サイレント時代

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サイレント時代

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/03/20 07:05 UTC 版)

「マラーティー語映画」の記事における「サイレント時代」の解説

.mw-parser-output .tmulti .thumbinner{display:flex;flex-direction:column}.mw-parser-output .tmulti .trow{display:flex;flex-direction:row;clear:left;flex-wrap:wrap;width:100%;box-sizing:border-box}.mw-parser-output .tmulti .tsingle{margin:1px;float:left}.mw-parser-output .tmulti .theader{clear:both;font-weight:bold;text-align:center;align-self:center;background-color:transparent;width:100%}.mw-parser-output .tmulti .thumbcaption{background-color:transparent}.mw-parser-output .tmulti .text-align-left{text-align:left}.mw-parser-output .tmulti .text-align-right{text-align:right}.mw-parser-output .tmulti .text-align-center{text-align:center}@media all and (max-width:720px){.mw-parser-output .tmulti .thumbinner{width:100%!important;box-sizing:border-box;max-width:none!important;align-items:center}.mw-parser-output .tmulti .trow{justify-content:center}.mw-parser-output .tmulti .tsingle{float:none!important;max-width:100%!important;box-sizing:border-box;align-items:center}.mw-parser-output .tmulti .trow>.thumbcaption{text-align:center}} 『Shree Pundalik』の広告 『ラジャ・ハリシュチャンドラ』のワンシーン 1912年5月18日にダーダーサーハバ・トールネー（英語版）が監督した『Shree Pundalik』が公開され、同作は最初のマラヤーラム語映画となった。1913年にはダーダーサーハバ・パールケーが監督した『ラジャ・ハリシュチャンドラ（英語版）』が公開され、マラーティー人スタッフとマラーティー語で撮影が行われた同作は、インド国際映画祭でマラーティー語映画として扱われている。コールハープルには映画製作会社が20社あり、映画製作の拠点として発展した。1918年にバーブラーオ・パインタル（英語版）がマハーラーシュトラ映画会社（英語版）を設立し、1920年に『Sairandhari』を製作した。彼は1930年までの間に数多くのサイレント映画を製作したが、トーキー映画の台頭に伴いマハーラーシュトラ映画会社を解散した。彼はトーキー映画の登場がそれまで築いてきた視覚文化を破壊することになると信じていたため、トーキー映画の製作には興味を示さなかった。

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「グジャラート語映画」の記事における「サイレント時代」の解説

サイレント映画の時代からグジャラート人（英語版）の文化に根差したグジャラート語映画が製作されており、このころの監督やプロデューサー、俳優の大半はグジャラート人やパールシーが占めていた。1913年から1931年にかけて、グジャラート人が所有する大手映画製作会社や映画スタジオが20社ほど存在しており（所在地はボンベイ：現ムンバイ）、この時点で著名なグジャラート人監督が少なくとも44人存在していた。 1919年公開の『Bilwamangal』はグジャラート人のラストムジ・ドーティワーリーとチャンプシー・ユーデシーが監督、脚本を担当しているが、カルカッタの映画製作会社エルフィンストーン・バイオスコープ（英語版）が製作しているため、ベンガル語映画と見做されている。同年、サチェット・シンは『Visami Sadi』の編集長ハジ・モハメド・アッラーラーカ・シヴジー（英語版）の援助を得て、ボンベイに映画製作会社オリエンタル・フィルム製造会社を設立した。同社は1920年に『Narsinh Mehta』を公開し、同作では『Vaishnava Jana To』が取り上げられ、劇場では関連シーンで観客や歌手がこの歌を歌ったという。 初期のグジャラート語映画プロデューサーのドーワルカーダース・サンパットはラージコートを拠点に活動し、プロジェクターを購入してフィルムショーを開催し、後にS・N・パタンカール（英語版）と共同で映画製作会社パタンカール・フレンズ&カンパニーを設立した。同社は『Raja Sriyal』を製作したが、フィルムのプリントに失敗したため公開されなかった。1920年にパタンカールが監督した『Kach-Devyani』ではグジャラート発祥のガルバ（英語版）が登場し、初めてグジャラート文化を描いたインド映画となった。サンパットは1918年にコヒノール映画会社（英語版）も設立しており、同社は1920年にグジャラート文化を題材にした『Sati Parvati』を製作しており、ラージコートの女優プラバが主人公のパールヴァティーを演じている。1921年にカーンジバーイ・ラソッド（英語版）が監督した『Bhakta Vidur』は神話を題材としているが、主演のサンパットが演じるヴィドゥラ（英語版）がガンディー帽（英語版）を被り、ヴィドゥラの妻がグジャラートの歌を通して糸車（当時のインド国民会議党旗のシンボル）に言及するなど政治色の強い作品だったため、イギリス領インド帝国政府から上映禁止処分を受けた。同作は1922年に『Dharm Vijay』として公開されている。1928年にはインドゥラール・ヤーグニク（英語版）が製作した『Pavagadhnu Patan』が公開された。ヤーグニクは独立運動家でもあり、インド独立後にはボンベイ州（英語版）からグジャラート語圏を分離させるためマハーグジャラート運動（英語版）を主導した。彼は自身の映画製作会社ヤング・インディア・ピクチャーズで10本の映画を製作している。 コヒノール映画会社は神話映画が大半を占めていたサイレント時代に社会問題映画（英語版）を含む数多くの映画を製作しており、1920年に公開された『Katorabhar Khoon』は同社最初の社会問題映画である。1924年にホーミー・マスタル（英語版）が監督した『Manorama』は、グジャラート人の詩人カラピ（英語版）の自伝的な詩『Hridaya Triputi』を原作としている。1924年にラソッドが監督した『Gul-E-Bakavali』は14週間のロングランを記録している。実験的映画の監督マニラル・ジョーシーは、スター・フィルム・カンパニーの下で1922年に『Abhimanyu』を製作した。彼は後にカナイヤラール・カネクラール・ムンシ（英語版）の同名小説を原作とした『Prithivivallabh』を製作している。 1924年にマネクラール・パテールはクリシュナ・フィルム・カンパニーを設立し、同社は1925年から1931年にかけて44本の映画を製作した。1925年にはマヤシャンカール・バットの資金提供を得てシャルダ・フィルム・カンパニーが設立され、同社はボージラル・デヴとナヌバーイ・デサイが経営した。マヤシャンカールはボリウッドの映画製作者ダーダーサーハバ・パールケーのヒンドゥスタン・シネマ・フィルムズ・カンパニーにも出資している。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2020/01/14 06:15 UTC 版)

「福井シネマ」の記事における「サイレント時代」の解説

福井で最初に映画が上映されたのはいつのことであったかはっきりしないが、日露戦争（1904年-1905年）後の時期には既に芝居上演用の劇場で映画の興行が行われた記録が見られる。片町にあった劇場の加賀屋座でもこの時期から映画の興行が行われており、1910年（明治43年）には福井新聞に割引券を付ける試みも行われた。大正に入ると常設の映画館に転じる劇場も出たが、いずれも短期間で廃業した。 本格的な常設館が開設されたのは大正も後半に入ってからのことで、まず1919年（大正8年）年末に福井劇場が開館した。続いて加賀屋座が松竹キネマと契約し、1921年（大正10年）に加賀屋座の南隣に開館したのが、福井シネマの前身となった松竹館である。しかしこの映画館開設は、場所が順化尋常小学校に近かったことから議論を呼んだ。 当時、福井県は「劇場寄席取締規則」により、学校や病院の周囲に劇場や寄席を開設することを禁じていた。加賀屋座は映画館の新設ではなく、劇場改築に伴う映画館の附設であるとして規則の適用を免れていた。しかし1917年（大正6年）に積雪で崩壊した昇平座がこの規則により修復を認められなかった例もあり、昇平座の旧座主は加賀屋座の動きに反対した。一方、以前から順化小は歓楽街に囲まれた環境や校地の狭さが問題視されており、学校移転を求める意見も出された。加賀屋座が政友会支持であったことから論争は政治的立場も絡み、事態は紛糾した。結局市は学校移転の費用が出せず、県が「劇場寄席取締規則」を改正することによりこの問題の解決を図った。昇平座とも妥協が成立したが、今度は警察が完成した建物に設計と異なる点があると指摘し、建物の使用許可を出さないと主張した。 このように曲折はあったものの、松竹館は1921年末に竣工式を迎え、1922年（大正11年）の正月公演では渡辺霞亭原作の『女の力』を上映した。1921年末には中央館も開館し、福井の常設館は大きく数を増やすことになった。開館当初は無声映画の時代であり、松竹館にも複数の弁士が所属し、中には人力車で通う者もいた。 1924年（大正13年）10月、松竹館は突如東亜キネマ系列に乗り換え、館名も「東亜キネマ」に変更した。改名後最初の上映作品はユナイテッド・アーティスツの『ロビン・フッド』であった。この時代に上映した『影法師』（東亜キネマ、1925年）は阪東妻三郎出演作としては福井で初の上映となった。1925年（大正14年）11月松竹館に戻った。このころは日本映画の上映が主であったが、『少年ロビンソン』『忍術キートン』といった洋画も上映していた。

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「日本映画」の記事における「サイレント時代」の解説

日本における初の映画上映は、鉄砲商人であった高橋信治によって1896年11月、神戸の神港倶楽部に始まった。これはトーマス・エジソンのキネトスコープによるものである。リュミエール兄弟のシネマトグラフによるスクリーン上映は1897年1月に稲畑勝太郎によって京都電燈株式会社の当時の本社（現在の元・立誠小学校の敷地）の中庭にて初めて行われた。続いて1897年2月に初めての「有料上映」が稲畑勝太郎によって大阪にて行われた。同年3月には東京でキネトスコープを改良したヴァイタスコープが公開され、人気を博した。谷崎潤一郎は自著『幼少時代』において「一巻のフィルムの両端をつなぎ合わせ、同じ場面を何回も繰り返し映せるもの」と評している。 その後浅野四郎によっていくつかの短編映画が撮られ、1898年、日本で初めて映画が撮影された。 1898年には先に挙げた『化け地蔵』『死人の蘇生』が、翌1899年には『芸者の手踊り』（東京歌舞伎座）が公開された。これは小西本店（後の小西六写真工業、現コニカミノルタ）の浅野四郎がゴーモン社製の撮影機にて芝・紅葉館で実写撮影し、駒田好洋が率いる「日本率先活動写真会」によって一般公開された。同年には1巻70フィートの日本最初の劇映画となる『ピストル強盗清水定吉』が駒田好洋によって撮影され、日本初の映画俳優として新派の横山運平が起用された。積極的に映画と接触しようとした新派とは異なり歌舞伎などは映画を「泥芝居」と蔑み、原作や役者の提供に躊躇する時代であった。現存する最も古い日本映画としては同年柴田常吉によって撮影された『紅葉狩』がある。 1903年には吉沢商店が浅草に日本で最初となる映画専門館「電気館」を設置した。翌1904年に日露戦争が勃発すると実写撮影班を現地中国大陸に派遣し、その映像をドキュメンタリー映画として上映し、人気を博した。 1908年に発表された『本能寺合戦』は最初の本格的な劇映画であり、横田商会の依頼で本作品を撮り上げた牧野省三は日本最初の映画監督として名を残している。京都に浄瑠璃小屋を所有し、狂言方として活動していた牧野は作品の原作に用いられる浄瑠璃を空で暗記していたことから、脚本を用いる事無く、撮影にあたったと言われている。翌年には歌舞伎俳優の尾上松之助が主演した『碁盤忠信』が大ヒットとなり、「目玉の松ちゃん」として日本最初のスターが誕生した。以降、尾上は14年間の俳優生活において千本を超える映画で主演を果たしている。中でも1910年に撮られた『忠臣蔵』は浄瑠璃、歌舞伎に続き、その後の日本映画においても欠かせない題材として庶民の人気であり続けた。後年、牧野はその功績を称えられ、アメリカの映画監督D・W・グリフィスによりグリフィス・マキノという称号を与えられている。 1912年、横田商会・吉沢商店・M・パテー商会・福宝堂という4つの映画会社がトラスト合同を行い、日本活動写真株式会社、略称日活を発足させた。日活は従来の家内工業的な小規模な製作から一線を画す、日本初の本格的な映画会社となった。東京向島の向島撮影所、京都二条城西櫓下の関西撮影所の2箇所の撮影所を設け、東京では新派（後の現代劇）を、京都では旧劇（後の時代劇）を製作した。 ここまでの多くのフィルムは演劇的演出の再現に留まり、映画として独自の技法が試みられるようになるのは1910年代後半に入ってからである。井上正夫が1917年に製作した『大尉の娘』ではクローズアップや移動技法、カットバックといった技法が導入されている。この頃より呼称も「活動写真」から「映画」へと次第に変遷が始まり、1922年ごろまでには映画という言葉が一般庶民にも深く浸透するようになった。 一方映画評論においては、吉沢商店が1909年に発表した初の映画雑誌『活動写真界』などが既にあったが、1917年に帰山教正が『活動写真劇の創作と撮影法』と題する理論書を発表したのをきっかけに1918年には日本映画の近代化運動「純映画劇運動」が起こる。映画芸術協会を主宰した帰山は同書で映画は演劇の模倣であってはならないと説き、舞台脚本をシナリオ、女形を女優、弁士を字幕として呼称した。帰山の作品には日本初の女優花柳はるみを使った『生の輝き』、日本初の女性のヌードシーンを撮影した『幻影の女』などがある。 その背景には第一次世界大戦が終結し、ハリウッドの映画会社が徐々に日本へと進出してきた影響は否定できない。こうした動きに合わせるように国活、大活といった映画会社が相次いで設立され、1920年には歌舞伎を本業としていた松竹が松竹キネマ合名会社を設立し製作に乗り出した。特に松竹が建てた俳優養成所はハリウッドのスター・システムを採用し、『路上の霊魂』の英百合子や『虞美人草』の栗島すみ子など、多数の女優を輩出した。また、松竹が呼んだハリウッドの現役キャメラマン、ヘンリー小谷が果たした影響も大きい。彼がレフ板を華麗に用いて撮影したというエピソードは、日本が映画を単に映すという段階から、一歩進んで商品として、新しい芸術、メディアとしての映画のあり方を象徴するものだった。 この純映画劇運動は1923年の関東大震災で、現代劇映画を製作していた東京のあらゆる撮影所が壊滅し、旧劇の中心地・京都での撮影のみが行われる状況が発生したことにより突然の終焉を迎えることとなった。1926年に入ると松竹による現代劇が本格化し、牛原虚彦による『彼と東京』（1928年）、『陸の王者』（1928年）など、ごく普通の庶民を等身大で描く都会風現代劇が出現した。また、五所平之助による『村の花嫁』（1928年）や『伊豆の踊子』（1933年）のように、田舎の田園を舞台とした牧歌的、叙情的な作品も登場している。エルンスト・ルビッチに強い影響を受けた小津安二郎は、『大学は出たけれど』（1929年）、『落第はしたけれど』（1930年）など庶民を主人公とした人生観を詰め込んだ作品を数多く残した。 こうした松竹の動きに遅れを取った日活は、1923年の震災による向島撮影所の閉鎖を受けてようやく女形から女優への移行を果たす。翌年には京都の郊外・太秦村に「日活太秦撮影所」（後の大映京都撮影所）が開設される。日活現代劇の代表ともされる溝口健二はハリウッドで学んだ撮影技法を駆使し、『霧の港』（1923年）、『血と霊』（1923年）、『狂恋の女師匠』（1926年）など、様々なジャンルを試み、後礎を築いた。 他方、内務省警保局による活動写真検閲なども行われ、衣笠貞之助の『日輪』（1925年）などは作品に当局の介入が入り、大幅な編集を余儀なくされ、改作改題の上公開となるなど、検閲の影響により興行的に失敗となった作品も少なくない。しかし、衣笠はその後も精力的に活動を続け、日本最初の前衛映画となる『狂つた一頁』（1926年）や欧州で高い評価を受けた『十字路』（1928年）など、「純映画劇運動」の目的、目標を達成させている。 時代劇に目を移すと、尾上主演一千本記念作品『荒木又右衛門』（1925年）などが取り上げられるが、従来の悠々とした口上を述べ、人を斬るといったスタイルから、よりスピーディで激しい殺陣が求められるようになっていた。こうしたスタイルをいち早く確立した阪東妻三郎は『雄呂血』（1925年）で人気を博す。そのほか大河内傳次郎による『丹下左膳』や、市川右太衛門の『旗本退屈男』、嵐寛寿郎の『鞍馬天狗』など、新しい時代劇が多数登場した。

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「ベッシー・ラヴ」の記事における「サイレント時代」の解説

一家の家計を支えるため、ラヴの母は、彼女をバイオグラフに行かせた。そこで彼女は先駆的な映画監督であるD・W・グリフィスに出会った。グリフィスはベッシーに映画の手ほどきをし、女優として芸名を与えた。彼は『國民の創生』 (1915) と 『イントレランス』 (1916)で、彼女に端役を与えた。 彼女はまたWilliam S. Hartの相手役で『The Aryan』 (1916)に、ダグラス・フェアバンクスの相手役で『善良なる悪人』 (1916)と『跳ねる魚の謎』 (1916) に出演した。 1922年、ラヴは WAMPAS Baby Starsのひとりに選ばれた。彼女は人気者になり、役割はおおきくなった。1925年の映画『本町通りの王様』でチャールストンを踊った。さらに同年アーサー・コナン・ドイルの同名の小説（邦題『失われた世界』）をもとにしたSFアドベンチャー『ロスト・ワールド』に主演した。3年後、若き日のフランク・キャプラ監督によるロマンティックコメディー『陽気な踊子』に主演した。

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「アニメーションの歴史」の記事における「サイレント時代」の解説

レイノーのテアトル・オプティークは、投影されたアニメーションの初期例として知られている。トーマス・エジソンの1893年の発明であるキネトスコープ、ルミエール兄弟の1894年の発明であるシネマトグラフのような映画の装置よりも前のことであった。レイノーは、1892年10月28日、フランスのパリのMusée Grévinで3つの彼のアニメーションを展示した。これらの3つのうち現存するのは、500フレームの長さの哀れなピエロ(Pauvre Pierrot)のみである。 シネマトグラフが動画を大衆化した後、プロデューサーはアニメーションの無限の可能性をより深く探求し始めた 。1897年にアルバート・E・スミス(Albert E. Smith)とジェームズ・スチュアート・ブラックトンによって「The Humpty Dumpty Circus」と呼ばれる短いストップモーションアニメーションが制作された 。ストップモーションは、画像が記録されている間に実際の物体を移動させる技術であるため、画像を通常のフレームレートで見ると、オブジェクトは目に見えない力で動いて見える。それは、不可能な行動の錯覚を生み出した様々な初期トリック映画の技術に直接受け継がれる。 その後、ストップモーション技術を特集した他のいくつかの映画が発表されたが、最初に広範な賞賛を受けるのはブラックトンのThe Haunted Hotelで、視聴者を困惑させ、さらなる発展を促した。1906年にブラックトンは、愉快な百面相、突然顔が自律的に動くものであった フランスの監督エミール・コールによるファンタスマゴリーも注目に値する。 1908年8月17日、パリのThéâtredu Gymnaseで初めて上映された。コールはその後、1912年にニューヨーク近郊のニュージャージー州フォートリーに行き、そこでフランス資本ののスタジオであるエシクレア( Éclair)で働き、アニメーション技術を米国に広めた。 2005年に発見された制作者不明の『活動写真』は、大阪藝術大学の松本夏樹とアニメーション研究家の津堅信之によって日本最古のアニメーション作品であると推測されており、1907年から1911年の間に作られたと思われている 。この映画は、50枚のセルロイドストリップの一連の漫画画像で構成され、1秒間に16枚のフレームで3秒間続く。「活動写真」と書いて、鑑賞者に向かい、帽子をはずし、敬礼をするセーラー服の少年を描いている。これは、裕福な家庭用プロジェクター所有者に販売するために量産されたという証拠がある。松本によれば、比較的質の低い印刷技術は、それが小規模な映画会社によるものである可能性が高いことを示している エミール・コールの影響を受けて、ラディスラフ・スタレヴィッチとして知られているロシア生まれの（民族的にポーランド人）監督のWladyslaw Starewiczは、死んだ昆虫を使ってストップモーション映画を作り始めた。1911年、彼は複数の異なる昆虫間の反逆と暴力の複雑な物語「カメラマンの復讐」(The Cameraman's Revenge)を制作した。人形アニメーションのパイオニア作品であり、そのような劇的な複雑さの最も古いアニメーション映画であり、動機づけ、欲求、感情で満ちている。 1914年、アメリカの漫画家ウィンザー・マッケイ（Winsor McCay）は、手書きアニメーションのの初期の例である恐竜ガーティ(Gertie the Dinosaur)を発表した。映画はマッケイのボードビル出演のために作られ、マッケイは一連のジェスチャーでガーティと話す。映画の終わりには、マッケイがプロジェクションスクリーンの後ろを歩いているシーンがあり、彼がスクリーンに現れ、漫画の恐竜の背中に乗る。このシーンによって、恐竜ガーティは、実写映像と手描きアニメーションを組み合わせた最初の映画となった。マッケイは映画のために使った10000点の図面のほとんどを手描きした。 また、1914年、ジョン・ブレイ(John Bray)はジョン・ブレイ・スタジオ(John Bray Studios)を開き、アニメーションの作成方法に革命をもたらした。ブレイの部下の一人であるアール・ハード（Earl Hurd）は、セルアニメーションの特許を取得した。これは、透明なセルロイドシート上で動く物体をアニメーション化することを含む。アニメーターは静止した背景画像の上にシートを撮影して一連の画像を生成した。これは、ブレイの革新的な組立ラインの使用法と同様に、ジョン・ブレイ・スタジオが最初のアニメーションシリーズであるColonel Heeza Liarを制作することを可能にした 1915年、Max FleischerとDave Fleischerのフライシャー兄弟は、アニメーションをフィルムから参照する仕組みのロトスコープを発明し、そのスタジオは後でKoko the Clown、ベティ・ブープ、ポパイ、スーパーマンなどのアニメーションの古典と呼べる作品を発表した。1918年、マッケイは戦時宣伝映画「ルシタニア号の沈没」を発表した。マッケイは絵画のような新しいアニメーション技法のいくつかを止揚したが、製作をすべて彼自身が行ったため、第一次世界大戦が終わる直前まで実際には発表できなかった。この時点で、大規模なアニメーションスタジオは業界標準になりつつあり、マッケイのような芸術家は世間の目から遠のいていった。 アルゼンチン出身のキリーノ・クリスティアーニ(Quirino Cristiani)が1917年に作った「使徒」(ElApóstol)は、最初に知られていたアニメーションによるフィーチャー映画である。また、1931年の「ペルードポリス」(Peludópolis)（同期サウンドを使用した最初の長編アニメーション）など、2つのアニメーション映画を監督した。しかし、これらはいずれも現存しない パット・サリバン・スタジオのオットー・メスマー(Otto Messmer)は、1920年にフィリックス・ザ・キャットを制作した。スタジオのオーナーであるパット・サリバンがフィリックスの製作のすべてにクレジットされており、これが初期のアニメーションスタジオでの一般的な慣行となった 。フィリックスはパラマウント映画によって配給され、多くの視聴者を集めた。フェリックスは商品化された最初の漫画だった。 ドイツでは、1920年代にヴァルター・ルットマン(Walter Ruttman)、ハンス・リヒター、オスカー・フィッシンガー(Oskar Fischinger)によって、抽象的図像を音楽に合わせて動かし動きそのものの美を表現しようとして抽象アニメーションが製作された。いわゆる 「退廃芸術」に対するナチスの検閲が1933年以降抽象アニメーションの発展を妨げた。実験的アニメーションの製作者としては、ロシア生まれでフランスで活動したアレクサンドル・アレクセイエフ(Alexandre Alexeieff)とスコットランド生まれでカナダで活動したノーマン・マクラレン(Norman McLaren)が業績を残している。アレクセイエフはピンスクリーンと呼ばれる装置を発明してアニメーションで木炭画調を再現した。マクラレンは、ドイツ表現主義やイギリスのLen Lyeの影響を受け、シネカリグラフ、ダイレクトペイント、ピクシレーションなどの技法を発明した。 現存する最古の長編映画は、1926年の影絵アニメ『アクメッド王子の冒険（英語版）』で、カラー着色フィルム(colour-tinted film)を使用していた。製作を指揮したのはドイツのロッテ・ライニガーとフランス系ハンガリー人のベルトール・バルトシュ(Berthold Bartosch)であった