ポップ・アートとは? わかりやすく解説

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ポップ‐アート【pop art】


ポップ・アート

まさに戦後アメリカの象徴のようなポップアートだが、実は1950年代イギリス生まれである。しかし、マスメディアによって日々生産消費される大衆文化、つまり、広告漫画女優写真加工され食品類、注目を集める政治家の顔などを、そのまま作品として提示したポップアートは、まさにアメリカのために産み落とされ芸術表現であった

ポップ・アート

作者ジョー・ヒル

収載図書20世紀の幽霊たち
出版社小学館
刊行年月2008.9
シリーズ名小学館文庫


ポップアート

出典: フリー百科事典『ウィキペディア(Wikipedia)』 (2025/03/10 13:50 UTC 版)

Angelina Probst the sexiest gallery Berlin Germany
Paolozzi mosaic designs for Tottenham Court Road Station英語版. Location shown is the Central Line westbound platform (1984).

ポップアート(pop art)は、現代美術芸術運動(アート・ムーブメント英語版)のひとつ[1]で、大量生産大量消費の社会をテーマとして表現する。雑誌広告漫画、報道写真などを素材として扱う。1950年代半ばのイギリスでアメリカ大衆文化の影響の下に誕生したが、1960年代アメリカ合衆国ロイ・リキテンスタインアンディ・ウォーホルなどのスター作家が現れ全盛期を迎え、世界的に影響を与えた。

起源

第二次世界大戦後の先進国では、だれもが毎日、大量生産の製品に囲まれ、それらを消費し、テレビや雑誌でその広告にさらされる生活を送っている。ポップアートの運動の中には、これら下世話な製品やサブカルチャー、生活様式を批判する意図をこめたものもあれば、むしろ自分達を取り巻く大量生産・大量消費社会の風景を、山や海や農村にかわる新しい「風景」ととらえ、親しみ深い風景の一部である商品や広告を、淡々とあるいは美しく「風景画」に描こうとするものもあった。

1950年代半ばのイギリス

最初にポップアートが盛んになったのはイギリス(特にロンドン)であった。エドゥアルド・パオロッツィは戦後間もなく、米軍兵士らと共に持ち込まれたアメリカの雑誌の切り抜きでコラージュを作り、すでにポップアートの始まりとなる作品を作っていた。

1952年から、ロンドンのICAというギャラリーで、パオロッツイら若い美術家やローレンス・アロウェイ英語版など評論家が集まり、「インディペンデント・グループ」というグループを組んで芸術と大衆文化のかかわりの研究を続けていた。第二次世界大戦後の疲弊したイギリスに豊かなアメリカから急速に浸透し、若者を夢中にさせていた広告やSFや漫画や大衆音楽などのアメリカ大衆文化に対する皮肉で客観的な目もあったが、これらを敵とするよりはむしろ現代を見直す新しい素材を提供するものとしてどんどん活用しようという発想もあった。「ポップアート」という言葉の誕生は、この研究のさなか、ローレンス・アロウェイが1956年に商業デザインなどを指して「ポピュラーなアート」という意味で使用したときである。

同年、この成果を元にロンドンで『これが明日だ』展が開催された。ここで発表されたリチャード・ハミルトンの作品『一体何が今日の家庭をこれほどに変え、魅力あるものにしているのか[1]は、雑誌や広告の魅力的な商品やゴージャスなモデル写真を切り貼りしたコラージュで、ポップアートの先駆的作品といわれている。特にボディビルダーの男性が持つロリポップキャンディーの包み紙の「POP」の文字が強い印象を与えた。

ハミルトンは翌年、この展覧会を振り返って「ポップ」(大衆文化)を次のようなものだとした。

通俗的、一過性、消耗品、安価、大量、若々しい、しゃれた、セクシー、見掛け倒し、魅力的、大企業

イギリスのポップアートは1961年デイヴィッド・ホックニーら多くの若い美術家が出展した『ヤング・コンテンポラリーズ』展で全盛を迎えた。

1950年代末のアメリカ

実際にポップアートが盛んになったのは、ポップの元となる商品や大衆文化の発信地、1960年代アメリカ(特にニューヨーク)である。戦後のイギリス人にとっては(戦後の日本人と同じく)アメリカの格好いい商品や大衆文化は眩しいものだったが、アメリカ人にとってはどこにでも売っているただの日用品で日常風景の一部であり、むしろ格好悪い物であった。ただ当初はそれを美術に直接使うことは、アメリカの芸術の前衛にあったモダニズムの立場や保守的な観衆から思わぬ強い反発を受けた。

ニューヨークでは1950年代以来ジャクソン・ポロックらに代表される抽象表現主義が全盛を極めており、人間より大きなキャンバスに色彩を展開させ、始めも終わりもない抽象的な色面で全面を覆うオールオーバーな絵画が主流を占めていた。批評家クレメント・グリーンバーグらに主導され、より平面的で、より壮大で崇高な絵画を目指した彼ら抽象表現主義の人々は、モダニズムを信奉する立場であり、「グッド・デザイン」を規範とし、大衆文化を芸術の前進する方向とは逆らう「キッチュ」(ドイツ語の"verkitschen" 「低俗化する」が語源)として退けていた。

これに対し、1950年代末にロバート・ラウシェンバーグジャスパー・ジョーンズらが、廃物や既製品のがらくたなど現実から持ってきた物体を絵に貼り付けたり、標的や数字や星条旗の図柄などおよそ絵にはならないありふれたイメージを描き始め、モダニズムの好む「グッド・デザイン」に反するような行動を始めた。彼らのようなアメリカのポップアートの作家は、しばらくの間は「ネオダダ」とも呼ばれていた。ポップアートにはその辺にある既製品をそのまま使用して芸術とするレディメイドの手法など、ダダイスム反芸術が強く影響していたからである。既製品や既成のイメージを使った彼らネオダダは、抽象表現主義に取り組んでいたアーティストや抽象表現主義に飽き始めていた観客らに衝撃を与えた。

ポップアートの受容

その後、1960年代に入りアメリカのポップアートの代表格ともいえるロイ・リキテンスタインと、商業デザイナーだったアンディ・ウォーホルの二人が、コミックスの拡大模写によって世に出た。大量に印刷され、絵柄も似たり寄ったりの漫画は、既製のイメージの中でも最もキッチュで悪趣味なものではあるが、単純で力強い線などが魅力的であり「グッド・デザイン」を粉砕する威力があった。アンディ・ウォーホルはその後キャンベル・スープの缶、ブリロ(洗剤)の箱、マリリン・モンローなど女優や有名人の写真などいたるところにあるイメージを用いた版画を大量生産した。1961年に渡米していたローレンス・アロウェイがアメリカに「ポップアート」という言葉を紹介し、これらの傾向の呼び名になった。

ポップアートは映画や漫画などの大衆文化同様、観客の心を一瞬で掴む強い魅力的なイメージを持っているのでわかりやすく、しかもアメリカの大量生産品や大衆文化をテーマにしているため、アメリカの豊かさを賛美する魅力的な芸術として歓迎された。逆にここからアメリカの大量生産品や大衆文化の悪趣味さや、商品を大量に消費し豊かになってもなお逃げられない死の影を見出す者もいた。

ウォーホルとリキテンスタインらポップアートの作家たちは、カウンターカルチャーの時代における大衆絵画作家としても成功した。大衆文化の多くはマーケティングにより顧客を調査し、大量に販売し使い捨てられることが常だったが、大衆(特に若者)の側も工業製品的な音楽やイラストばかりでなく、多少いびつでもアーティストと呼べる者が作った個性的な作品による知的刺激や現状への異議申し立てを求めていた。ポップアートも、商品やメディアに囲まれて育った世代の若者の原風景であるスターや商品を魅力的に描いて若者に刺激を与え、その版画作品は熱狂的に受け入れられた。

ポップアートの消滅と継承

ポップアートの熱狂は1960年代末になると、クールで静謐なミニマルアートや大地いっぱいに作品をつくり売買を拒否するようなアースワークに押され、美術の世界から急速に冷める。大衆文化も、異議申し立てを行う若者向けのカウンターカルチャーは再び巨大産業の消費システムに取り込まれ、その先はフォークロアヒッピードラッグという現実逃避の方向に流れた。ポップアートの末期は、ドラッグによる幻覚を表現したピーター・マックスらのサイケデリックアート英語版へと変質したが、これらはむしろ商業デザインとして大量消費されてしまう皮肉な結果となった。

広告美術はポップアートの最初の継承者となった。特にポップアートが示した、商品や大衆文化のイコンをもとに刺激的な作品を作るという発想は、広告美術を単に大衆に迎合し商品の情報を提供して消費をあおるだけのものから、商品を記号化し新しいヴィジュアルイメージを構築し、大衆の視覚文化をリードするものに変えた。広告には優れた写真家やイラストレーター、美術家が起用され、純粋芸術の要素を取り入れた個性的で新鮮で洗練された広告美術が登場し、大衆文化の一部としてうけいれられた。

ポップアートの美術界における末裔

今日に至るまで、商品や広告のイメージは洗練される一方、広告による大量消費の呼びかけは日常生活を完全に侵食してしまっている。純粋芸術と大衆文化の間の壁がますます失われるにつれ、大衆的なイメージや大量生産商品を用いた美術はすでに当たり前のようになっている。

たとえば1980年代のニューヨークで大衆文化からの盗用を積極的に推し進めたシミュレーショニズムは、純粋芸術の崩壊と資本主義の高度化に対してポップアートをさらに過激にしたようなものだった。またソ連時代の1960年代からロシアでひそかに制作されていた、ありふれた公式美術の社会主義リアリズムを流用しながらソ連体制やロシア社会を批判した作品群は、ソ連末期以後公開されるようになり、ポップアートをもじって「ソッツ・アート英語版」とよばれていた。

代表的なアーティスト

日本のポップアート・現代アート

脚注

  1. ^ Livingstone, M., Pop Art: A Continuing History, New York: Harry N. Abrams, Inc., 1990
  2. ^ 山口藍 - 美術手帖ホームページ

関連項目


ポップアート

出典: フリー百科事典『ウィキペディア(Wikipedia)』 (2021/06/10 08:43 UTC 版)

キャンベルのスープ缶」の記事における「ポップアート」の解説

1960年ウォーホル最初カンバス製作し始めたが、彼はその基礎コミック・ストリップ題材においた。1961年後半に彼はフロリアーノ・ヴェッキ(Floriano Vecchi)にシルクスクリーン工程学んだが、彼は1953年以来、タイバー・プレス(Tiber Press)を経営していた。その工程一般にステンシルデッサンから始まるけれども、しばしば、接着剤とともに絹に移され引き伸ばし写真から発展するいずれの場合でも、接着剤基礎である2次元陽画像(a positive two-dimensional image)が必要である(陽とは、塗料現われる余地残されているという意味である)。通例は、インクローラー媒介に付けられ、それは絹を通り抜け接着剤通り抜けないキャンベルのスープ缶は、ウォーホル最初シルクスクリーン作品1つであった最初は、合衆国1ドル紙幣であった。諸片はステンシル作られた。それぞれの色に1つずつ。ウォーホル写真からシルクスクリーン転向したのは、キャンベルのスープ缶オリジナルシリーズ製作されのちのことである。 ウォーホルは、コミック・ストリップの、そして他のポップアートのシルクスクリーン製作していたけれども、ロイ・リキテンスタインによるコミックの、より完成されスタイル競争することを避けるために当時題材としてスープ缶におそらく自分格下げした。実際に、彼はかつてこのように言った、「わたしは何かやらなきゃいけないのです、ほんとうに衝撃大きくて、リキテンスタインとジェームス・ローゼンクイストはじゅうぶん違っていて、たいへん個人的で、ちょうど彼らがしていることをわたしがしているように見えないようなことを。」1962年2月、リキテンスタインは、レオ・カステリ(Leo Castelli)の名前を取ったレオ・カステリ・ギャラリー(Leo Castelli Gallery)で漫画絵を展示して完売しウォーホルの、漫画絵を展示する可能性を終らせた。実際に、カステリは1961年ウォーホル画廊訪れ自分がここで見た作品リヒテンシュタイン作品あまりにも似ていると言ったけれども、ウォーホルとリキテンスタインのコミック美術品は、題材技法において異なる(たとえば、ウォーホルコミック・ストリップ諸人物はポパイのようなユーモラスなポップ・カルチャーカリカチュアであったいっぽうでリヒテンシュタインのは一般に冒険ロマンス夢中なコミック・ストリップから霊感受けたステレオタイプヒーローとヒロインであった)。カステリはそのとき両方美術家代表することを選ばなかったが、しかし彼は1964年に、キャンベルのトマト・ジュース・ボックス(Campbell's Tomato Juice Box)、1964年、や、ブリロ・ソープ・ボックシズ(Brillo Soap Boxes)のようなウォーホル諸作品を展示することになる。彼は1966年にふたたびウォーホル作品展示することになる。リキテンスタインの1962年展示直後に、ウェーン・ティーボー(Wayne Thiebaud)の1962年4月17日のアラン・ストーン・ギャラリー(Allan Stone Gallery)での、全米食品特集した個展開かれたが、ウォーホルは、これは彼自身食品関連スープ缶の作品危険にさらした感じて動揺したウォーホルはボドリー・ギャラリーに戻ることも考えていたが、しかしボドリーのディレクター彼のポップアートの諸作品を好まなかった。1961年ウォーホルは、アラン・ストーン(Allan Stone)から、ローゼンクイストおよびロバート・インディアナとの、ストーンの、東82丁目18番地でのギャラリーでの3人展の申し出受けたが、3人全員がこの申し出には侮辱受けた。 アーヴィング・ブラム(Irving Blum)が、ウォーホルスープ缶の絵を展示する最初画商であったブラムはぐうぜん1962年5月ウォーホルのもとを訪ねていたが、そのときウォーホルは、リヒテンシュタインローゼンクイストおよびウェーン・ティーボーとともに、『タイム1962年5月11日号の記事ケーキ一切れ派」("The Slice-of-Cake School")で特集組まれていた。記事中写真実際に掲載され美術家ウォーホルだけであったが、これはマス・メディア操縦する彼の特技を表わしている。ブラムその日、『100個のスープ缶』(One-Hundred Soup Cans)をふくむ、多くキャンベルのスープ缶ヴァリエーション見たブラムは、ウォーホルギャラリー展示の手筈をとっていないことに衝撃を受け、彼にロス・アンジェルスのフェラス・ギャラリーでの7月展示会申し出た。これが、ウォーホルの、ポップアートの最初個展であることになる。あらたに創刊され雑誌アートフォーラム』(Artforum)のオフィスギャラリー過ぎたところにあったが、ウォーホルブラムによって、それが展示会記事掲載するにちがいないと確信した。この展示ウォーホル最初画廊個展であっただけでなく、ポップアートの西海岸での初公開であると見なされたアンディ・ウォーホル最初ニュー・ヨークでソロポップPop展覧会1962年11月6日から24日までエリノア・ウォード(Eleanor Ward)のステーブル・ギャラリー(Stable Gallery)で開かれた展示され作品には、『マリリンディスパッチ』(Marilyn Diptych)、『緑色コカ・コーラのびん』(Green Coca-Cola Bottles)および『キャンベルのスープ缶』(Campbell's Soup Cans)もふくまれていた。

※この「ポップアート」の解説は、「キャンベルのスープ缶」の解説の一部です。
「ポップアート」を含む「キャンベルのスープ缶」の記事については、「キャンベルのスープ缶」の概要を参照ください。

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