日に「シー・ラヴズ・ユー」を書き始めた。当時のビートルズは、ロイ・オービソンやジェリー&ザ・ペースメイカーズらとツアーを行なっていて、2人はツアーバスで曲を書き始め、その夜にニューカッスル・アポン・タインにあるホテルで作業を続け、翌日にリヴァプールのフォースリンロードにあるマッカートニーの実家で完成させた。 本作はボビー・ライデルの楽曲「フォーゲット・ヒム」におけるコールアンドレスポンスに触発され、アンサーソングとして書かれた楽曲となっている。マッカートニーは「当初はこの曲を掛け合いにしようと考えてた。僕らが"She Loves You"って歌ったら、他のメンバーが"yes, yes, yes"と歌い返す…いや、"yeah, yeah, yeah"だったかな。改めてチンケなアイデアだと思ってやめたんだけど、『シー・ラヴズ・ユー』という曲を書こうということになった。だからホテルの部屋で2〜3時間ほどで書いたんだ」と語っている。レノンは、1980年の『プレイボーイ』誌で「ポールと一緒に書いた。どうやったのかは覚えてないけど、アイデアを出したのはポールじゃなかったかな。毎度毎度"I love you"と歌うんじゃなくて、第三者的なものにするのはどうだろうか、という感じでね。"Wooo"というのは、アイズレー・ブラザーズの『ツイスト・アンド・シャウト』からだ。ありとあらゆる曲に使えた」と語っている。 マッカートニーは、曲が完成した直後に自宅にいる父ジムのためにアコースティック・ギターで演奏して聴かせていて、「父は『シー・ラヴズ・ユー』を聴いて、『ずいぶんアメリカナイズされてるな。"She loves you, yes, yes, yes!"と歌えないのか？』と言っていたよ。だから僕は『父さん、わかってないな。それじゃダメなんだ』って答えたんだ」と振り返っている。なお、マッカートニーは2018年に放送された『レイト×2ショー with ジェームズ・コーデン』内のコーナー「カープール・カラオケ」に出演した際にも、同様のエピソードを語っている。 曲はリンゴ・スターによるドラムの2カウントから始まる。レノンとマッカートニーの2人でリード・ボーカルを務めていて、セクションごとにユニゾンとハーモニーを使い分けている。ミックス面では従来の作品に比べて、マッカートニーのベースをはじめとした電子楽器のパートが強調されている。 プロデューサーであるジョージ・マーティンは、本作のエンディング部分の6thコードに疑問を呈しており、マッカートニーは「僕らはときどきマーティンの助言を拒んでいた。例えば『シー・ラヴズ・ユー』では、エンディングに6thを持ってきた。少しジャズみたいな感じのね。そしたら彼が『それはないだろ？まるでジャズみたいだ』と言っていた。でも僕らは『良いフックじゃないか。これでやるよ』と言い返したんだ」と振り返っている。

背景・曲の構成

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「バッド・ボーイ (ラリー・ウィリアムズの曲)」の記事における「背景・曲の構成」の解説

ウィリアムズは、新たなロックンロール・サウンドに自身のスタイルを適応させた初期のR&Bミュージシャンの1人となっている。歌詞には10代の完成が反映されており、音楽評論家のリッチー・アンターバーガー（英語版）は本作における「バッド・ボーイ」について「教室でトラブルを起こしたり、少女の髪にチューインガムをくっつけたり、読み書きを学ぶ為に学校へ行きたがらないような本物の不良少年」と説明している。 アンターバーガーは、本作の音楽性について「エネルギッシュな初期のロックンロールではあるものの、どちらかというとオーソドックスなもので、ウィリアムズがよくやっていたように、よりポップなリトル・リチャードのようなサウンド。しかし、彼はこの曲よくある一般的な初期のロックンロール・ナンバーよりも効果的なものにした」と評し、最も印象的な点として「『Now junior, behave yourself!』というファルセットでの命令」を挙げている。 音楽ライターのジーン・スクラッティ（英語版）は、本作のバックアップ・ボーカルについて、ザ・コースターズの「チャーリー・ブラウン（英語版）」やエヴァリー・ブラザースの「バード・ドッグ（英語版）」との類似性を指摘している。

背景・曲の構成

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「スターティング・オーヴァー」の記事における「背景・曲の構成」の解説

「スターティング・オーヴァー」は、レノンがバミューダ諸島に滞在していた時に書いた楽曲で、本作と同時期に「クリーンアップ・タイム」も書かれた。作曲当初のタイトルは「My Life」。ロックンロール色の強い楽曲で、セッションの間レノンは本作を「エルヴィス＝オービソン」と称していた。レコーディング後に「Starting Over」に変更されるも、同時期にタミー・ワイネットによる同名曲が発売されたことから、「Just Like」が付け加えられた現行のタイトルになった。 伝記作家のアンドリュー・グランド・ジャクソンは、著書『Still the Greatest: The Essential Songs of the Beatles' Solo Careers』の中でザ・ビーチ・ボーイズの「ドント・ウォーリー・ベイビー（英語版）」やバディ・ホリーの「レイニング・イン・マイ・ハート（英語版）」などの楽曲からの影響について言及している。また、本作の歌詞にはビートルズ時代にポール・マッカートニーが書いた「ホワイ・ドント・ウィ・ドゥ・イット・イン・ザ・ロード」に似たフレーズ（Why don't we take off alone）が登場している。

背景・曲の構成

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「アイ・フィール・ファイン」の記事における「背景・曲の構成」の解説

「エイト・デイズ・ア・ウィーク」のレコーディング・セッション中に、本作のギターリフが頭に浮かんだレノンは、演奏の間ずっとリフが鳴っているような曲を想定して本作を書いた。レノンは翌朝のスタジオでリンゴ・スターに「こんな曲を書いたんだけど、粗末な出来なんだ」と伝えたが、前日に思い浮かんだギターリフをつけて試し、シングル曲向きであると判断したため、そのまま使用されることとなった。レノンとジョージ・ハリスンが演奏するギターリフは、ボビー・パーカー（英語版）の「ウォッチ・ユア・ステップ（英語版）」のリフに影響を受けたもの。ポール・マッカートニーは、本作のドラムパターンが1959年に発売されたレイ・チャールズのシングル曲「ホワッド・アイ・セイ」に触発されたものであることを明かしている。 本作は、短めの重いフィードバックの後、アルペジオのリフによるイントロに入る。曲はDメジャーで始まった後、Cメジャーを経て、Gメジャーに移行し、オープニングリフを数回繰り返してフェード・アウトする。メロディでは、長三度と短七度を使用。

背景・曲の構成

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「アイム・ダウン」の記事における「背景・曲の構成」の解説

僕はリトル・リチャードのような歌い方ができた。ワイルドかつハスキーなシャウトで、それは肉体から抜け出すようなものだ。それを歌うには精神的な感覚はそのままに、足を頭の上を乗せるくらいじゃなきゃだめだった。多くの人がリトル・リチャードのファンだったから、僕は彼の曲を歌っていた。だけど自分の曲が歌いたいと思うようになったから、僕は『アイム・ダウン』を書いたんだ。 ― ポール・マッカートニー（1997年） 1963年11月、マッカートニーは、ロンドン中心部のウィンポール・ストリート57番地にあるガールフレンドのジェーン・アッシャーの実家に引っ越した。マッカートニーは、アッシャーの実家の地下にある音楽室で「アイム・ダウン」を書いたと記憶している。リトル・リチャードの様式で書かれた本作は、「ツイスト・アンド・シャウト」や「ロング・トール・サリー」に代わるビートルズのコンサート・ツアーのラスト・ナンバーを書くという試みがきっかけとなっている。1964年10月のインタビューで、マッカートニーは、レノンとともに何年もの間「ロング・トール・サリー」のような曲を作ろうとしていたこと、それに最も近かった曲が「アイ・ソー・ハー・スタンディング・ゼア」であったことを明かしている。マッカートニーは、リチャードのような楽曲の作曲プロセスを、抽象絵画と比較したうえで、「人々は『ロング・トール・サリー』を思い浮かべて、簡単に書けると言う。だけど、それは僕らが試みた中で最も難しいことだった。スリーコードの曲をうまく書くのは、たやすいことじゃない」と説明している。マッカートニーは、伝記『Paul McCartney: Many Years from Now』の中で、自身が作曲したと記憶している一方で、レノンがいくつか歌詞を書き加えたか、作曲過程でわずかにアイデアを出した可能性を示している。1972年のインタビューで、レノンは本作をマッカートニーが単独で作曲した楽曲としているが、1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューでは、「僕も少し手伝ったかも」と語っている。音楽学者のウォルター・エヴェレット（英語版）は、マッカートニーがコンサートでしばしば歌詞を忘れていたことは、マッカートニーがほとんど練習せずにすばやく曲を書いたことを示唆していると主張している。 「アイム・ダウン」のキーはGメジャーに設定されており、4分の4拍子（コモン・タイム）で演奏される。ブルース形式を14小節に拡張させた本作では、I、IV、Vの3つのコードだけが使用されている。単純ヴァース形式を特徴とする数少ないビートルズの楽曲の1つで、音楽学者のアラン・W・ポラック（英語版）は、ビートルズの1965年の作曲状況において、本作のシンプルな形式は逆進的であると述べている。曲はマッカートニーの独唱から始まり、音楽評論家のティム・ライリー（英語版）は「ロング・トール・サリー」に最も似ている曲の1つとし、「1人の狂ったようなボーカルが精一杯大きな声で叫んでいる」という見解を示している。キーやダウンビートを明確にするベースやドラムは入っておらず、ポラックは「曲を何度聴いても、マッカートニーの曲の冒頭のボーカルには驚かされるばかりだ」と評している。リフレインではスキャットを取り入れており、ポラックは「繰り返すごとに、順々に激しくなり、乱れていく」と書いている。エヴェレットは、曲のコーダについて「曲そのものよりも高いレベルの興奮にロックンロールの精神を引き上げる目的を果たしている」と書いている。 本作の歌詞は、片思いで欲求不満な恋人の視点から見た物語となっていて、演奏は自信満々の「祝賀の狂乱」として機能している。ポラックは、「本作の音楽的な様式は1950年代のR&Bのクリシェに由来し、歌詞は演奏面での怒りやわんぱくなトーンほど重要ではない半即興的ならんちき騒ぎ」と書いている。音楽評論家のイアン・マクドナルド（英語版）は、ブルースのパロディであることに加えて、歌詞は「『ヘルプ!』でのレノンの苦悩に満ちた自己表出に対するふざけた応対」であると見なしている。ライリーも同じく、本作が部分的にパロディであるとし、その一例として「I'm really down（本気でダウン）」と歌うバッキング・ボーカルを挙げている。

背景・曲の構成

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「シーズ・ア・ウーマン」の記事における「背景・曲の構成」の解説

ポール・マッカートニーは、レコーディングを行なった1964年10月8日に「シーズ・ア・ウーマン」の作曲を開始し、手早く完成させた。1964年11月17日に放送されたラジオ番組『Top Gear』に出演したマッカートニーは、セッションの朝に「およそ1節」分の準備ができていて、残りの分をスタジオで書き上げたと説明した。伝記『Many Years from Now』の中で、マッカートニーは曲の最初のアイデアが浮かんだのが、セント・ジョンズ・ウッドの歩きまわっているときだと回想しているが、曲を完成させた場所が自宅なのか、スタジオに向かう途中なのか、スタジオに着いてからなのかはわからないとしている。本作は、リトル・リチャードの様式で曲を書こうとしたことがきっかけとなっており、マッカートニーは「ブルースっぽい曲を書こうとした。リトル・リチャードを演奏する代わりになればと思ってね。彼の曲が素晴らしくて、彼のスタイルを自分の曲に取り入れてみたんだ」と語っている。ジョン・レノンは、1972年のインタビューで本作を書いたのがマッカートニーであるとする一方で、ミドルエイトで手助けをした可能性を示し、1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューでは「ポールの曲。僕は歌詞を少し手伝った」と語っている。 「シーズ・ア・ウーマン」の主にAメジャーのキーで4分の4拍子演奏されるが、途中でわずかにC♯マイナーに移る。本作は2つの短いブリッジが含まれているほか、I、IV、Vの3種類のコードのみが使用されている。音楽学者のトーマス・マクファーレンは、本作を「ロックとブルースの抑揚にカントリー&ウエスタン、フォークの様式に由来する要素を組み合わせている楽曲」として特徴づけている。ロックンロール、ポップ・ロック、R&Bもしくは「はつらつとしたポップ・ブルース」などさまざまな様式を持つ本作は、4小節のブリッジを含む長尺のブルース・ナンバーとなっている。音楽学者のウォルター・エヴェレット（英語版）は、「五音音階のヴァースと長音階のブリッジ」を組み合わせている本作が、「キャント・バイ・ミー・ラヴ」と構造的に類似していると特徴づけている。クリフ・リチャードの楽曲「ムーヴ・イット（英語版）」と同じくヴァースは24小節であるのに対して、ブリッジは4小節と短い。エヴェレットは、「この短いブリッジが『形式上の曖昧さ』を生みだしている」を述べている。 曲の最初の4小節では、リズムギターとピアノだけが聞こえ、その後ベースやドラムが入ってくる。レノンは、リズムギターをオフビートで弾くことにより、曲にレゲエのようなアクセントを加えている。音楽評論家のイアン・マクドナルド（英語版）は、マッカートニーのレガートを用いたベースラインを「曲の構成における目玉」としており、「それがなければ、ほかの要素が意味をなさないものになっていただろう」と述べている。 三人称で歌われる歌詞は、彼女が彼に対してプレゼントを贈ったりしないものの、まだお互いを愛しているという状況を説明している。歌詞中では「Turn me on when I get lonely」と「People tell me that she's only fooling」、「She will never make me jealous」と「Give me all her time as well as loving」といったかたちで、末尾から2番目の単語で韻を踏んでいる。また歌詞には、ビートルズの楽曲では初となる麻薬への言及が含まれており、「Turn me on when I get lonely（さびしくなったら気分を晴らしてくれる）」というフレーズはマリファナを指している。ビートルズは、1964年の北米ツアー中にニューヨークでボブ・ディランとマリファナを服用した。1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューで、レノンは僕らは『turn me on』というフレーズを使ったけど、これはまさしく…マリファナを服用したときの感覚、みたいな感じ。エキサイティングだった」と語っている。

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「ヘイ・ジュード」の記事における「背景・曲の構成」の解説

1968年5月、ジョン・レノンと妻シンシアは、ジョン・レノンがオノ・ヨーコとの不倫交際を始めたことをきっかけに別居。翌月、ポール・マッカートニーは当時5歳であった夫妻の長男であるジュリアンの元を訪れた。両親の不仲により精神的に不安なジュリアンを気の毒に思ったマッカートニーは、帰宅途中の車の中で「ヘイ・ジュード」を作曲した。当初のタイトルは「ヘイ・ジュールズ」で、ジュリアンを慰めることを目的とした楽曲だった。歌詞について、マッカートニーは「この曲は『ヘイ・ジュールズ』というタイトルから始まった。つまり、ジュリアンに『つらくても頑張って乗り越えるんだよ』って伝えること。彼にはつらいことのはずだったから」と語っている。その後、タイトルは「Jude」に改められた。 歌詞について、レノンは（自分がオノ・ヨーコに夢中だった時期だからか）「俺への歌との解釈も出来る。『go out and get her（彼女をものにしてこいよ）』というフレーズで、ポールは無意識に『僕の元を離れていいよ』と言っていたんじゃないかな」と発言しているが、これについてマッカートニーは否定している。またレノンを含む数名は「婚約者ジェーン・アッシャーに婚約を一方的に破棄されたポールのポール自身への無意識のメッセージではないか」と解釈しているほか、Judeは女性名でもあることから『デイリー・エクスプレス』の女性記者ジューディス・サイモンズへの歌と解釈する者もいる。 マッカートニーは宣伝のためアップル・ブディックのウィンドウに「Hey Jude」を自ら大書するその一方、彼は「ジュード」自体がドイツ語で「ユダヤ人」を意味するJude（ユーデ）の存在を全く知らず、かえって「反ユダヤ主義の落書き」と誤解され、窓ガラスが割られ、抗議の電話がかかって来るなどの事件も起きた。 歌詞「The movement you need is on your shoulder（お前のやるべきことは、お前の肩に乗っかってる）」をマッカートニーは修正または削除するつもりだったが、レノンに「この曲で一番いい部分じゃないか。最高なんだから、残しておけよ」と言われ残したエピソードがある。マッカートニーは「この歌詞を歌う時は今でもジョンを思い感傷的になる」と述べている。 後半の4分にわたって「na na na,na na na na... Hey Jude」のリフレインを延々と繰り返すコーダ部のコード進行は、Fから始まりE♭→B♭→Fと循環逆四度進行を繰り返している。この点を作曲家のすぎやまこういちは「ここがHey Judeに面白い匂いを持たせてる部分であり、ポールは非常に斬新でユニークな発想を持った人だと感心させられる」と述べている。

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「ドント・レット・ミー・ダウン」の記事における「背景・曲の構成」の解説

「ドント・レット・ミー・ダウン」は、レノンが後に妻となるオノ・ヨーコに向けたラブソングとして書いた楽曲。ポール・マッカートニーは「ジョンはヨーコと一緒にいて、ヘロイン中毒で偏執病に陥っていて危なかった。興奮したり、笑い出したり、密かに恐怖を感じていたこともあっただろう。『ドント・レット・ミー・ダウン』は、そんなジョンの心の叫びだった。ヨーコにそう言おうとしてたんだね。『ここから抜け出す。弱さをすべてさらけ出す。だから僕をがっかりさせないで』って…泣いて助けを求めていた」と語っている。 曲のキーはEメジャーで、ヴァース、コーラス、ブリッジは共に4拍子となっているが、ヴァースに移行する際に4分の5拍子に変わる。音楽学者のアラン・ポラック（英語版）は「ベースとリードギターで交互に入るヴァースでオクターブで演奏する対位法のメロディは、ビートルズの作品でよく見られる、斬新なインストゥルメンタルのタッチの1つ」と述べている。

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「イン・スパイト・オブ・オール・ザ・デインジャー」の記事における「背景・曲の構成」の解説

「イン・スパイト・オブ・オール・ザ・デインジャー」は、マッカートニーが1人で書いた楽曲で、1958年1月頃にアプトン・グリーンにあるハリスンの実家で書かれたとされている。本作ではB7コードが使用されているが、これはマッカートニーとハリスンがリヴァプールを複数のバスで横断し、コードを知る人物（詳細は不明）の家を訪れて発見したもの。ハリスンが本作のギターソロを書いたことから、作者名はマッカートニーとハリスンの共同名義となっている。 マッカートニーは、『ザ・ビートルズ・アンソロジー』で「エルヴィスの影響を受けて作ったちょっとした歌」と語っている。ルイソンは著書『The Beatles – All These Years, Volume One: Tune In』で、「プレスリーの『お前が欲しくて（英語版）』のメロディに大きく依拠している」と書いており、ウォルター・エヴェレット（英語版）は「リズムが近い」とし、ルイソンの記述に同意している。クリス・インガムも「明確にプレスリーの『お前が欲しくて』に触発されたドゥーワップ・バラード」としている。ジョン・C・ウィンは「それに倣って作られた」と述べている。 エヴェレットは、ビートルズの初期のほとんどの楽曲が「徹底的に全音階が使用され、メジャー・スケールにしっかりと根ざしている」とし、その例として本作を挙げている。本作はEのキーで演奏され、標準的なI-I7-IV-V7-I-IV-I（E-E8-A-B7-E-A-E）という進行に従っている。

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「テディ・ボーイ」の記事における「背景・曲の構成」の解説

マッカートニーは、ビートルズが1968年にインドを訪れた際に「テディ・ボーイ」を作曲した。1970年にマッカートニーは、本作について「インドで書き始めて、スコットランドやロンドンで完成させたもう1つの曲。映画『Get Back』のために録音したけど、結局使われなかった」と語っている。 「テディ・ボーイ」のキーはDメジャーで、アコースティック・ギターで演奏される4小節のイントロから始まる。1拍ごとにオープン・ポジションのDコードを鳴らし、次の小節に入る前のオフビートでAコードを弾いている。

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「抱きしめたい」の記事における「背景・曲の構成」の解説

ビートルズは、2作目のシングル『プリーズ・プリーズ・ミー』で『メロディー・メイカー』誌と『ニュー・ミュージカル・エクスプレス』誌で1位を獲得。しかし、アメリカでの発売権を与えられたキャピトル・レコードは、ビートルズのレコードの発売を拒否。しかし、『ライフ』誌や『ニューズウィーク』誌がビートルズを記事にし、ラジオのDJがビートルズのレコードをかけ始めると、次第にアメリカでもビートルズが知られるようになり、キャピトルの方から「レコードを販売させて欲しい」と要請して来た。 マッカートニーは、1963年初頭にジェーン・アッシャーとの交際を始め、ウィンポル・ストリート（英語版）にあるリチャード・アラン・ジョン・アッシャー（英語版）とマーガレット・アッシャー（英語版）の自宅を間借りしていた。この場所は、マッカートニーとレノンの新しい執筆拠点となり、本作は自宅の地下室にあるピアノを使用して書かれた。このことについて、レノンは1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューで、「1対1で正面から向き合って、僕たちは一緒にたくさんの曲を書いた。『抱きしめたい』もそう。この曲のコードは僕らがジェーン・アッシャーの家にいたときに思いついたもので、ふたりで地下の倉庫でピアノを鳴らしながら"Oh you got that something..."って歌ってたらポールがコードを叩いたんだ。それで僕はポールに『今のをもう一度弾いて！』と言った。あの頃の僕らはそんな感じで曲を作っていた」と語っている。 1994年にマッカートニーは、前述のレノンのコメントについて「『正面から向き合って』というのは的を射た説明だ。まさにそんな感じ。『抱きしめたい』はまさに2人の共作なんだ」と語っている。音楽評論家のイアン・マクドナルド（英語版）は、本作の作詞の経緯について「抒情的で柔らかく、2人でランダムにフレーズを考え出し、サウンドに合っているものを繋ぎ合わせた可能性がある」としている。

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「ペイパーバック・ライター」の記事における「背景・曲の構成」の解説

歌詞は手紙の体裁をとっており、小説家を志望する人物が自身の作品を本（ペーパーバック）として出版してくれるよう熱烈に訴えかけるというもの。あるときに叔母のリルから「どうしてラブソングばかりなの?」と問われたことをきっかけに、マッカートニーは新たなテーマを模索することとなった。叔母の「ラブソングではないシングルを書く」というリクエストのもとで、マッカートニーが書いたのが「ペイパーバック・ライター」であった。 楽曲制作の経緯について、マッカートニーは「ウェーブリッジに着いたときに、ジョンに『ペイパーバック作家になりたがっている人』のアイデアについて話をした。ジョンには『手紙を書くような歌詞にしたらどうだろう』とも言ったよ。それで紙切れを取りだして『Dear Sir or Madam, as the case may be…（前略、今回お伝えしたいのは…）』とジョンの前で書き始めた。実際に手紙を書くような感じで、少しリズムをつけてね。そのあと、僕とジョンは上の階に行ってメロディーをつけた。ジョンと僕で仕上げたんだけど、オリジナルのアイデアは僕だったから、僕が書いたってことになって。旋律らしいものはないんだけど、少しブルースっぽいかな。それからハーモニーを取り入れるアイデアを思いついて、スタジオで練った」と語っている。なお、2007年のインタビューでは、『デイリー・メール』誌が報じたマーティン・エイミスについての記事を読んだあとに、曲に書き始めたとしている。 ラブソングからの脱却はさておき、マッカートニーは1つの静的なコードのみのメロディを持つ曲を作ることを念頭に置いていて、「ジョンと僕は、『ロング・トール・サリー』のような1つの音符だけの曲をやってみたいと思ってる。『愛のことば』にはそれに近いものがあった」と語っている。ヴァースが一貫してGコードで演奏され、そこで一度Cコードで停止するということから、マッカートニーは本作でこの目標をかろうじて達成できたと主張している。 レノンは、『ヒット・パレーダー（英語版）』誌のインタビューで「僕が歌詞を少し手伝ったけど、基本的にはポールの曲だよ」と語っており、1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューでは「『デイ・トリッパー』の息子だ。やかましいギターのロックンロールという意味でね」と語っている。

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「クリスマス・タイム」の記事における「背景・曲の構成」の解説

ビートルズは、1963年よりクリスマス・レコードの録音を開始し、毎年12月にファンクラブの会員に無料で配布していた。初期に配布されたレコードにはファンへのメッセージ、後期に配布されたレコードには寸劇や音楽が収録されていた。『ローリング・ストーン』誌のジョージ・ランタグが「ビートルズのクリスマス・レコードの頂点」と評する1967年のクリスマス・レコード『Christmas Time Is Here Again』は、これまでで最も大がかりなクリスマス・メッセージとなっており、バンドは事前に台本を用意していた。レコードの内容は、ラジオ番組やテレビ番組へのオマージュとなっていて、BBCラジオの番組のオーディションを受ける「The Ravellers」という架空のバンドを中心とした物語になっている。寸劇には、タップダンスや架空の広告、バンドがピアノを弾きながら「Plenty of Jam Jars」について歌う場面が含まれている。レコードの最後には、各メンバーとプロデューサーのジョージ・マーティンによるファンに向けた季節の挨拶と、ジョン・レノンによる「When Christmas Time Is Over」という詩が含まれている。作家のジョン・C・ウィンは、この作品について「スコットランドのクリスマスの詩」と表現し、ケネス・ウォマック（英語版）は「ジョイスの…ナンセンスな詩」と呼んでいる。 台本に加え、バンドはクリスマスソング「クリスマス・タイム」を書いた。本作は、1967年の初期に作曲された「フライング」と同じく、ビートルズの公式発表曲では数少ないメンバー4人の名前がクレジットに含まれている楽曲となっている。Dメジャーで演奏される本作は、ブルースをベースとした構成になっており、9つのヴァースの後に、インストゥルメンタルのヴァースが繰り返される。ウォマックは、本作の「コミカルな精神」と1967年夏に録音された「ユー・ノウ・マイ・ネーム」の類似性、BBC Radio 1のボンゾ・ドッグ・ドゥー・ダー・バンドからの影響を受けた可能性を指摘している。作家のスティーブ・ターナーは、本作について1966年に発売された「イエロー・サブマリン」から始まった子供向けの歌への関心を示していて、1940年代のリヴァプールへの懐古とサイケデリック・ミュージックの子供向けの性質の組み合わせを反映したものとしている。ランタグは、「単なる聖日のマントラに過ぎないが、ビートルズは全力でのコミットメントとニュー・シングル『ハロー・グッドバイ』を彷彿とさせる巧妙なアレンジでそれを売りとしている」と評している。

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「ニュー・ルールズ」の記事における「背景・曲の構成」の解説

「ニュー・ルールズ」は、打ち込みによるドラムスとホーンが主体となったトロピカル・ハウス、EDM、エレクトロポップの要素を持ったトロピカル・ポップ・チューン。キャロライン・アイリン（英語版）、エミリー・ウォーレン（英語版）、イアン・カークパトリック（英語版）の3人が作詞・作曲を手がけており、このうちカークパトリックは、トラックのレコーディング・エンジニアとプログラミングを担当した。マスタリングはクリス・ゲーリンジャー（英語版）、ミキシングはジョッシュ・ガドウィンが手がけた。歌詞は、別れを告げた元恋人への未練を断ち切る術として、「失恋したら絶対に守るべき女子の3つの新しいルール」について歌ったものとなっている。 2017年1月、リパは自身のFacebookで、より多くの楽曲を収録することを目的に同年2月に発売予定だったアルバム『デュア・リパ』の発売延期を発表。その後、カリフォルニア州ロサンゼルスへ渡り、カートパトリックとともに「ニュー・ルールズ」のレコーディングを行った。本作において、リパは作詞作曲に関与していないが、内容について「歌詞の中で歌われているルールは、普段私が友人たちと話している内容とまったく同じ。」と語っている。 本作のキーはイ短調で、テンポは116。本作におけるリパの声域は、A3からE5となっている。

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「オールド・ブラウン・シュー」の記事における「背景・曲の構成」の解説

1968年9月にジョージ・ハリスンはピアノを弾きながら「オールド・ブラウン・シュー」を書き始めた。リズムにおいて部分的にスカの影響が見られ、歌詞は「物事の二面性」を表す一連の反対語を軸にして展開しており、1967年に発売されたポール・マッカートニー作の「ハロー・グッドバイ」に通ずる内容となっている。楽曲について、ハリスンは著書の『I・ME・MINE』にて「僕は（実際には弾けない）ピアノでコード進行に手を着けた。そしていろんな反対語を並べて、歌詞のアイデアを書き始めた」と書いている。 レコーディング当日にハリスンは、アップル・コアで「ジョージ・ハリスンとは何者なのか?」という質問をぶつけられ、それに対して「現実的な意味でも、精神的な意味でも、神秘的な意味でも、僕は人生だ。僕は人生であり、人生は上だったり下だったり、内だったり外だったり、左だったり右だったりする。北極のようなもので、南極がないと存在し得ない。片方だけでは存在できないんだ」と語っている。 本作は4分の4拍子で、基本的にCメジャーで演奏されているが、途中でCメジャーの平行調であるAマイナーも混ざっている。4小節のイントロのあとに、2つのヴァースに移行し、ブリッジ、インストゥルメンタルのヴァースと続き、2番目のブリッジ、最後のヴァース、そしてアウトロという構成になっている。本作について、音楽ジャーナリストのグラハム・リード（英語版）は「ハリスンのソングライターとしての自信の高まりを反映している」と評している。

背景・曲の構成

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「レイン (ビートルズの曲)」の記事における「背景・曲の構成」の解説

1964年6月11日、ビートルズはニール・アスピノールと共に、オーストラリアのシドニーに訪れたが、当日は雨が降っていた。レノンは「こんなにひどい雨はタヒチで見て以来だ」と語り、本作について「歌詞は常に天気に一喜一憂している人々について歌ったもの」と説明している。なお、歌詞に出てくる「Rain」と「Sun」が、LSDのトリップ時に体験する現象の1つであることから、薬物に対する言及という解釈もなされている。 「レイン」はシンプルな構成となっており、キーはGメジャーに設定されている。なお、レコーディング時はテープの回転速度が操作されており、バッキング・トラックはG#で録音され、それ以外の要素は回転速度を4分の1ほどに下げて録音された。ギターのイントロの後にスネアドラムが入り、ヴァースへと続く。ヴァースは9小節長で、4分の4拍子となっている。最初の2小節はGコードで、3小節目と4小節目でCコードに移行したのち、5小節目と6小節目でGコードに戻る。4番のヴァースとリフレインの後にドラムソロとギターソロが入り、1拍ブレイクする。これに続いて逆回転させたレノンのボーカルが入る。音楽学者のウォルター・エヴェレット（英語版）は、本作のエンディングについて「ビートルズが『フェードインフェードアウトを使用したコーダ』の先駆者であることを示す例」と述べている。 音楽評論家のアラン・コジン（英語版）は、マッカートニーのベースについて「指板をくまなく使った独創的な対位法」「レノンとマッカートニーがほのかに中近東を思わせるメロディーを4分の1拍子で奏でている間、マッカートニーはまずHigh-Gを打ち鳴らし、20ビートを安定させたまま弾くことで、曲のドローンを表現している」と評している。

背景・曲の構成

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「ユー・ノウ・マイ・ネーム」の記事における「背景・曲の構成」の解説

「ユー・ノウ・マイ・ネーム」は、ジョン・レノンが電話帳からインスピレーションを得て書いた楽曲。1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューで、レノンは「未完成だった曲の1つで、ポールと一緒にコメディ・レコードに仕上げた。彼の家で待っていたら、ピアノの上に電話帳が置いてあって、そこに"You know my name, look up the number"って書いてあった。実際に書かれてたロゴみたいなものを、自分の中で置き換えちゃったんだ。曲は4部構成で…こんな感じにコードが変わるんだけど、発展させることなくジョークで終わってしまった」と語っている。 マッカートニーは本作について、ビートルズのレコーディングに関する分析者であるマーク・ルイソン（英語版）に「ビートルズのシングルのB面を聴いてくれる人だけが『ユー・ノウ・マイ・ネーム』みたいな曲を知ってる。この曲は僕の大好きなビートルズ・ナンバーなんだ」と説明しており、「すごくおかしな曲で、なにもかも突飛だった。もしもジョン・レノンみたいなやつがスタジオに来て『新曲ができた！』と言ったらどんな反応をする？もちろん僕は『どんな歌詞だい？』と聞いた。そしたら彼は『You know my name look up the number』と答えた。僕が『…他には？』と聞いたら、彼は『いや、これだけさ。これをマントラみたいに繰り返すんだよ！』と答えた」と振り返っている。 本作のラウンジ調のセクションでは、レノンが映画『ジョン・レノンの 僕の戦争』で一緒に仕事をしたデニス・オデールの名前が登場する。本作では、ナイトクラブの歌手の名前として使用されており、マッカートニーがデニス・オデール役を演じている。

背景・曲の構成

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「バンド・オン・ザ・ラン (曲)」の記事における「背景・曲の構成」の解説

1973年に行なわれたポール・ガンバッキーニ（英語版）とのインタビューで、マッカートニーは「If we ever get out of here（もしここを出られたら）」というフレーズは、ビートルズの仕事の打ち合わせの際に幾度となくハリスンが口にしていた言葉から着想を得たことを明かしている。マッカートニーは、「彼は、僕らはみんなある意味で囚人だと言っていたよ。アルバムの冒頭に丁度いいと思ったんだ」と振り返り、「他にもいろんな理由があったと思う。たくさんあったけど、それを細かく掘り起こす気はない。『バンド・オン・ザ・ラン』にはいろんなテーマを盛り込んだ。逃避とか自由とか無法者とか、そう呼ばれるものが詰まっている」と語っている。 1988年の『ミュージシャン（英語版）』誌のインタビューで、マッカートニーは「バンド・オン・ザ・ラン」のインスピレーションの1つとして、1960年代後半から1970年代前半にミュージシャンが経験した麻薬捜査について言及している。マッカートニーは、自身もマリファナ所持で法的な問題を抱えていたこともあり、「僕らはマリファナで無法者にされていた。『バンド・オン・ザ・ラン』での僕たちの主張は『僕らを悪い方に立たせないでくれ…。僕らは犯罪者ではないし、そうなりたいとも思わない』ということ。だから刑務所から脱獄する人たちの物語を作ったんだ」と語っている。 『モジョ』誌に寄稿したトム・ドイルは、本作の歌詞はアルバム『バンド・オン・ザ・ラン』の制作に際して録音したデモ・テープが盗まれた後の出来事を思い出すもので、「狭い独房のようなスタジオの4つの壁の中で、厳しい不安に直面して立ち往生している」当時のバンドの状況を反映したものと解釈している。 アルバム『バンド・オン・ザ・ラン』の最後に収録されている楽曲「1985年」のエンディング部分には、本作のサビがわずかに抜粋されている。 「バンド・オン・ザ・ラン」は、3部構成のメドレーになっており、最初のセクションはスローテンポのバラード、2つ目のセクションはファンク・ロック（英語版）調、最後のセクションはカントリー調になっている。『オールミュージック』のスチュワート・メイソンは、最後の最も長いセクションについて「アコースティックのリズムギター、カントリー調のスライド・フィル、そしてコーラスでの3声ハーモニーの巧みな混合物」と評し、そのサウンドをイーグルスに喩えている。歌詞は「自由と逃避」がテーマとなっており、音楽評論家のロバート・クリストゴーは「大麻狂いの官僚によるロック・ミュージシャンへの弾圧について歌ったもの」と解釈している。

背景・曲の構成

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「想い出のフォトグラフ」の記事における「背景・曲の構成」の解説

1971年5月、スターとハリスンは南フランスのヨットで「想い出のフォトグラフ」の作曲を始めた。スターは、カンヌ国際映画祭の期間中、妻のモーリンとともにサントロペで行われたミック・ジャガーの結婚式に出席した後、ヨットを借りた。その後、スターキー夫妻はフランスでハリスンとその妻のパティ・ボイドと合流。当時、スターはハリスンのプロデュースによるシングル『明日への願い』でソロ・アーティストとして初の成功を収めたが、映画『盲目ガンマン（英語版）』（1971年）への出演を皮切りに、映画俳優としてのキャリアの発展に集中していた。 ヨットには、1960年代からの友人であるシラ・ブラックも同乗していて、スターとハリスンが夜の集まりで「想い出のフォトグラフ」を演奏し、「乗船している全員」で歌詞のアイデアを出し合ったと記憶している。1971年から1972年にシングル曲として発売された「明日への願い」や「バック・オフ・ブーガルー」と同じく、ハリスンがメロディーを書くのを手伝っているが、ハリスンの名が共作者として表記されるのは本作が初となる。ブラックは、自伝『Step Inside Love』の中で、1971年後半に本作を録音することを望んでいたが、スターから「君にはもったいない。僕が歌うよ」と言われたことを書いている。 「想い出のフォトグラフ」の歌詞は「失恋」について歌ったもので、歌詞中の主人公はいなくなった恋人のことを思い出すために1枚の写真を持っている。写真は主人公にかつての2人の幸せを思い出させると同時に、恋人がもう戻ってこないという現実を突きつけている。『The Words and Music of George Harrison』の著者であるイアン・イングリスは、ポップ・ミュージックの慣習でありふれている題材について言及する一方、歌詞には「愛が再燃するという可能性がない」という非定型的な側面を持っていることを指摘している。スターは、「Now you're expecting me to live without you / But that's not something that I'm looking forward to.」というフレーズで、未来をあきらめる気持ちを表現している。 本作はイングリス曰く「簡単なメロディー」で、スターの歌手としての限界を考慮したものとなっている。ロイ・カー（英語版）とトニー・タイラー（英語版）は、「ハリスンの独特な作曲スタイルがとくにはっきりとしている楽曲」と述べている。後にスターは、この時期のハリスンとの共作について「僕は3つのコードしか弾けない。僕が曲を書いて、書いた曲をジョージに渡したら、彼は10以上のコードをつけてくれた。そしたら人々は僕にすごい才能があるのだと思ったのさ」と語っている。

背景・曲の構成

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「ジ・エンド (ビートルズの曲)」の記事における「背景・曲の構成」の解説

スターのドラムソロをはじめとした各人の楽器のソロパートが含まれている。スターは「ソロを面白いと思ったことは一度もない」と語るなど、ドラムソロを嫌っていて拒否していたが、ジョージ・マーティンの説得により演奏した。このことについてスターは「ジョージ・マーティンに説得された。僕が叩いている間、彼がずっと数を数えていた。時間を稼がなくちゃならなかったから。それで僕は妙ちくりんなタイミングで切り上げることになった。長さが13小節だったからね。とにかく僕はソロを叩いたし、これはあくまで特例だ。やり終えた今は満足してるけどね」と語っている。このドラムソロは、アイアン・バタフライの楽曲「ガダ・ダ・ヴィダ（英語版）」におけるロン・ブッシー（英語版）のドラミングを模したもの。 ドラムソロが終わると、マッカートニー、ジョージ・ハリスン、ジョン・レノン（演奏順）によりギターソロリレーが始まり、各人2小節のギターソロを3回演奏している。このセクションは、ハリスンによる提案で、レノンが3人がそれぞれのセクションを演奏することを提案した。 各人のソロパートの後に、「And, in the end, the love you take/ Is equal to the love you make.（結局、あなたが得る愛は、あなたが与える愛（の量）に等しい）」というメッセージが歌われるという構成になっている。マッカートニーは、「メドレーをちょっと意味のある連句で締めたかったから、シェイクスピアを追求して書いた」とコメントし、マッカートニーに多い物語調の歌詞を嫌っていたレノンは「見ろ、アイツだって書こうと思えばこういう哲学的な歌詞が書けるんだ」と皮肉半分に称賛した。

背景・曲の構成

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「サン・キング」の記事における「背景・曲の構成」の解説

曲名は当初「Here Comes the Sun King」となっていたが、「ヒア・カムズ・ザ・サン」と混同することから現在の曲名になった。楽曲について、レノンは「あったのは曲半分だけで、ずっと仕上げられないままだった。あれは仕上げなくても、曲に片が付けられる手の一つだったというわけ。でもメドレーに入ると雰囲気を変えたくなってきて、『Here comes the sun king（太陽王がやってくる）』の出番になった。かまわないだろう？彼がやってくると、誰もが幸せになって『クアンド・パラムーチョ』だのなんだのが始まるんだ」と語っている。 「ユー・ネヴァー・ギヴ・ミー・ユア・マネー」のエンディングでコオロギの鳴き声が聴こえると、流れるように本作に移行する。曲の終盤では、スペイン語をでたらめに並べたフレーズが登場する。このパートについて、レノンは「みんなで冗談を言い始めてね。あれは『紛い物』で、適当にでっち上げたんだ。ポールは学生時代にいくつかスペイン語の単語を覚えていたから、少しでもそれっぽく聴こえるスペイン語の単語があったら、なんでもかんでも繋ぎ合わせてみた。『チッカ・フィルディ』という言葉も入っていて、これはリヴァプールの言い回しなんだけど、囃子ことばの『ナ、ナ、ナ、ナーナ』のようなもので、何か意味があるわけじゃない」と語っている。なお、「que can eat it（ケ・キャン・イート・イット）」というフレーズは、「ケーキをお食べなさい（Cake and eat it）」の語呂合わせ。楽曲は演奏が止まったのち、リンゴ・スターのドラム・フィルが入り、次曲「ミーン・ミスター・マスタード」に移行する。 ピーター・グリーン在籍時のフリートウッド・マック「アルバトロス (あほうどり)」にインスパイアされた楽曲とされており、ジョージ・ハリスンは「僕とジョンは『ギターにリバーブを目一杯かけて、フリードウッド・マックになろう』と言って、そのままギターを弾き始めた」と語っており、レノンも「あの曲の僕らは何分か、フリードウッド・マックのフリをしている」と語っている。

背景・曲の構成

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「アイ・ソー・ハー・スタンディング・ゼア」の記事における「背景・曲の構成」の解説

当初の曲名は「Seventeen」で、サウスポートランカシャーで行なわれたビートルズのライブからの帰り道、マッカートニーが1960年にリヴァプールで聴いた民俗音楽「Seventeen Come Sunday」を現代風にアレンジした楽曲として考案された。ビートルズの伝記作家であるマーク・ルイソン（英語版）によると、マッカートニーは1962年10月22日の夕方に友人のロリー・ストーム（英語版）の実家で、アコースティック・ギターを使用してコードとアレンジを練り上げたとのこと。2日後、マッカートニーは当時17歳だったガールフレンドのセリア・モーティマーとロンドンを訪れた時に、歌詞を書き下ろした。この約1か月後にフォースリン・ロードにある自宅でジョン・レノンと共に完成させ、1962年12月にハンブルクのスター・クラブで行われたライブで演奏された。なお、マッカートニーは本作をロリー・ストーム&ザ・ハリケーンズに提供する予定だったが、曲を聴いたブライアン・エプスタインによって却下された。 ベース・リフはチャック・ベリーの楽曲「アイム・トーキング・アバウト・ユー」より引用しており、マッカートニーは「まったく同じフレーズを演奏したら、それがうまく曲に合っていた」と語っている。なお、ビートルズは「アイム・トーキング・アバウト・ユー」をライブで演奏したことがあり、この音源は1977年に発売された非公式ライブ・アルバム『デビュー! ビートルズ・ライヴ'62』に収録された。 歌詞は、リバプール芸術学校で使用していたノートに記され、1992年に出版されたマイク・マッカートニー（英語版）の著書『Remember: The Recollections and Photographs of Michael McCartney』には、マッカートニーとレノンがアコースティック・ギターで音を鳴らしながらノートに歌詞を記している様子を捉えた写真が掲載されている。1988年のマーク・ルイソン（英語版）とのインタビューでマッカートニーは「ジョンと一緒に書いた曲。学校を休んで、ギターで書いた。『Well she was just seventeen / Never been a beauty queen（彼女はちょうど17歳 / 絶世の美女ってわけじゃない）』という歌詞だったんだけど、ジョンに『何だって？それじゃ駄目だ』って言われた。初めてのことだったよ。そこで『You know what I mean（意味わかるだろ？）』に変えたんだ」と語っている。レノンも1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューで「ポールがいつもの調子で作った曲で、ジョージ・マーティンが『ウケ狙い』と呼んでいた。歌詞をちょっと手伝った」と語っている。

背景・曲の構成

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「ヒア・カムズ・ザ・サン」の記事における「背景・曲の構成」の解説

1969年4月、アップル・レコードでの打ち合わせに疲れていたハリスンは、打ち合わせをキャンセルしてロンドンにある親友のエリック・クラプトンの家へ遊びにでかけていた。当時についてハリスンは「会議に出てあのまぬけな会計士たちの顔を見なくてすむと思うとホッとした。銀行家や弁護士と契約やら株式やらで、会議のオンパレードだったから。あれは本当に最悪だったから」と振り返っている。 ハリスンは、クラプトンのアコースティック・ギターを借りて庭を歩きまわっている中で、その年初めての春らしい日差しを感じて本作の歌詞とメロディが頭に浮かんだとし、6月に歌詞を完成させた。このことについて、ハリスンは「ただ単にこれまで僕の中で高まっていた緊張をほぐしただけ。ギターを弾くのも2週間ぶりで、とにかく忙しかったから。ごく自然に曲が降りてきて、サルデーニャで休暇を取ったときに仕上げた」と語っている。 歌詞はレコーディング時に、ヴァースの順番が入れ替えられており、ハリスンの手書きの歌詞では2番のヴァース「the smiles returning to their faces（みんなの顔に戻っていく微笑み）」が、3番のヴァースとされていた。ミドル・セクションには、下降するリフが含まれており、ジョン・レノンは1969年9月のインタビューで「ジョージはありとあらゆるタイプの曲を書いていて、一度扉が開いたら、もう止めどなくなってしまう」「この曲はただ単にジョージが進歩している証拠だろう。僕はある意味バディ・ホリーを思い出したよ」と語っている。 ハリスンは「恋をするなら」と同様に、ギターの7フレットにカポタストを付け、Dのポジションで演奏している。コーラス部分が終わった後に入るインストゥルメンタルのセクションには、インドの伝統音楽の影響が見られ、スターは「『7拍子半みたいな感じの新曲がある』と言われて、僕はなんとかそれを毎回ちゃんと演奏できるように、あらゆる手を考えた。あれはインド音楽のわざのひとつだ」と語り、ハリスンの息子であるダーニ・ハリスンも「ほとんどティハイのようだ」と評している。

背景・曲の構成

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「ビコーズ (ビートルズの曲)」の記事における「背景・曲の構成」の解説

「ビコーズ」は、プロデューサーのジョージ・マーティンが演奏するエレクトリック・ハープシコードのイントロに始まり、レノンによるレスリー・スピーカーを通したギターが入った後、三声のボーカルとポール・マッカートニーのベースが重なる。中間部のホルン風の音は、ジョージ・ハリスンが演奏するモーグ・シンセサイザーによるもの。 楽曲について、レノンは「ちょうど『ビコーズ』を書いていたときに、たまたまヨーコがクラシックの曲を弾いていたから、『逆向きに弾いてみてくれないか』と頼んだ。そのコードを逆向きに教えてくれといって、それに乗せて曲を書いた。ベートーヴェンだか知らないけど」と語り、そこでオノが自身が演奏した楽曲が「月光ソナタ」であることを明かした。 イントロのエレクトリック・ハープシコードは、「月光ソナタ」と同じC♯マイナーで演奏されていて、このアレンジはベートーヴェンの「交響曲第1番」のアルペジオに相当するもの。1969年のインタビューで、ハリスンは「大抵はポールが甘い曲を書いて、ジョンはもっと激しい曲とか、妙ちくりんなものを書いている。でも、『ビコーズ』は間違いなく、最高の美しい曲の一つ。もしかしたら『アビイ・ロード』の中で僕の一番のお気に入りかも知れない」と語っている。

背景・曲の構成

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「オブ・ラ・ディ、オブ・ラ・ダ」の記事における「背景・曲の構成」の解説

マッカートニーは、1968年2月4日に他のバンドメンバーと共にインドのリシケーシュを訪れていた時期に「オブ・ラ・ディ、オブ・ラ・ダ」を書き始め、同地で行われた合唱会で演奏した。当時についてマッカートニーは「巡回映画がやってきたから、僕らはみんな瞑想のキャンプから、行列を作ってジャングルの一本道を歩いた。僕のギターで『オブ・ラ・ディ、オブ・ラ・ダ』を歌ったんだけど、とても楽しかった」と振り返っている。音楽評論家のイアン・マクドナルド（英語版）は「マッカートニーのジャマイカのスカの作風にかなり近似した素晴らしい楽曲」と評している。 歌詞は「市場に勤めるデズモンド・ジョーンズが、バンドで歌手をしているモリーと恋をして結婚する物語」を歌ったもので、後に発表された「マックスウェルズ・シルヴァー・ハンマー」に似た形式で物語を展開させている。マッカートニーは「とても僕らしい曲。デスモンドとモリーという実在しないカップルに関するファンタジーだからね。僕は名前にも力を入れている。デスモンドというのはとてもカリブっぽい名前だ」と語っている。デスモンドは、レゲエのデスモンド・デッカーに由来している。 タイトルおよび歌詞に登場する「Ob-La-Di, Ob-La-Da」というフレーズは、マッカートニーの知人であるナイジェリア人のコンガ奏者、ジミー・スコットがよく口にしていたフレーズを流用したもの。マッカートニーは「ジミーとは、よくロンドンのクラブで顔を合わせていた。会うたびに彼は『Ob-la-di, Ob-la-da, life goes on, bra（オブ・ラ・ディ、オブ・ラ・ダ、人生続くよ、ブラ）』と口にしていた。後でそのお礼がわりに小切手を送った。曲は全部僕が書いて、いっさい彼の助けは借りてないけど、あれは彼の言い回しだったから」と語っている。なお、スコットは著作権をもとにマッカートニーに金銭を要求したが、マッカートニーはこれを拒否し、後にある事件でスコットが逮捕された際に、マッカートニーが多額の法廷費用を負担するのと引き換えに金銭の要求を取りやめたというエピソードも残っている。

背景・曲の構成

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「ユー・ネヴァー・ギヴ・ミー・ユア・マネー」の記事における「背景・曲の構成」の解説

1969年3月末から4月初旬にかけて、マッカートニーが妻であるリンダ・マッカートニーとニューヨークに滞在していた時に書いた楽曲で、この時点では「ユー・ネヴァー・ギヴ・ミー・ユア・マネー」、「アウト・オブ・カレッジ」、「ワン・スウィート・ドリーム」の3タイトルが挙がっていた。 本作は1969年初頭におけるバンドのビジネス的な取引をテーマとしており、マッカートニーは「ここでの僕は、アラン・クレインの僕らに対する態度を正面から非難している。お金は全然入ってこなくて、あるのはおかしな書類だけ。約束ばかりで何ひとつ実現しないというわけさ」と語っている。ジョン・レノンとマッカートニーがレノン＝マッカートニー名義で制作した楽曲はノーザン・ソングスが管理権を持っていたが、経営不振となったころに過半数の株式がソニーATVミュージックパブリッシングによって買収された。マッカートニーは、マネージャーのブライアン・エプスタインの死去以降、グループをまとめる立場にあった。それにより自身の会社「アップル・コア」を立ち上げ、財政面の整理をマッカートニー以外の3人のマネージャーとなったアラン・クレインが担当していたが、会社は財政難に陥り、会社内では亀裂が生じていた。 マッカートニーとプロデューサーのジョージ・マーティンは、『アビイ・ロード』がバンドとして最後のアルバムとなる可能性を考え、未完成となっている多数の楽曲を「ザ・ロング・ワン」と称したメドレーとしてまとめることに決めた。後にマッカートニーは、キース・ウェスト（英語版）の「Excerpt from A Teenage Opera」に影響を受けたと語っている。オープニングのフレーズやギターのアルペジオを含むメロディー部分は「キャリー・ザット・ウェイト」に再利用されている。 楽曲はピアノ・バラードから始まり、中程のロック・バラードに移行し、終間際のオールド・ロックと展開していく。最後にメンバー全員が「1-2-3-4-5-6-7 all good children go to heaven（いい子はみんな天国行き）」と連呼して終わる。このエンディング部分の歌詞は英語圏に広く伝わる童謡からの引用である。音楽評論家のイアン・マクドナルド（英語版）は、終盤のギターのアルペジオは「アイ・ウォント・ユー」や「ヒア・カムズ・ザ・サン」の中間のセクション、関連性のない曲の断片をつなぎ合わせたような構成は「ハッピネス・イズ・ア・ウォーム・ガン」の影響を受けていると推測している。

背景・曲の構成

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「ピッギーズ」の記事における「背景・曲の構成」の解説

ハリスンは、アルバム『リボルバー』のレコーディング・セッションを行っていた1966年初頭に「ピッギーズ」を書き始めた。その後2年後にリバプールの実家の屋根裏部屋で原稿を発見し、本作を仕上げた。本作についてハリスンは「『ピッギーズ』を書いたのは2年半か3年前のことだけど、仕上げずに放っておいた。家にあった本に歌詞を挟んだまま、去年の夏に発掘するまで、完全に存在を忘れてた」と語っている。 歌詞の内容について、ハリスンは「社会的なコメント」と評している。歌詞は、ジョージ・オーウェルの小説『動物農場』に触発されたもので、ハリスンが感じていた階級システムの不公平さに喚起され、大きなブタと小さなブタの暮らしぶりを描いたものとなっている。ハリスンが書いた初期の草稿では、ビッグ・ブラザーとの語呂合わせを含んだ「Down at the piggy banks / Paying piggy thanks / To the pig brother（ブタさんの銀行に行けば、おたくにブタっぽい感謝をしながら、駆け足をしている連中に会えるだろう、ピッグ・ブラザー）」という未使用のヴァースが含まれており、これはオーウェルの小説『1984年』にも登場していた。なお、ブタの意を持つ英単語「Pig」は、1966年にアメリカで警察官の蔑称としても使用されていた。 1968年初頭にリヴァプールに帰郷した際、ハリスンの母であるルイーズが「What they need's a damn good whacking（たっぷりぶん殴ってやる必要がありそうだ）」というフレーズを加えた。同年5月下旬にイーシャーにある自宅で本作のデモ音源をレコーディングした。その後、ジョン・レノンはハリスンがデモ音源で歌った「to cut their pork chops（自分たちのポークチョップを切るんだ）」というフレーズを、「Clutching forks and knives to eat their bacon（フォークとナイフを掴んで自分たちのベーコンを食べるのさ）」というフレーズに差し替えた。1990年に行われたライブでは、差し替えられたフレーズを含めて演奏された。 本作はA♭のキーで書かれた楽曲で、2つのヴァースとミドルエイト、インストゥルメンタルのパッセージ、オーケストラのエンディングに繋がるコーダで構成されていて、メロディとテクスチュアにバロック音楽の要素が取り入れられている。

背景・曲の構成

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「ジュリア (ビートルズの曲)」の記事における「背景・曲の構成」の解説

レノンは、1968年春にインドのリシケーシュでマハリシ・マヘーシュ・ヨーギーのもとで超越瞑想の修行をしていた際に「ジュリア」を書いた。アコースティック・ギターとボーカルで構成された本作は、リシケーシュでドノヴァンから教わったスリー・フィンガー奏法で作曲された。 「ジュリア」は、レノンが母親であるジュリア・レノン（1914年 - 1958年）を題材として書いた楽曲。レノンが5歳の時に両親が離婚し、母親が別の男性との生活を始めてからは、叔母のミミの元で育てられていた。1955年にミミの夫であるジョージが死去してからは、ミミとの間に緊張が走るようになり、ミミの厳しいしつけから逃げるために、レノンはジュリアとの関係を再開させた。ジュリアとはロックンロールへの愛情という共通の絆があったことから、ジュリアはジョンの音楽好きを後押しし、1957年にジョンにギターを買い与えた。しかし、1958年7月にジュリアが非番の警察官が運転する車に轢かれて死去。レノンが17歳の時のことで、「僕は母親を2度なくした。1度目は5歳の時で、2度目は彼女が実際に亡くなったとき。僕にとっては人生で最悪の経験だった」と振り返っている。 レノンは、後に妻となるオノ・ヨーコについても本作で言及しており、「oceanchild（大洋の子）」とはオノのことを指している。レノンとオノは1966年に出会い、レノンがリシケーシュに滞在していた時期にも、オノはメッセージを送っていた。これについて、レノンは「ヨーコは『わたしは雲。空のわたしに目を光らせて』みたいなことを書いてきた」と振り返っていて、本作の「silent cloud, touch me（もの言わぬ雲、僕に触れて）」というフレーズは、このオノのメッセージをヒントに書いたものとされている。また、歌詞はレヴァノンの詩人であるハリール・ジブラーンを彷彿させるものとなっており、冒頭の「Half of what I say is meaningless / But I say it justt to reach you（僕が喋る言葉の半分は意味がない / それでも口にするのは君に届けたいから）」というフレーズは、ジブラーンの詩集『砂と泡』からの引用である。 本作のキーはDに設定されていて、レノンはギターの2フレット目にカポタストを付けて、キーがCの形で演奏した。

背景・曲の構成

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「ザ・コンティニューイング・ストーリー・オブ・バンガロー・ビル」の記事における「背景・曲の構成」の解説

1968年春にビートルズはインドのリシケーシュを訪れ、マハリシ・マヘーシュ・ヨーギーのもとで超越瞑想の修行を行っていた。リシケーシュの僧院には、ビートルズの他にも年代問わずさまざまな人々が滞在していて、その中には、1960年代にマハリシのパブリシストを務めていたナンシー・クック・デ・ヘレラとその息子であるリチャード・クックIII世もいた。本作の歌詞は、バンガロー・ビルが象と母親を連れて虎狩に行くという物語調になっているが、これはクック親子が象に乗って虎狩に行くというエピソードに基づいている。レノンはクック親子を軽蔑的に見ていて、二人への反感は「He's the all American bullet-headed saxon mother's son（彼はどこから見てもアメリカ人、頑固なサクソン系の母親の息子）」「If looks could kill it would have been us instead of him（もし外見だけで殺せるとしたら、代わりに私たちがやられていたでしょう）」といった皮肉めいた歌詞に表されている。 本作についてレノンは、1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューで「マハリシの瞑想キャンプで、短い休暇を取って哀れな虎を2、3頭撃ち殺した男が、神と共に部落に帰ってくるというストーリーで書いた。ジャングル・ジムというキャラクターがいて、僕はそれをバッファロー・ビルとくっつけた」と語っている。ポール・マッカートニーは、本作について「今も僕のお気に入りの一つ。それは今の僕のスタンスとすごく共通するところがあるからだ。この曲のメッセージは『本当にあの虎を撃つ必要があったのか? お前は立派な男ではないのか? お前は勇敢な男ではないのか?』というところ。ジョンはそれを、すごくうまく表現していると思う」と評している。 インドから帰国後の5月に、イーシャーにあるジョージ・ハリスンの自宅でアルバム『ザ・ビートルズ』のセッションに向けたデモ音源の制作時に、本作も採り上げられた。このデモ音源は、2018年に発売された『ザ・ビートルズ (ホワイト・アルバム) 〈スーパー・デラックス・エディション〉』に収録された。 楽曲は、メロトロンのサンプル音源によるスパニッシュ・ギターのイントロの後に、「Hey, Bungalow Bill / What did you kill, Bungalow Bill?（ヘイ、バンガロー・ビル、何を殺したんだい、バンガロー・ビル?）」という歌いだしで始まる。なお、メロディ・パートの後ろで聞こえるマンドリンの音やエンディングの「Hey, Bungalow Bill / What did you kill, Bungalow Bill?（ヘイ、バンガロー・ビル、何を殺したんだい、バンガロー・ビル?）」の3回目のリフレインから加わってくるトロンボーンの音もメロトロンで弾いたものとなっている。冒頭のリフレインを繰り返しながらフェード・アウトし、拍手の後にレノンの「Eh up!」という掛け声が入って終了し、曲間を置かずに次曲「ホワイル・マイ・ギター・ジェントリー・ウィープス」へと移行する。

背景・曲の構成

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「アイム・ソー・タイアード」の記事における「背景・曲の構成」の解説

1968年春にビートルズは、インドのリシケーシュを訪れ、マハリシ・マヘーシュ・ヨーギーのもとで超越瞑想の修行を行っていた。修行を始めてから4週目に入った頃、レノンは禁止されていた煙草やアルコールを欲するようになっていた。また、レノンは当時まだ恋人であったオノ・ヨーコを呼び寄せることを考えていたが、当時の妻であるシンシア・レノンと共に生活することをためらい取りやめた。リシケーシュで書かれた本作は、同じくレノン作の「アイム・オンリー・スリーピング」に通ずる気怠い印象を持った楽曲で、精神的に疲れたレノンの心情が描かれている。当時についてレノンは、1980年に「1日中瞑想をしていたせいで、夜眠れなくなってしまってね。そのせいですごく疲れていた」と振り返っている。 歌詞には、イギリスに喫煙の習慣を広めたウォルター・ローリー卿が登場しており、喫煙の習慣に対する嫌悪感を表現をするために「And curse Sir Walter Raleigh（そしてウォルター・ローリー卿を呪ってやるんだ）」と歌われている。このフレーズについてポール・マッカートニーは「古典的なくだり。すごくジョンらしい」と語っている。 インドからの帰国後の1968年5月に、イーシャーにあるハリスンの自宅でデモ音源のレコーディングが行われた。この5か月後にスタジオでのレコーディングが行われたが、歌詞の変更は行われたなかった。当時レコーディングされたデモ音源は、2018年に発売された『ザ・ビートルズ (ホワイト・アルバム)〈スーパー・デラックス・エディション〉』のCD3に収録された。 1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューで、レノンは「僕のお気に入りの曲の1つ。とにかくサウンドが良くて、歌も悪くないんだ」と語っている。

背景・曲の構成

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「ロッキー・ラックーン」の記事における「背景・曲の構成」の解説

1968年春、ビートルズはインドのリシケーシュを訪れ、マハリシ・マヘーシュ・ヨーギーのもとで超越瞑想の修行を行っていた。この時期には、アルバム『ザ・ビートルズ』に収録された楽曲を含む多数の楽曲が書かれ、「ロッキー・ラックーン」もまたその1つであった。楽曲の製作過程について、マッカートニーは「ジョンやドノヴァンと座って楽しくやっているときに、『ロッキー・ラックーン』のコードを弾き始めた。本当に適当な感じでね。元々はロッキー・サッスーンという名前だった。そこで3人で歌詞を付け始めて、あっという間に出来上がった。あとでサッスーンからラックーンに変えたのは、その方がカウボーイっぽいと思ったからだ」と振り返っている。 レノン作の「ザ・コンティニューイング・ストーリー・オブ・バンガロー・ビル」と同様のアプローチが取られており、歌詞は、ロッキー・ラックーンがダンという男性にガールフレンドであるマギル（自称「リル」で、周りからはナンシーとして知られている）に奪われ、ダンに復讐を誓うも返り討ちに遭うという物語調になっている。本作についてマッカートニーは「マック・セネットの映画に音楽を付けたようなもの」としていて、「すごく捻くれた曲で、すごく僕らしい。西部劇を皮肉っぽくパロディ化して、とにかく面白さを持たせようとした。ちょっとした幕劇を書いたというべきか。ロッキー・ラックーンはデイヴィー・クロケットみたいなアライグマの帽子を被った男。僕はこいつがギデオン聖書を見つけて、『Gideon checked out and he left it no doubt（ギデオンが宿を出るときに置いていったに違いない）』と考えるくだりを気に入っていた。ギデオンがキャラクターになるというアイデアがね」と語っている。 1968年5月にイーシャーにあるジョージ・ハリスンの自宅でデモ音源がレコーディングされたが、こちらの音源では完成バージョンにおける冒頭の語り口調のパートがない。また、「ジンの匂いを漂わせた医者」が登場する最後のヴァースは、後のレコーディング時にスタジオで即興的に作られたもの。

背景・曲の構成

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「マーサ・マイ・ディア」の記事における「背景・曲の構成」の解説

1966年夏に北ロンドンに引っ越したマッカートニーは、間もなくしてオールド・イングリッシュ・シープドッグのマーサを飼い始めた。マーサについてマッカートニーは、「僕が初めて飼うペットだ。僕が動物に凄く優しいのを見て、ジョンが『こんなおまえを見るのは初めてだ』って驚いていたのを覚えてる。マーサはとても可愛らしくて、思わず抱きしめたくなるような犬だった」と語っている。 アルバム『ザ・ビートルズ』収録曲では数少ないピアノを主体とした楽曲で、マッカートニーは「ピアノは完全に独習だった。たいていはベースラインを弾くだけだったけど、それで十分事足りていた。僕らはいつもその上に歌を被せていたから、あまり余計なことはしないといいと思った。歌詞やらメロディやらを乗せやすいようにね。そんな中でいちばん凝ったプレイをしたのが『マーサ・マイ・ディア』。実を言うと少しばかり対位法みたいなことをしてるけど、これもやっぱり独習だった。なんとか頑張って2つのパートを一度に弾けるようになった」と語っている。 メロディが完成した後に、マッカートニーはマーサについて歌詞を書いた。歌詞についてマッカートニーは、「普段は『こういうことについて曲を書こう』と考えながら、曲を書くことはない。メロディが出来上がると自然に何かの歌詞が浮かんでくるんだけど、この時はたまたま『いとしのマーサ。僕の毎日は会話で終わってしまうけれど』だった。特に意味はないけど、とにかくこの歌詞が頭に浮かんできた」と語っている。1968年春にマッカートニーがノートに残した曲名のリストには「Martha My Dear」と「Silly Girl」が含まれているが、同年5月にイーシャーにあるジョージ・ハリスンの自宅で行われたデモ録音では、本作は採り上げられなかった。その後レコーディングが行われる秋までに、この2つの楽曲が1つにまとめられることとなった。 曲のキーはEbメジャーに設定されていて、3拍子と2拍子のパートが1小節ずつあるほか、4分の4拍子のパートが存在する。

背景・曲の構成

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「マザー・ネイチャーズ・サン」の記事における「背景・曲の構成」の解説

1968年2月から4月にかけて、ビートルズのメンバーはインドのリシケーシュを訪れ、マハリシ・マヘーシュ・ヨーギーのもとで瞑想修行を行っていた。この時期のメンバーは、マハリシの講話会に出席することが日課のひとつとなっていた。マハリシの講話会の中には、人と自然の調和に関するものがあり、レノンとマッカートニーはこの講話に触発されて曲を書いた。この時にマッカートニーが書いたのが本作で、レノンが書いたのが「Child of Nature」だった 「春の歌・リシケーシュ1968」と題されたマッカートニーのノートには、2つのヴァースが記されており、そのうち最後のヴァース（「Find me in my field of grass〜」）はインドから帰国後に書いたもの。楽曲についてマッカートニーは、「リヴァプールの父親の家で書いたことを覚えている。家族を訪ねていると、いい気分になってくるから、曲を書く良い機会になることが多い。だから僕はこの曲で、母なる大地の子（マザー・ネイチャーズ・サン）になりきっていたんだ。ナット・キング・コールの『Nature Boy』が好きでね。そこからヒントを得たんだ」「シャクナゲの茂みが何百万もあったダム・ウッズを覚えているよ。あれ以来、シャクナゲの茂みをあんなにたくさん見たことはないよ。僕の田舎好きはここに由来している。この曲で書きたかったのもここのことだし。あれは基本的に僕の自然の子供志向を、心から表現した曲さ」と語っている。 Dのキーで書かれた楽曲で、Dコードのポジションを主軸としている。リフレインには歌詞がなく、その代わりにマッカートニーは楽器の音色を彷彿させるボーカル・パフォーマンスを披露している。

背景・曲の構成

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/04/07 14:54 UTC 版)

「サボイ・トラッフル」の記事における「背景・曲の構成」の解説

ジョージ・ハリスンは、1968年9月に「サボイ・トラッフル」を書いた。同月21日に発行された『NME』誌に掲載された記事で、ハリスンは「『おい、あれは何なんだ？あれはどういう意味なんだ？』と聞いてくる連中には、少しばかりウンザリしていて、何の意味もない曲を書こうと思っている」と語っている。ハリスンは、1965年に発表された「ノルウェーの森」でシタールを演奏したのをきっかけに、1966年よりラヴィ・シャンカルのもとでシタールについて学んでいたが、1968年に入ってからは再びギターを主体とした楽曲を書くようになっていた。これについて、『NME』誌の記事でハリスンは「僕は再びロッカーになった」と宣言し、「もう『神秘的なビートル・ジョージ』のイメージに拘泥するつもりはない。未だに万事が『ウィズイン・ユー・ウィズアウト・ユー』だけど、もうそっち方面に向かうつもりはない。なぜなら今の僕はロックンロール・スターになろうとしてるんだ!」と語っている。 「サボイ・トラッフル」のキーは、基本的にEマイナーに設定されているが、同主調（Eメジャー）に何度も転調を繰り返し、Gメジャーで一時的に終止する。全体的に4分の4拍子で、主にソウルの要素を持っている。 ヴァースの歌詞では、「Creme tangerine（クリーム・タンジェリン）」、「Montelimart（モンテリマ）」、「Ginger sling（ジンジャー・スリング）」など、チョコレートの名前が含まれており、歌詞に登場する「Good news（グッド・ニューズ）」もイギリスの菓子メーカー、ロントリー・マッキントッシュ社のチョコレートの詰め合わせの名前で 、歌詞の大部分はグッド・ニューズの箱の蓋に記載されている名前を流用している。歌詞について、ハリスンは「エリックとつるんでいた時期に書いた笑える曲。当時の彼は虫歯がたくさんあって、本当なら歯医者に行かなきゃならなかった。いつも歯が痛いと言っているのに、たらふくチョコレートを食べていた。とにかく我慢できなくて、チョコレートを見ると食べずにはいられなかったんだ」と語っている。 ビートルズの広報担当であったデレク・テイラー（英語版）も作詞を手伝っており、2回目のブリッジの「You know that what you eat you are（知ってのとおり、食は人なり）」というフレーズは、テイラーによるアイデアによるもので、テイラーの友人が制作した映画の題名（You are what you eat）に由来している。。なお、同じセクションでは、「We all know Obla-dibla da / But can you show me, where you are?...（みんなオブ・ラ・ディ、オブ・ラ・ダを知っているけど、教えてくれないか、君はどこにいる？）」というマッカートニー作の「オブ・ラ・ディ、オブ・ラ・ダ」への言及が見られる。音楽ジャーナリストのロバート・フォンテノットは、ジョン・レノンと同様にハリスンも同作を嫌っていることから、「マッカートニーの歌に対する、ハリスンなりの意見」と見ている。

背景・曲の構成

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/07/15 13:45 UTC 版)

「アイ・ウォント・ユー (ビートルズの曲)」の記事における「背景・曲の構成」の解説

レノンは、1968年頃から後に妻となるオノ・ヨーコに捧げた曲を作っているが、本作も彼女に捧げたもの。歌詞では15種類の単語しか使用されておらず、このことについてレノンは「ヨーコが言うように、溺れそうになっているときに『もし誰かが溺れている私に気づいて、助けに来てくれるだけの先見性をお持ちであれば幸甚に存じます』なんてことを言う奴なんていない。ただ叫び声を上げるだけだ。この曲での僕は『お前が欲しい、欲しくて頭がおかしくなりそうだ、彼女はとてもヘヴィ…』としか歌っていない。それですべてなんだ」と語っている。 ギターのアルペジオによるイントロは6/8拍子となっていて、Dマイナー→Eb9→Bb7→Aaugという進行が用いられている。ブルースコードが用いられたヴァースを歌い終わったあと、「She's so heavy（彼女はとてもヘヴィ）」というフレーズを繰り返すテーマに入り、リードギターで演奏される2番目のヴァースへと続く。再びテーマに入り、3番目のヴァースでレノンの「She's So」と歌ったのち、テーマを3分間繰り返すコーダへと入っていく。コーダでは、ギターのアルペジオがダブルトラックになっており、途中からモーグ・シンセサイザーによるホワイト・ノイズが入ってくる。なお、楽曲は15回目のテーマの途中で突然終了する。 1969年9月にジョージ・ハリスンは、本作について「かなりヘヴィな感じ。ジョンはリードギターを弾いて、ギターと同じように歌っている。リフは実のところ、ごくシンプルなブルース調になっている。それにミドル・セクションが素晴らしい。ジョンのタイミングは驚異的で、コード進行もすごくいい」と語っている。

背景・曲の構成

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/08/10 07:31 UTC 版)

「ホワット・ユー・アー・ドゥーイング」の記事における「背景・曲の構成」の解説

マッカートニーは、ビートルズの1964年のワールド・ツアーが終了した直後である1964年8月30日に、アトランティックシティで「ホワット・ユー・アー・ドゥーイング」を書いた。本作について、マッカートニーは「穴埋めの曲さ。ジョンよりも少しだけ僕が多く書いた気もするけれど…レコーディングを始めてコーラスが入れば良い感じになりそうだと思うこともよくあるけど、そうならないこともある。この曲もそうだった。レコーディングをやることで良さがでてくることもあるんだけどね」と振り返っている。 曲はドラムソロ（4小節）で始まり、そこにギター・シークエンスが続く。ギター・シーケンスは至るところでヴァース（節）ごとにオスティナート技法を使っており、これにより曲全体の調和を与えている。曲は、ベースソロが数秒入って終わる。 本作では、ジョージ・ハリスンがリッケンバッカー・360/12で弾いたギターリフがフィーチャーされている。このサウンドは、ビートルズがリッケンバッカーを使用していたことを部分的に参考にしていたバーズに影響を与え、1965年にハリスンはバーズの影響を受けて「恋をするなら」を書いた。

背景・曲の構成

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「アイル・ビー・オン・マイ・ウェイ」の記事における「背景・曲の構成」の解説

「アイル・ビー・オン・マイ・ウェイ」は、ポール・マッカートニーが1959年の前半に書いた楽曲で、作曲者のクレジットはレノン＝マッカートニー名義となっている。ジョン・レノンは、1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューで、「完全にポールの曲。そういうふうに聞こえないかい？トラ・ラ・ラ・ラ・ラ（笑）田舎道をドライブしている時にポールが余興で作った曲さ」と語っている。マッカートニーは本作の作曲で初めて手にしたフラムス（英語版）社のアコースティック・ギターを使っていて、『ザ・ビートルズ・アンソロジー』内で「『ミッシェル』や『アイ・ソー・ハー・スタンディング・ゼア』といった、僕が初めて書いた曲はすべてゼニスを使っている。このギターで『トゥエンティ・フライト・ロック（英語版）』を習得して、クオリーメンに入った」と回想している。作曲当初はメロディのみであったが、ビートルズのライブのレパートリーに加えられてから数年後に肉付けされた。 本作にはバディ・ホリーからの大きな影響が見受けられる。音楽評論家のイアン・マクドナルド（英語版）は、「少し速めのテンポで演奏すると、バディ・ホリーのシンプルな3コードの進行に対する恩義があらわになる」と述べている。エヴェレットも「デュエットのリフレイン」を引き合いに、これに同意している。ルイソンも本作について「Hollyesque（ホリーエスク）」と呼んでいる。歴史家のケネス・ウォマック（英語版）もホリーの「もうおしまい」からの影響について言及している。ギターのイントロにおける半音階のフレーズは、ザ・クリケッツ（英語版）のカバー曲「ドント・エヴァー・チェンジ（英語版）」に由来する。11小節目以降、マッカートニーはレノンよりも3半音高い平行調で歌っているが、これはホリーのボーカルのダブルトラッキングから派生した技法となっている。歌詞の中ではところどころで韻を踏んでいる。 本作では1曲を通してレノンがリード・ボーカルを務め、マッカートニーがハーモニー・ボーカルを加えている。レノンは本作を良く思っておらず、ルイソンは本作を演奏する様子について「『This way will I go（そこへ行くよ）』というフレーズにくると、レノンはひどく顔を歪ませ、カジモドのようにマイクの近くまで身をかがめていた」と書いている。

背景・曲の構成

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「ホワッツ・ザ・ニュー・メリー・ジェーン」の記事における「背景・曲の構成」の解説

1968年の春、ビートルズはインドのリシケーシュにわたり、マハリシ・マヘーシュ・ヨーギーのもとで超越瞑想を学んでいた。この時期にレノンは、「ホワッツ・ザ・ニュー・メリー・ジェーン」を書いた。歌詞の中には、チャパティ（インドの薄焼きパン）、アフリカの女王、スパゲティ、モンゴルのヒツジ、パタゴニアのパンケーキなどが登場する。タイトルおよび歌詞に登場する「Mary Jane（メリー・ジェーン）」は、マリファナを表す隠語。 1969年5月の『ニュー・ミュージカル・エクスプレス』誌のインタビューで、レノンは「ホワッツ・ザ・ニュー・メリー・ジェーン」をアレックス・マルダス（英語版）とともに書いたことを示唆している。しかし、発売時の作曲者のクレジットにアレックスの名はなく、ポール・マッカートニーとの共同名義であるレノン＝マッカートニーが表記されている。音楽史家であるジョン・ブラニーは、アレックスが作詞を手伝った可能性を考慮したうえで、「レノンであれば世界最高のミュージシャンと組めるのに、なぜ素人と組んだのか？」「アレックスの名が共作者としてクレジットされていないうえに、仕上げのレコーディングに参加していないのはなぜか？」という疑問を呈し、前述のレノンの発言を「インタビューを利用したアップル・エレクトロニクスの宣伝」と推測している。

背景・曲の構成

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/08/03 03:26 UTC 版)

「バック・イン・ザ・U.S.S.R.」の記事における「背景・曲の構成」の解説

マッカートニーは、インドのリシケーシュに出発する1か月前の1968年1月に国民的支持を得た「I'm Backing Britain」キャンペーンに触発されて、「I'm Backing the UK」というタイトルで歌詞を書き始めた。そして、リシケーシュで1968年2月から3月にかけてマハリシ・マヘーシュ・ヨーギーの元で行われた修行中にタイトルが「I'm Backing the USSR」に変更された。これはチャック・ベリーの「バック・イン・ザ・U.S.A.」を参考にしたもので、その後現在のタイトルに定着した。このタイトルの変更について、マッカートニーは「皮肉っぽいもじり」と説明している。同じ目的でリシケーシュに滞在していたザ・ビーチ・ボーイズのマイク・ラヴは、ブリッジ部分のソビエト連邦の女性たちについての言及に対して、ザ・ビーチ・ボーイズの「カリフォルニア・ガールズ」のスタイルを流用することを提案。そこでマッカートニーは、ホーギー・カーマイケルとスチュアート・ゴレル（英語版）作の「我が心のジョージア」を語呂合わせで加えることを考え出した。 マッカートニーは、1968年11月に放送されたラジオ・ルクセンブルク（英語版）によるインタビューで、「アメリカでの長期任務を終えて、ソビエト連邦に帰国したロシア人スパイの視点で書かれた曲」と明かし、「彼はすっかりアメリカナイズされている。でもソビエト連邦に帰国した瞬間、『スーツケースを開けるのは明日にしよう。ハニー、電話の線を切ってくれないか』と言い出す。ロシア人女性の特徴をうたった曲さ」と語っている。 また、解散後の1984年12月に行われた『プレイボーイ』誌でのインタビューでは、「ビーチ・ボーイズのパロディのような感じで書いたんだ。『バック・イン・ザ・U.S.A.』はチャック・ベリーの曲で、そこから派生していった感じだね」と語っている。 「バック・イン・ザ・U.S.S.R.」は、航空機の効果音から始まり、航空機の効果音で終わる。冒頭の歌詞では、BOACの航空機に乗ってマイアミビーチからソビエト連邦へと戻る不快なフライトについて歌われ、ブリッジ部分ではソビエト連邦の女性たちについて言及されている。

背景・曲の構成

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「ハッピネス・イズ・ア・ウォーム・ガン」の記事における「背景・曲の構成」の解説

レノンは、全米ライフル協会が発行している雑誌『アメリカン・ライフルマン（英語版）』（1968年5月号）に掲載されたウォーレン・W・ハーリヒーの記事の見だしから拝借して、本作の曲名を付けた。記事の見出しに衝撃を受けたジョージ・マーティンは、レノンにこの雑誌を見せており、1970年のインタビューでレノンは「よくもまあとんでもないことを言えるものだと思った。温かい銃ということは、何かを撃ったばかりだということだ」と振り返っている。なお、この記事の見出しはチャールズ・M・シュルツの漫画本『スヌーピーのしあわせは…あったかい子犬』（原題 : Happiness is a Warm Puppy）に由来する。 一部の評論家の間では、本作の歌詞について「warm gun（温かい銃）」というフレーズからレノンのオノ・ヨーコに対する性的欲求とする解釈や、「I need a fix（一発キメたい）」というフレーズから麻薬注射に関する言及であるという解釈がなされた。なお、レノンはヘロインとの関連性を否定している。1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューにおいても、銃と性的欲求のダブル・ミーニングであることは認める一方で、麻薬との関連性は否定している。

背景・曲の構成

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「プリーズ・プリーズ・ミー (曲)」の記事における「背景・曲の構成」の解説

ビートルズは、1962年10月5日にシングル盤『ラヴ・ミー・ドゥ』でデビューし、全英シングルチャートでは最高位17位を記録した。この結果に期待感を持ったジョージ・マーティンは、2作目のシングルの制作を計画した。 本作のアレンジには変遷があり、マーティンによると「元のアレンジはテンポが遅くて退屈で、ヒットする見込みはなかった」とのこと。このため、マーティンは2作目のシングルとして、デビュー・シングル候補としてレコーディング済みであった「ハウ・ドゥ・ユー・ドゥ・イット」を発売することを計画したが、メンバーはオリジナル曲を発売することにこだわったため、マーティンは「これに負けない曲を作ってこい」と伝えた。その後本作を書き換えて、テンポも上げられた。曲の仕上がりにはマーティンも満足し、メンバー側の意見が通された。なお、「ハウ・ドゥ・ユー・ドゥ・イット」は、のちにジェリー&ザ・ペースメイカーズのデビュー・シングルとして発売された。 レノンは当初、ブルージーでスローテンポの曲として作曲していて、「この曲を書いた日に、ロイ・オービソンが『オンリー・ザ・ロンリー（英語版）』を演奏しているのを聴いたのを覚えてる。ビング・クロスビーの歌の歌詞にある『Please lend a little ear to my pleas』っていうフレーズにも興味があった。このフレーズでは『Please』という言葉が2つの意味で使われている。この曲はロイ・オービソンとビング・クロスビーを組み合わせた曲なんだ」と語っている。当初のテイクでは、ハーモニーやレスポンスは入っておらず、ハーモニカのイントロも含まれていなかった。1980年の『プレイボーイ』誌のインタビューで、「『プリーズ・プリーズ・ミー』は完全に僕の曲だ。ロイ・オービソンみたいな曲を書こうとしたんだけど･･･信じられるかな？メンローブ・アベニューにある叔母の家の寝室で書いたんだ」と語っている。

背景・曲の構成

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「アスク・ミー・ホワイ」の記事における「背景・曲の構成」の解説

「アスク・ミー・ホワイ」は、1962年初頭にレノンによって作曲された楽曲。アルバム『プリーズ・プリーズ・ミー』の初回プレス盤には、他のレノン＝マッカートニーの作品と同じく、作者クレジットは「マッカートニー＝レノン」という表記になっている。ポール・マッカートニーは、本作について「ジョンのオリジナルのアイデアで、2人で座って一緒に書いた。ほとんどジョンのアイデアだ」と語っている。本作は1962年6月6日にEMIスタジオで行なわれたビートルズ初のパーロフォン・レコーディング・セッションで演奏された曲の1つとなっている。 本作は、レノンが影響を受けたスモーキー・ロビンソン&ザ・ミラクルズのスタイルを模倣した楽曲で、冒頭のギターのフレーズはザ・ミラクルズが1961年に発売した楽曲「ホワッツ・ソー・グッド・アバウト・グッバイ（英語版）」から引用している。 本作の4分の4拍子で演奏され、キーはEメジャーとなっていて、ときおり平行調のC♯に転調する。本作について、アラン・ポラック（英語版）は「構造的に複雑。最も注目すべきは、3種類のヴァースで構成され、それぞれが異なる目的に合わせて作られていること」と評している。