彫刻

デジタル大辞泉

ちょう‐こく〔テウ‐〕【彫刻】

読み方：ちょうこく

［名］(スル)木・石・金属などに文字や絵・模様を彫り込むこと。また、木・石・金属などを彫り刻んで立体的な像につくり上げること。また、その作品。「大理石に―する」「仏像―」→彫塑(ちょうそ)

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彫刻

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2026/07/04 02:56 UTC 版)

『瀕死のガリア人』又は『瀕死のガラティア人』カピトリーノ美術館。紀元前3世紀後半ヘレニズム期の作品を大理石で再現したローマ時代の模刻

コルサバードから出土したアッシリア門番の人頭有翼獣像ラマッス。紀元前800-721年頃

ミケランジェロ作『モーセ像』(1513-1515年)。ローマのサンピエトロ・イン・ビンコリ教会にあり ユリウス2世 (ローマ教皇)の墓のために作られた。

親子の虎の根付、19世紀半ばの日本で製作。象牙に貝殻を象嵌してある。

アントニー・ゴームリー作『エンジェル・オブ・ザ・ノース』1998年

下層の白亜岩盤を露出させて制作された石彫的なモニュメント作品、リトリントンの白馬

彫刻（ちょうこく、英: sculpture）は、素材を用いて三次元空間に立体形象を造形する視覚芸術の一分野であり、造形芸術の一つである。絵画が主に二次元平面で形成・表現されるのに対し、彫刻は三次元空間を場として成立し、現実の光と影、触知性、運動性を媒介として鑑賞される。古く日本では「彫鏤」「雕琢」などの語も用いられたが、1873年（明治6年）のウィーン万国博覧会に牙彫や木刻などの彫り物（carving）を出品するにあたり、英語 sculpture の訳語として「彫刻」が用いられ、のちに塑造（modeling）の意味も含めて「彫塑」とも呼ばれるようになった。

伝統的には、石や木材などから素材を取り除いて形を作る彫り（カービング）と、粘土などの素材を付加して形を作る塑造（モデリング）が主要な制作法である。日本大百科全書は、制作工法を、素材そのものを作品に仕上げる直接法と、原型を他の素材に置き換える間接法に分けている。また、世界大百科事典は、彫刻の基本技法を「こね上げること」「刻むこと」「構成すること」、すなわち塑造・彫刻・構成の三つに分類している。モダニズム以降は素材と制作過程の自由度が大きく拡張し、各種のオブジェ、構成物、インスタレーション、アッサンブラージュ、ランド・アート、キネティック彫刻などを含む方向へ概念が拡張している。

石・青銅など耐久性の高い素材で作られた彫刻は屋外環境に残りやすく、古代社会では記念碑や権力表象の媒体となることがあった。一方、木材など腐朽しやすい素材による作品は現存しにくく、地域によっては歴史的な実態を復元しにくい。古代ギリシア・ローマ彫刻の多くは本来彩色されていたが、発掘・伝世の過程で彩色の大部分が失われた。

西洋美術史では、古代ギリシア彫刻における人体の自然主義的表現、ゴシック彫刻におけるキリスト教図像、ルネサンスにおける古代ギリシア・ローマ美術の再評価、バロック彫刻における動的な群像構成などが、彫刻史の主要な展開として扱われる。近代以降は自然主義的な人体表現から離れ、様式化、抽象、構成、既製品、アッサンブラージュ、インスタレーションなど、素材・空間・鑑賞経験を含む方向へ表現領域が広がった。

種別

基本的な区分は、土台を除いて他の壁面と接しない彫像のような丸彫りと、少なくとも部分的に背景面と接する浮彫である。世界大百科事典では、彫刻を丸彫彫刻・浮彫・近代のモビールに大別している。浮彫は絵画の平面性に近い性格ももつが、作品の凹凸と現実の明暗との関係が鑑賞の媒介となる。浮き彫りは、壁からの突出度合いに応じて低浮彫り、高浮彫り、中浮彫りに分類されることが多い。低浮彫りに関しては「薄肉彫り」「浅肉彫り」とも呼ばれる。沈め彫りは古代エジプトで多用された技法である。浮き彫りは、丸彫りで成し遂げることが困難な大人数の集まりや物語の主題を伝えるのに一般的な彫刻媒体であり、建物に取り付ける建築彫刻でも他の小物を装飾する小規模な彫刻でも用いられた典型的な技法である。また浮き彫りは直立した石碑や石板を装飾する場合もあり、しばしば碑文まで含めて彫刻される。

もう一つの基本的な区分が、石や木など既存の塊から素材を除去する彫刻（カービング）の技法と、材料から作品を形作ったり構築したりする塑造（モデリング）の技法である。鋳造、プレス加工、型による成形などの技術では、意匠を含む中間的な型や母型を用いて作品を作ることができ、その多くは複数の複製の制作を可能にする。彫刻と塑造という二つの技法を指して「彫塑」と呼ぶこともある。

野外にある仏像の岩石浮彫。中国の龍門石窟

「彫刻」という用語は、しばしばモニュメント彫刻、すなわち大型の彫刻、または建築物に付属する彫刻を指して用いられる。しかしこの用語は、貨幣やメダル、彫刻加工した半貴石による硬石彫刻など、細やかな作業を要する同じ技術を用いた三次元のさまざまな小作品も指す。

規模による分類では、頭部像、胸像、小立像、メダルのような小型作品から、騎馬像、モニュメント彫刻、巨像まで含まれる。近代美術および現代美術では、彫刻は単一の自立物に限られず、動く彫刻、アッサンブラージュ、サイトスペシフィックな環境、音・光・映像を含むインスタレーションなどにも広がっている。彫刻は公共空間に設置されるパブリックアートの主要な形態の一つでもあり、庭園内に彫刻を集めて設置したものは彫刻庭園と呼ばれる。

目的と主題

イースター島の『モアイ像』。ここでは大型彫刻への資源集中が大きな政治的影響力を有していた可能性がある。

彫刻の主題と用途は、宗教的図像、肖像、建築装飾、墓碑・記念碑、貴金属工芸や小型装飾品まで幅広い。世界大百科事典は、彫刻が先史時代以来、宗教的図像から肖像、建築装飾、貴金属工芸に至るまで多様な需要に応じてきたと説明している。また、古代エジプトやメソポタミアなどでは、宗教生活や支配者の権力を記念するため、大型彫刻や耐久性の高い素材による記念碑的造形が作られた。

ヨハネス8世パレオロゴスのメダル、1435年ピサネロ作。

肖像彫刻は、支配者、宗教者、墓の被葬者、近代以降の市民的記念像など、人物を記念・顕彰する形式として発展した。西洋では古代ギリシア・ローマの人体表現が後代の規範となり、ルネサンス以降には胸像、肖像メダル、騎馬像、墓碑彫刻など多様な形式で展開した。動物・植物・怪物・器物などのモチーフも、宗教的象徴、墓や宮殿の装飾、宝飾・工芸品、建築装飾などで広く用いられてきた。

素材と技法

シュメール人の男性崇拝者、貝の目を付けたアラバスター。紀元前2750-2600年

彫刻の素材は、石、青銅、木、陶土、象牙、ガラス、各種金属、合成樹脂、既製品など多岐にわたる。伝統的には、石や木などの塊から素材を取り除く彫り、粘土などを加えて形を作る塑造、溶かした金属を型に流し込む鋳造などが主要な技法であった。Getty Museum は、彫刻の基本技法を、素材を削り取る「カービング」、溶融素材を型に流し込む「鋳造」、粘土などを盛り上げる「塑造」、複数素材を組み合わせる「アッサンブラージュ」に整理している。

彫刻は本来彩色されることも多いが、古代彫刻の彩色は風化や伝世の過程で失われている場合が多い。近現代には、発見された物体、廃材、音、光、映像、空間全体を作品に組み込む例も増え、彫刻の素材と形式は大きく拡張した。

石

アフェア神殿から出土した後期ギリシア大理石人物像、紀元前500年頃。顔料痕跡の分析に基づいて、本来の塗装されていた外観を現代に再構築したもの。

石の彫刻は、天然石から素材を除去して形を作る減算的な技法である。石は耐久性が高く、古代以来、記念碑、建築彫刻、墓碑、宗教彫刻などの主要な媒体として用いられてきた。一方で、石材の種類や産地、加工しやすさは地域によって異なるため、石彫の発達や現存状況にも地域差がある。地形を利用した石彫の変種として、自然の岩盤や白亜層を用いるヒルフィギュアなどもある。

オリジナル石像の模刻（これが古代ギリシア彫像にとって非常に重要だった）は、伝統的なポインティングとフリーハンドの手法を併用することで達成された。ポインティングでは、原型を囲む木枠に正方形のグリッドを着けて、グリッド上の位置と石像個々の点との一連の距離を測定し、この情報を活用してブロックに彫刻を施すことで複製品が製作される。

金属

ルートヴィヒ・ギース作『Refugees（難民）』鋳鉄板8x9.8cm、1915年

青銅は、古代から大型彫刻や記念碑に用いられてきた代表的な金属素材である。青銅彫刻は制作に高度な技術と費用を要するため、記念碑的な青銅像は社会や国家の富・権力を示す媒体にもなった。鋳造では、溶融した金属を型に流し込み、冷却・硬化させて形を得る。具体的な技法には、ロストワックス鋳造、石膏鋳造、砂型鋳造などがある。近現代の金属彫刻では、鋳造に加えて溶接や組立による構成も重要な技法となった。

ガラス

デイル・チフーリの2006年の作品（吹きガラスを使用）

ガラスは広範な作業技術を介して彫刻に使われる場合もあるが、大型作品での使用は近年始まったものである。彫刻することも可能だが、かなりの困難を伴う。ローマ時代のリュクルゴスの聖杯は、そのほぼ唯一といえる独特の例である。高温注型は、砂をプレス成型したりグラファイトを彫ったり精巧な石膏・シリカ製の型に溶融ガラスを注入することで実行可能である。窯鋳造ガラスは、窯でガラス塊を液体になるまで加熱して、窯の下に置いた金型にそれを流し込む。ガラスはまた吹きこんだり手工具を用いて高温彫刻されたりもする。近年の技法には、チゼル彫り、ケイ酸ポリマーや紫外線を用いた板ガラス接着、などがある。

陶土

陶土は彫刻にとって最も古い素材の一つで、粘土はまた、金属で鋳造される多くの彫刻において、鋳造前の原型を塑造するための媒体でもある。彫刻家は、石膏、蝋、未焼成粘土、プラスチック粘土などでマケットと呼ばれる小型の予備作品（彫刻の雛型）を構築することも多い。多くの文化が器としての機能と彫刻的な形を兼ね備えた陶製品を生み出しており、陶製の小立像は、近代西洋文化におけるのと同じく、多くの文化で親しまれてきた。印章や型は、古代ローマやメソポタミアから中国に至るまで古代文明の大半で使用されていた。

木彫り

木彫りの菩薩像、中国宋王朝の作品。上海博物館所蔵

キリストの磔刑（部分）、木と多色塗装。1793年ホセ・ルハン・ペレス作

木彫りは非常に広く実践されているが、他の主要素材に比べてはるかに現存が少なく、腐敗、昆虫による損傷、火災に対して脆弱である。したがって、多くの文化の美術史において木の彫刻は重要ながら隠れた要素となっている。屋外の木彫りは世界の大部分の地域で長持ちしないため、トーテムポールの伝統がどのように発展してきたのかはほとんど分かっていない。特に中国や日本の最も重要な彫刻の多くが木材で、アフリカ彫刻の大部分やオセアニアなどの地域の彫刻も木材である。

木彫は、石彫と同じく素材を削り取って形を作る減算的な技法に属する。木材は石よりも加工しやすく細部表現にも適するが、腐朽、昆虫、火災などに弱く、古い木彫作品は石や青銅に比べて現存しにくい。

柔らかい素材

布、毛皮、プラスチック、ゴム、ナイロンなど、詰める、縫う、吊るす、垂らす、織るといった操作が可能な非伝統的素材を用いた三次元作品は、ソフト・スカルプチュア（柔らかい彫刻）と呼ばれる。代表的な作家には、クレス・オルデンバーグ、草間彌生、エヴァ・ヘス、サラ・ルーカス、マグダレーナ・アバカノヴィッチなどがいる。

彫刻家の社会的地位

彫刻家アダム・クラフトの自画肖像。ニュルンベルク聖ローレンツ教会、1490年代

世界的に見ると、彫刻家は多くの場合、作品に署名を残さない熟練職人として扱われた。例えば中国など彫刻が絵画と威信を共有しない一部の伝統では、このことが彫刻そのものの社会的地位にも影響した。フィディアスなどの彫刻家が著名になった古代ギリシアでも（彼らは他の工匠と同程度の社会的地位を持っていたようだが）、一部の作品に署名があるとはいえ恐らく彫刻家はさほど大きな金銭報酬を得ていなかったと考えられている。中世では、12世紀にギスレベルトゥスなどの芸術家がたまに自分の作品に署名し、特にイタリアではトレチェント以降にアルノルフォ・ディ・カンビオそしてニコラ・ピサーノと息子ジョヴァンニ・ピサーノなどの（署名を入れた）立像が各都市から制作を求められた。金細工師や宝石商は貴重な材料を扱っていて銀行家としてしばしば力を増し、強力なギルドに所属してかなりの地位を持つようになり、都市の公職に就くことも多かった。また多くの彫刻家が他の美術で修練を積んだ。アンドレア・デル・ヴェロッキオも絵を描き、ジョヴァンニ・ピサーノ、ミケランジェロ、ヤコポ・サンソヴィーノは建築家であった。一部の彫刻家は大規模な工房を維持していた。ルネサンスにおいても、彫刻と絵画の相対的な地位をめぐる議論は続いた。

ミケランジェロ、レオーネ・レオーニ、ジャンボローニャといった盛期ルネサンスの芸術家以降は、彫刻と絵画の相対的地位に関する論戦時期を経て、彫刻家が裕福になって尊敬され、宮廷芸術家の仲間入りを果たした。建造物につける装飾彫刻家の多くは職人のままだったが、個々の作品を生み出す彫刻家は画家レベルとして認識された。18世紀以降、あるいはそれ以前から、彫刻も中産階級の学習者や愛好者を引きつけるようになったが、その広がりは絵画よりも遅かった。女性彫刻家が目立つようになるのは女性画家よりも遅く、20世紀までは相対的に存在感が小さかった。

彫刻への反対運動

彫刻は宗教的崇敬の対象となる一方で、偶像崇拝への批判や聖像破壊運動の対象にもなった。とくにイスラーム文化圏では、立体的な具象表現を忌避する傾向があり、造形表現の可否は時代・地域・用途・設置される文脈によって異なった。

歴史

先史時代

ヨーロッパ

ホーレ・フェルスのヴィーナス。後期旧石器時代の35,000-40,000年前に遡る初期オーリニャック文化で作られたとされる彫刻で、素材にマンモスの牙が使われている。ドイツのシェルクリンゲン近郊で2008年に発見。ルーヴェンメンシュと並び、先史時代最古の造形芸術の例。

間違いなく最初期といえる彫刻の例が、後期旧石器時代の初期にヨーロッパと南西アジアで活動していたオーリニャック文化に属するものである。この文化の人々は最初期の洞窟壁画を幾つか製作したほか、精巧に作られた石器、手づくりのペンダント、ブレスレット、象牙ビーズ、骨笛、ならびに三次元の小立像を作っていた。

ドイツのホーレンシュタイン・シュターデル地区で見つかった高さ30cmのルーヴェンメンシュは、ケナガマンモスの象牙から彫られた擬人化のライオン人間像である。それは約35,000-40,000年前に遡るもので、ホーレ・フェルスのヴィーナスと共に知られている最古の造形芸術の例である。

現存する先史美術は持ち運べるほどの小型彫刻で、ヴィレンドルフのヴィーナス（24,000-26,000年前）など女性を模したヴィーナス小像の一群が中央ヨーロッパ全域で発見されている。約13,000年前のスイミング・レインディア（泳ぐトナカイ）は、後期旧石器時代美術における動物の骨や角を彫ったマドレーヌ文化の中で最も優れたものの1つで、彫り刻んだ作品として数は多いものの彫刻として分類される場合もある。最も大きな先史時代の彫刻はフランスのテュック・ドドゥベール洞窟で見つかっており、そこでは熟達した彫刻家が約12,000-17,000年前にへら状の石器と指を使って粘土で2頭の大型バイソンの模型を作りあげた。

ヨーロッパでは中石器時代初期に具象彫刻が大幅に減少し、ローマ時代まで実用的な小物のレリーフ装飾に比べて芸術は普遍的要素でなかったものの、欧州鉄器時代からのグンデストルップの大釜や青銅器時代からのトルントホルムの太陽馬車など幾つかの作品が存在する。

アジア

古代オリエントでは、人物像・動物像・儀礼的器物など多様な造形が作られた。エジプトやメソポタミアの文化では、彫刻はしばしば宗教生活や支配者の権力を記念するための媒体となり、地中海世界の彫刻伝統にも影響を与えた。

東アジアでは、縄文時代の日本列島の遺跡から土偶が多数出土している。土偶は人の姿を模したものだが、大きさは縄文の女神（日本最大とされるもので国宝）でも高さ45cmの小立像である。

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  『ルーヴェンメンシュ』約35,000-40,000年前のオーリニャック文化時代。知られている最古の擬人化した動物の人間像。ウルム博物館（ドイツ）所蔵。
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  『ヴィレンドルフのヴィーナス』約24,000-26,000年前。
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  『ローセルのヴィーナス』約27,000年前の後期旧石器時代。ボルドー博物館（フランス）所蔵。
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  『Creeping Hyena（這い進むハイエナ）』12,000-17,000年前。素材はマンモスの牙。フランスのマドレーヌ遺跡で発見。
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  『スイミング・レインディア』約13,000年前。泳いでいる雄雌のトナカイで、マドレーヌ文化後期の作。フランスのタルヌ＝エ＝ガロンヌ県モンタストリュックで発見。
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  『ウルファマン』紀元前9000年頃。素材は砂岩で高さ1.8m。シャンルウルファ博物館（トルコ）所蔵。
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  『遮光器土偶』紀元前1000年頃の縄文時代。東京国立博物館（日本）所蔵。
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  『トルントホルムの太陽馬車』恐らく紀元前1800-1500年頃。片方は金箔でもう一方は「未判明」。

古代オリエント

粘土の円筒印章で、その印章はサーポパードと鷲。紀元前4100-3000年のウルク期

ウルク (メソポタミア)の統治するウルク期には、ウルクの大杯や円筒印章などの洗練された作品の製作が見られた。グエノル・ライオネスは紀元前3000-2800年頃の、エラムで出土した小型の半獣半人像（ライオン+人）である。やや後年に目の大きな司祭や崇拝者の人物像が数多く見られ、主にアラバスター製で高さは最大30cm程、神殿が祀る神々の偶像であったが、現存しているものはほとんど無い。シュメール王朝およびアッカド帝国時代の彫刻は一般に大型で、目を見開いており長いひげを生やした男性だった。多くの傑作がウルにある王家の墓（紀元前2650年頃）で発見されており、牡山羊の像や銅の牡牛像、そしてウルの竪琴についている牡牛の頭部像などがある。

紀元前10世紀の新アッシリア帝国勃興前後の時代から、メソポタミア美術は、円筒印章、比較的小さな丸彫りの像、さまざまな大きさのレリーフの形で多く現存している。バーニーの浮彫はフクロウとライオンを従えた翼のある女神像で、非常に精巧で比較的大型(50 x 37cm)のテラコッタ彫刻である。これは紀元前1900-1800年頃のもので、鋳型が使われた可能性もある。石柱、奉納物、または恐らく勝利を記念したり饗宴を描いたものも寺院から発見されているが、これらは公的な記念碑とは異なりそれらを説明する碑文が欠落している。ハゲワシの石碑の断片は、彫り刻んだタイプの初期例で、アッシリア王シャルマネセル3世の黒色オベリスクは、大型で後期の作品である。

アッシリア人によるメソポタミア全域および多くの周辺地域の征服は、その地域が以前知っていたよりも広大かつ裕福な国家を作り出し、宮殿や公共の場所で非常に壮大な芸術が生みだされた。それはおそらく、隣接するエジプト帝国の芸術の壮麗さに匹敵することも意図していた。以前の国とは異なり、アッシリア人は容易にイラク北部で採れた彫刻用の石を使えるようになり、大量にそうした。アッシリア人は、宮殿用の石材に戦争や狩猟の場面を盛り込んで詳細に物語を綴るレリーフ様式（いわゆるアッシリア彫刻）を生み出した。『アッシュールバニパルの獅子狩り』『ラキシュのレリーフ』などの素晴らしい蒐集物を大英博物館が所蔵している。彼らは丸彫りの彫刻を製作した例がほとんどなく、例外は人間の頭をした巨大な守護者像ラマッスで、これは長方形ブロックの両側に高浮彫りで彫られたもので頭部が効果的な丸彫りである。この地域を支配する前でさえ、彼らはしばしばきわめて躍動的で洗練されたデザインを持つ円筒印章の伝統を続けていた。

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  グデア像18体のうち1体、紀元前2090年頃。
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  バーニーの浮彫、紀元前1800年頃のバビロン第1王朝
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  『アッシュールバニパルの獅子狩り』の一部、紀元前640年頃のニネヴェ

古代エジプト

トトメス (彫刻家)作『ネフェルティティの胸像』紀元前1345年。新博物館 (ベルリン)所蔵

古代エジプトのモニュメント彫刻は世界的に有名であるが、洗練された繊細な小型作品がもっと多数存在する。エジプト人は、強い日光に適した沈み浮彫りという独特の技術を使った。レリーフの主人物は絵画と同じ図の慣習に従い、脚と頭部を横向きに、胴体を正面向きに表し、地面から額の髪際までを18個の「拳」で測る標準比例に従っている。これは早くもエジプト第1王朝『ナルメルのパレット』に現れる。しかし、他の場所と同様にこの慣習は捕虜や死体など何らかの活動に従事する様子を描いた軽微な人物には使われない。それ以外の慣習では、男性像は女性像よりも濃い色で表された。高度に様式化された肖像彫刻は紀元前2,780年以前のエジプト第2王朝に現れ、アケナテンのアマルナ時代美術は例外だがエジプト第3王朝の一部にも見られ、統治者の理想化された特徴は他のエジプト美術の慣習と同じくギリシアによる征服後までほとんど変化しなかった。

エジプトのファラオは常に神とみなされていたが、ファラオを別の神格として表現する場合を除き、他の神々は大型彫像でさほど一般的ではない。ただし、他の神々は絵画やレリーフで頻繁に示されている。アブ・シンベル大神殿の外にある有名な巨大な彫像4体の列は、それぞれ典型的な構図でラムセス2世を示したもので、ここの像はきわめて大型である。神々の小さな姿またはその動物の擬人化は非常に一般的で、陶器などの普及した材料に見られる。最も大きな彫刻はエジプトの神殿や墓から出土したものが現存している。カーの像という考えは遅くともエジプト第4王朝(紀元前2680-2565年)に確立された。これらは魂のカーにとっての休息場所として墓に入れられたもので、エジプトは乾燥した気候によって木材が数千年にわたり保存されうる世界でも数少ない地域の一つであるため、裕福な管理者夫婦のさほど慣習化されていない彫像が数多く存在する。いわゆる予備頭部は特に自然主義的である。初期の墓には、故人があの世で自分の生活様式を続けるために必要な奴隷、動物、建物、ボート等の品々の小型模型が入れられ、後世にはウシャブティ（埋葬用の小人形）も入れられた。

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  『ナルメルのパレット』複製品、紀元前3100年頃。
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  メンカウラー王と王妃の像、紀元前2490-2472年のエジプト第4王朝。
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  墓にあった木製模型、エジプト第11王朝時代。高官が自分の牛を数えている様子。
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  ツタンカーメンのマスク、エジプト第18王朝後期。 エジプト考古学博物館所蔵
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  『若き頃のメムノーン』像、紀元前1250年頃。大英博物館所蔵
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  3神の像（中央ラピスラズリの柱の上にいるのがオシリス、左側にホルス、右側にイシス）、エジプト第22王朝。ルーブル美術館所蔵
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  カーの像、魂のカーを留める（遺体から移ってもらう）ための肉体的な入れ物。エジプト考古学博物館所蔵
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  プタハ像を挟み抱える船頭パ・アンク・ラーのブロック像、紀元前650-633年頃のエジプト末期王朝。キャビネ・デ・メダイユ所蔵

ヨーロッパ

古代ギリシア

『デルフォイの御者』、紀元前5世紀。古代ギリシアのブロンズ彫刻（頭部を拡大）

古代ギリシアの彫刻最初の独特な様式は初期青銅器時代のキクラデス文明期(紀元前3000年)に発展し、そこでは大理石像（通常は女性で小型）が幾何学様式に単純化されて優美に象られている。腕を正面で交差させた立ち姿が典型的である。

その後ミノア文明とミケーネ文明がシリアなど他地域からの影響を受けて彫刻をさらに発展させたが、クーロス像が登場したのは紀元前650年頃のアルカイック期である。これらは神殿や墓で発見されている青年の大きな裸身立像で、服を着た女性のコレー像などもあり、いずれもアルカイック・スマイルの表情を浮かべている。像にはさまざまな役割があり、時には神々を表したりクロイソスのクーロス像のように墓に埋葬された人物を示すこともあった。それらは明らかにエジプト様式およびシリア様式の影響を受けているが、ギリシア芸術家はその様式内で多くの実験を試そうとした。

6世紀にギリシア彫刻は急速に発展し、さらに自然主義的になり、物語の場面では人物のポーズがより活発で多彩であるが、依然として理想化された慣習の内側にいた。アテネのパルテノン神殿など各神殿に彫刻を施したペディメントが追加され、そこにあった約520体の人物像を使ったペディメントは紀元前480年のペルシアによるアテネ包囲戦後に幸運にも新しい建物の内装として使用され、気候影響のない未劣化状態で1880年代に再発見された。それ以外の重要な建築彫刻の遺物は、イタリアのパエストゥム、ケルキラ、デルポイ、エギナ島のアフェア神殿から来たものである。大部分のギリシア彫刻には、もともと彩色が施されていた。ニイ・カールスベルグ・グリプトテク美術館（デンマーク）では、本来の色彩に関する広範な研究および再構成の着色復元を行なっている。

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  キクラデス文明期の像、紀元前2700-2300年。女性の頭部像で高さ27cm
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  キクラデス期の女性小立像、紀元前2500-2400年頃、高さ41.5cm
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  ミケーネ文明の作品、紀元前1600-1500年。額に金の角と薔薇飾りがついた銀製リュトン
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  等身大のクーロス像、紀元前590-580年頃。メトロポリタン美術館（米ニューヨーク）所蔵
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  『ナクソス島のスフィンクス』紀元前570-560年、像の全高222cm
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  『ペプロスのコレー』紀元前530年頃、アクロポリス博物館（ギリシア）所蔵
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  アフェア神殿の東側ペディメントにあったアルカイック後期の戦士像、紀元前500年頃
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  アマサスの石棺、紀元前5世紀半ば。キプロスの古代都市アマサスより出土、メトロポリタン美術館所蔵。

古典期

元々はパルテノン神殿を飾っていた、エルギン・マーブルに見られる古典期の高浮彫り。紀元前447-433年頃

古典期の初期段階からはオリジナルの遺物が少なく、これは古典前期様式と呼ばれたりもする。当時の自立彫像は大半がブロンズ（当時は鉄くず程度の価値だった）で造られた。前期様式では紀元前500年頃にレリーフが、そして直後の紀元前480年-前450年頃に彫像が現れた。人物の比較的堅いポーズは、リラックスした非対称の旋回位置と斜めの視点が一般的になり、意図的に求められた。これは解剖学のさらなる理解と彫刻された人物の調和のとれた構造とが組み合わさったものであり、従来は存在しなかった目的としての自然主義的表現だった。1829年からのオリュンピア＝ゼウス神殿の発掘調査が紀元前460年頃からの最も大規模な遺跡群を明らかにしており、その多くがルーヴル美術館にある。

「盛期古典」期は紀元前450-前400年頃の数十年だけ続いたが、芸術面に多大な影響を与え、当初から現存例は非常に限られるものの、特別な威信を保っている。最も知られている作品がパルテノン神殿の大理石で、前465-425年頃に活躍した古代ギリシア彫刻家フィディアス率いる一団によって施工されたものである。また彼は古代世界の七不思議の一つであるオリンピアのゼウス像（巨大なクリセラファンティン、前432年頃）やアテーナー・パルテノス像、パルテノンの偶像、パルテノンの隣に立っていた巨大ブロンズ像のアテーナー・プロマコス像でも有名だった（これらはすべて失われたが、多くの記述から知られている）。彼はまた、エルメス・ルドヴィージを含む後世の複製品からのみ知られている幾つかの等身大ブロンズ像の製作者ともされている。

盛期古典様式ではリアリズムが発展し続けて人物像は洗練を遂げ、ドレープ(服のひだ)の描写が向上、それを用いて動的ポーズの印象を付け足した。表情は、戦闘場面でも一般的にきわめて抑制された。レリーフやペディメントにおける人物集団の構成は、複雑さと調和の組み合わせであり、この手法は西洋美術に永続的な影響を与えた。レリーフは実際のところかなり高い浮彫りにあり、パルテノンでは戦士の脚の大部分が背面壁から完全に切り離されており、欠落部分も同様である。このような高浮彫りの部分は損傷を受けやすかった。古典後期の様式では、プラクシテレスの革新と思われる女性の自立裸身像が発展し、さまざまな角度から見た時に興味をそそるさらに複雑で繊細なポーズや、より表現力豊かな顔を生み出した。どちらの傾向もヘレニズム時代でさらに展開されていった。

ヘレニズム期

ペルガモン祭壇にある、ヘレニズム期ペルガモン様式の彫刻。紀元前2世紀

ヘレニズム期は、通例、紀元前323年アレクサンドロス大王の死から始まって、紀元前146年のローマによるギリシア中心地の完全征服または紀元前31年アクティウムの海戦後アレクサンドロス帝国に残った後継国家の最終敗北（すなわち共和制ローマの終焉）で終わりを迎える。これは以前の時代よりもはるかに長期であるため、少なくとも2つの主な段階がある。実験性と活気に富み、ときに感傷性や通俗性も帯びる「ペルガモン」様式、そして紀元前2世紀には、より厳格な簡素さと優雅さを備えた古典回帰の傾向が現れた。こうした一般化はあるものの、特に後年の模刻だけが知られている場合（それが通例なので）年代判定は一般にかなり不確定である。最初のペルガモン様式はその名を冠するペルガモンと特に関連はなく、非常に裕福なその国の王族が最初に古典期の彫刻を蒐集したり模倣して、多くの新しい作品の制作を依頼した。そこには新様式の好例であるペルガモン祭壇や古代七不思議であるマウソロス霊廟、バチカン美術館所蔵の有名な『ラオコーン像』などがあり、後期の例としては『瀕死のガラティア人』がある。これは紀元前228年頃にペルガモンで制作を依頼された群像の一部であった青銅原作を、後世の大理石模刻によって伝えるものであり、同じ群像に由来する『ガラテア人とその妻』も後世の模刻である。『ファルネーゼの雄牛』と呼ばれる作品群は、恐らくオリジナルが2世紀の大理石でさらに大型かつ複雑だったという。

ギリシアのテラコッタ製小像は、家庭内の装飾品として非常に普及した

ヘレニズム彫刻では表現される主題の範囲が大幅に広がった。これは全体的な繁栄の結果であり彫刻で飾られた大きな屋敷を持つ非常に富裕な階層も出現したが、家庭に最適と思われる主題（動物と一緒にいる子供など）の例が幾つか寺院や公共の場所に置かれていた事実が分かっている。広く普及した家庭用装飾品としてタナグラ人形や他の中心地より工業規模で生産された小さな陶製人形が存在しており、宗教的なものもあれば、動物を表したもの、優雅な衣裳を羽織った女性を表したものもあった。彫刻家は、さまざまな感情や個人の人柄を伝える表情を表現する熟練技術を有するようになり、異なる年齢や人種をも表現するようになった。霊廟のレリーフはこの点でやや例外的であり、当時の彫刻の多くは自立像であった。『ラオコーン像』やガリア人の勝利を祝うペルガモンのガリア人像群のように、丸彫りとして全周から鑑賞できる群像構成は従来稀だったが普及するようになった。『バルベリーニのファウヌス』は恐らく泥酔の後に眠りに落ちた牧神ファウヌスを表したもので、この時代に主題選択が広がったことを示す例であり、英雄には及ばない主題でも大型かつ高価な彫刻を作る環境が整ったことを示している。

アレクサンドロスの征服後、ヘレニズム文化は近東の大部分および中央アジアの一部の宮廷で支配的であり、ヨーロッパ（特に古代ギリシア植民地が最初に南部の大部分を支配していたイタリア）の特権階級でますます採用された。ヘレニズム美術や芸術家は非常に広範に拡散し、拡大する共和制ローマ国内およびヘレニズム世界の東端で仏教と出会った時、特に影響を及ぼした。現在のレバノンにあるシドンで発見された巨大ないわゆるアレクサンドロス石棺は、ヘレニズム文化を受けたペルシャ統治者のためにこの時代の初期に恐らく国外で活動していたギリシア人芸術家によって作られた。この時代の富は、彫刻を施した宝石やカメオ、ジュエリー、金器や銀器など、豪華な形の小型彫刻の生産を大幅に増加させた。

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  『リアーチェのブロンズ像』紀元前460-340年頃。海から回収された非常に珍しいブロンズ像
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  『幼児ディオニュソスを抱くヘルメス』紀元前4世紀。オリジナルは恐らくプラクシテレスの作
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  優雅な女性達。陶器像、紀元前350-300年
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  『馬のブロンズ像』紀元前2-1世紀。メトロポリタン美術館所蔵
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  『サモトラケのニケ』紀元前190年頃。ルーブル美術館所蔵
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  『ミロのヴィーナス』紀元前130-100年頃のギリシア。ルーブル美術館所蔵
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  『ラオコーン像』紀元前200-20年頃、ヘレニズム後期のギリシアだが恐らく模刻の大理石像。バチカン美術館所蔵
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  『ベルヴェデーレのアポロン』130-140年頃、ローマの模刻。オリジナルは、紀元前330-320年頃にレオカレスが作ったとされる。バチカン美術館所蔵

ギリシア時代後のヨーロッパ

ローマ彫刻

トラヤヌスの記念柱の一部、113年。ダキア戦争の様子を表したもの

初期のローマ美術は、ギリシア美術および近隣にあるエトルリア美術（これ自体が貿易相手国ギリシアの影響を多大に受けた）からの影響を受けた。エトルリアの特色はほぼ等身大という墓用のテラコッタ肖像彫刻で、通常は石棺の蓋の上に横たわっていて、その当時は片肘を突き上げる食事の姿勢だった。拡大する共和制ローマがギリシア領土を征服し始めると、最初は南イタリアで、それからパルティアの極東を除くヘレニズム世界全体で、高官およびパトリキの彫刻が主にヘレニズム様式の延長線上のものとなった。特にローマ時代の模刻のみ現存しているギリシア彫刻が多いため、具体的にローマの要素を解きほぐすのは困難である。紀元前2世紀までに「ローマで活動する彫刻家の大半」がギリシア人であり、コリントスの征服(紀元前146年)などで奴隷にされた者も多く、大半がギリシア人かつ多くの場合奴隷でもあった彫刻家は、名前が記録されることが稀だった。戦利品や強奪または商取引の結果として、膨大な数のギリシア彫像がローマに輸入され、しばしば神殿が再利用のギリシア作品で装飾された。

イタリア固有の様式は墓の慰霊碑で見ることができ、これはほとんどの場合裕福な中流階級ローマ人の肖像胸像で現れ、肖像は間違いなくローマ彫刻の主な強みである。名門諸家の葬儀での行列に身に着けたり、また普段は家に展示されていた先祖の仮面の伝統からは現存するものは何もない。ただし現存する多くの胸像は、恐らくスキピオ家の墓や後世では郊外の一族の墓や後世の郊外霊廟に収められた先祖の像を表すものに違いない。ルキウス・ユニウス・ブルトゥスと思われる有名な頭部ブロンズ像は年代に異論も多いが、共和制の下におけるイタリア様式のきわめて稀な現存するブロンズ媒体と見なされている。同様に、共和制後期の硬貨にも厳格で力強い頭部が見られ、帝国時代には硬貨だけでなく地方都市のバシリカに設置されるため帝国周辺に送られた胸像が、帝国を喧伝する主な視覚形態だった。ロンディニウムにもネロの巨像に近いものがあった（とはいえローマにある高さ30mのネロの巨像よりはかなり小さい）が現在は失われてしまった。

アラ・パキスにあるアウグストゥス像、紀元前13年。グレコ＝ローマン様式

ローマ人は一般的に歴史や神話から出た英雄的偉業の独立したギリシア作品と競争しようとしなかった。しかし早い段階からレリーフで歴史的作品を製作しており、物語のレリーフが周りに連続で取り巻いているローマの戦勝記念柱で最高潮に達する。そのうちトラヤヌスの記念柱(113年）とマルクス・アウレリウスの記念柱(193年)がローマに現存しており、そこのアラ・パキス（平和の祭壇、紀元前13年)は最も古典的かつ洗練された公的なグレコ＝ローマン様式の代表である。それ以外の主な例では、コンスタンティヌスの凱旋門で初期に再利用されたレリーフ、アントニヌス・ピウスの記念柱(161年)の基礎部分、大理石レリーフの安価な陶器版であるカンパーナ・レリーフがあり、浮彫りの趣向は帝国時代から石棺にまで拡大された。豪華な小型彫刻のあらゆる形状が愛用され続け、銀製ウォレン・カップ、ガラス製リュクルゴスの聖杯そしてゲメ・アウグスティアやフランスの大カメオなどの大型カメオにあるようにその品質は非常に高くなった。人口の多い広域向けに、浮彫り装飾の施された陶製花瓶や小さな置物が大量かつしばしば相当な品質で生産された。

2世紀後半の「バロック」段階を経て3世紀になると、ローマ美術は古典的な伝統彫刻を概ね放棄したか、単に製作することができなくなった（変化の原因についてはさまざまな議論がある）。最も重要な帝国のモニュメントでさえ、当時は優雅さを削ぎ落して権力を強調する単純な構成であり、厳めしい正面向きでずんぐり体型の目の大きな人物像が見られた。対照をなす有名なものがローマにあるコンスタンティヌスの凱旋門(315年)および新首都コンスタンティノープルから来たテトラルキア四帝像（305年頃、現在はベネチアにある）である。エルンスト・キッツィンガーは、両方のモニュメントで同じ「ずんぐり体型、堅苦しい動き、対称性と繰り返しを介したパーツの順序づけ、塑像よりも彫り込みを経た容貌や裾ひだ折り込みの表現」を発見して「この様式の特徴はどこをとっても硬質感、重厚感、堅苦しさの強調で構成されており、即ち古典期伝統のほぼ完全な拒絶である」と述べた。

様式におけるこの革命は、ローマ国家と大多数の人々によってキリスト教が採用された時代の直前に、大きな彫像が皇帝だけに使われて大規模な宗教的彫刻の終焉をもたらした。ただし、裕福なキリスト教徒はユニウス・バッススの石棺にあるような石棺のレリーフを依頼し続けており、非常に小さな（特に象牙の）彫刻は執政官のディプティク様式に基づいて、キリスト教徒により継承された。

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  エトルリアの石棺、紀元前3世紀
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  『ブルトゥス像』紀元前3-1世紀
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  『プリマポルタのアウグストゥス』紀元前1世紀、皇帝アウグストゥスの像。バチカン美術館所蔵
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  デキウス氏族の墓のレリーフ、98-117年
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  皇帝クラウディウスの胸像、50年頃。皇帝カリギュラ像からの作り直し。バチカン美術館所蔵
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  ヘラクレスを装ったコモドゥス、191年頃。帝国後期の「バロック」様式
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  テトラルキア四帝像、305年頃。新たな反古典様式の斑岩像。現在はサン・マルコ寺院（ベネチア）所蔵
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  フランスの大カメオ、23年頃。アウグストゥスとその家族の寓話を描いたもの

中世初期とビザンティン

鞘尻にある銀製の彫刻、800年頃。スコットランドにある聖ニニアンの島の宝物

ゲロの十字架像、965-970年頃。大型彫刻復活の最初の例。ドイツのケルン大聖堂に展示

初期キリスト教はモニュメントのような宗教的彫刻に反対していたが、肖像の胸像や石棺のレリーフおよび執政官用ディプティクなどの小物でローマの伝統は続いていた。こうしたオブジェはしばしば貴重な素材で作られ、また（知られる限り）民族移動時代の主な彫刻の伝統であった。それは6世紀サットン・フーの埋葬宝物、スキタイ美術の宝飾品、インスラ美術のキリスト教と動物文様を組み合わせた造形物などに見られる。ビザンティンの伝統継承に続いてカロリング朝美術が象牙彫刻を復活させ、しばしば壮大な装飾写本の宝飾装丁用パネルのほか司教杖先端部や他の小型装具を復活させた。

ビザンティン美術は、素晴らしい象牙レリーフや建築装飾彫刻を生み出したが、モニュメント彫刻は復興することはなく、丸彫りの小型彫刻もさほど復興しなかった。しかし、西洋ではカロリング朝とオットー家の時期に、宮廷や大きな教会でモニュメント彫刻の生産が始まった。これは徐々に普及して10世紀末から11世紀までに、アングロサクソンの教会にはエッセン大聖堂の黄金の聖母のように木枠の周囲を貴金属で覆った明らかに等身大の彫刻が幾つか記録されている。アングロサクソンの例は現存しておらず、1000年以前の大きな非建築型彫刻の例はきわめて稀である。最も優れた例はゲロの十字架像（965-970年）で、これは明らかに最も一般的な彫刻形式だった。カール大帝は800年頃にアーヘンのパラタイン礼拝堂にひとつ（十字架彫刻を）設置した。これらは特にドイツとイタリアで普及し続けた。北欧世界のルーン・ストーン、スコットランドのピクティッシュ・ストーン、それから英国キリスト教のハイクロスも恐らく、キリスト教化時代を橋渡しした北方の伝統的彫刻である。

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  象牙の大天使の象牙板、525-550年。コンスタンチノープル
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  カロリング朝後期の象牙パネル。恐らくブックカバーを意図したもの
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  『アルバヴィルの三連板』10世紀半ば。象牙製

ロマネスク

ブラウンシュヴァイクの獅子像、1166年。高さ1.78m×長さ2.79m。内部は空洞の大型鋳造

1000年頃からヨーロッパ全域で（生産と商業における一般的な経済成長に主導されて）美術生産の全般的な再生があり、新たなロマネスク様式が西ヨーロッパ全域で使われる最初の中世様式となった。新しい大聖堂や巡礼者の教会はますます建築石のレリーフで飾られ、彫刻については12世紀に教会扉の上にあるティンパヌムそして人物や物語の情景を描写した柱頭 (建築)など、新たな焦点が生まれた。彫刻がある傑出した修道院付属教会には、フランスのヴェズレー教会やモワサック教会、スペインのシロス修道院などがある。

ロマネスク芸術は、彫刻と絵画の両方における非常に活発な様式が特徴である。この時期よりも柱頭が注視されたことはなく、当時の柱頭には人物が数名いる情景全体がしばしば彫り刻まれた。大型で木製のキリストが磔された十字架像 は、玉座にたたずむ聖母の自立像と同じく、この時代初期にドイツの革新であったが、とりわけ高浮彫りが当時の彫刻の潮流だった。構図には一般に深さがほとんどなく、柱頭やティンパヌムの形にそれらを押し込むには柔軟である必要があった。しっかり囲っている枠との緊張関係（たまに構成がそこからはみ出る）がロマネスク美術で繰り返されたテーマである。人物像はその重要性に応じてサイズを変えることが多く、肖像はほとんど存在しなかった。

この時期における象牙や金属といった貴重な素材のオブジェは、モニュメント彫刻よりもはるかに地位が高く、現在では画家や彩飾家や建築家（石工）よりも作り手の名前を知っている。琺瑯の装飾を含む金属作品は非常に洗練されてきて、聖遺物を納めるために作られた多くの壮大な聖櫃が現存しており、最も知られているものがニコラ･ド･ベルダンによるケルン大聖堂の三賢者の聖箱である。ブロンズ製のグロスター大聖堂の燭台や真鍮製の聖バルテルミーの洗礼盤(1108-17)が優れた例で、金属鋳造の様式は大きく異なる。前者は複雑で躍動的に造形され、洗礼盤では最も古典的かつ荘厳なモサン様式が見られる。ヒルデスハイム大聖堂にある青銅製の扉と戦勝記念柱、グニェズノ大聖堂のグニェズノの扉、ヴェローナにあるサンゼーノマッジョーレ教会の扉もまた別の重要な現存作品である。手を洗う水の容器（水差し）であるアクアマニールは11世紀にヨーロッパに導入されたと見られており、しばしば幻想動物の形状だった。現存例の大半は真鍮製である。ロマネスクの硬貨は一般的に美的関心がさほど大きくないが、優れた印判から押された蝋の印章は複数の憲章や文書に現存している。

クロイスターズの十字架は、預言者ほか多くの人物を含む複雑な彫刻が刻まれた例外的に大きな象牙製の磔刑像で、これは名前が知られている比較的数少ない芸術家の一人マスター・ヒューゴによるもので、彼は写本装飾も手がけた。多くの作品と同じく、それは当初部分的に着色されていた。ルイス島のチェス駒は保存状態の良い象牙の小型作品で、その欠片や破片の多くが司教杖、飾り盾、佩用十字架や同様のオブジェに残っている。

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  『聖バルテルミーの洗礼盤』1108-17年。イエスの洗礼を表したもの
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  ヴェズレー教会のティンパヌム、1130年頃。フランスのブルゴーニュ地方
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  オウレンセ（スペイン）にある大聖堂のファサード。1160年
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  ガリシア州（スペイン）のサンティアゴ・デ・コンポステーラ大聖堂にある『ポルティコ・ダ・グロリア』12-13世紀頃

ゴシック

聖母と子供の象牙像、13世紀末。高さ25cm、牙の形状に合わせて曲がっている。ルーブル美術館所蔵

ゴシック時代は基本的にゴシック建築によって定義されており、その始点も終点も彫刻における様式の発展とは完全に適合していない。大きな教会、特に扉周辺のファサードは大型のティンパヌムを持ち続けたが、その周囲にも人物彫像の列が広がっていった。シャルトル大聖堂の西側表玄関の彫像(1145年頃)は優雅ながら柱状の伸長を誇張して見せているが、南側袖廊玄関の彫像(1215-1220)はもっと自然主義的な様式で背後の壁からの剥離が大きく、古典的な伝統の意識も若干見られる。これらの傾向は数年後ランス大聖堂の西側表玄関で継続され、そこでは人物像がほぼ丸彫りになり、ゴシックがヨーロッパ全土に広がるにつれて一般的となった

イタリアではニコラ・ピサーノと息子ジョヴァンニがしばしばプロト・ルネサンスと呼ばれる様式を発展させ、これはローマ石棺からの洗練された群衆構成の紛れもない影響を受けたもので、シエナ大聖堂説教壇(1265-68年)、ピサ洗礼堂説教壇(1260年)、ペルージャにあるマッジョーレ噴水、ジョヴァンニによるピストイアの説教壇(1301年)のレリーフに見られる。もう一つの古典様式の復活は、1400年頃のフランスにおけるクラウス・スリューテルとその弟子による国際ゴシック様式の作品に見られる。後期ゴシック彫刻は大型の木製祭壇の流行と共に北部で継続し、名工の彫刻と多数の表情豊かな人物像が増えていった。その多くがさまざまな場所で偶像破壊され、最も多くの現存作品はドイツにある。ティルマン・リーメンシュナイダー、ファイト・シュトースなどは16世紀に入ってからイタリアのルネサンスの影響を徐々に吸収した

石やアラバスターでできた墓の等身大肖像は富裕層で人気を博し、壮大な複数層からなる墓廟へと発展し、ヴェローナのスカリジェレ家の霊廟は教会の外に移動させなければならないほど大きかった。15世紀までに、石の飾壁を買う余裕のない経済的に限られた教区向けに、英国ノッティンガム産アラバスターの祭壇レリーフをヨーロッパ各地へ輸出する産業が成立していた。主に俗人向けで多くの場合女性市場向けの小型彫刻が、パリや他幾つかの中心地でかなり大きな産業となった。象牙彫刻の種類には、礼拝の小さな多翼祭壇、聖母子像、鏡匣、櫛、ロマンス文学の情景を描いたロマンス物語の棺など、結納品として贈呈されたものが含まれた。非常に富裕な階層は、デュック・ド・ベリーのホーリー・ソーン聖遺物箱のような宝石と琺瑯を精緻にちりばめた世俗的かつ宗教的な金属作品を蒐集し、資金が不足すると溶解して現金化されることもあった。

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  シャルトル大聖堂の西側表玄関（1145年頃)
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  シャルトル大聖堂の南側表玄関（1215-1220年）
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  ランス大聖堂の西側表玄関、受胎告知の一団
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  ニコラ・ピサーノ作、ピサ大聖堂説教壇より『降誕』と『マギの礼拝』
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  『バンベルクの騎士』1237年。ほぼ等身大の騎馬石像としては古代以来初のもの
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  ロマンス物語の棺の蓋、1330-1350年
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  鏡匣上部の『Siege of the Castle of Love』1350-1370年。ルーブル美術館所蔵。
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  ドイツ中部のピエタ像、1330-1340年
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  クラウス・スリューテル作『Well of Moses』より、ダビデと預言者
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  ホーリー・ソーン聖遺物箱の底部『死者の復活』、金と琺瑯と宝石からなる
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  祭壇パネルの一部にある『キリストの復活』1450-1490年。彩色跡のあるノッティンガム・アラバスター
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  ティルマン・リーメンシュナイダー作『聖血の祭壇』より最後の晩餐部分、1501-1505年。ローテンブルク・オプ・デア・タウバー（ドイツ）

ルネサンス

ミケランジェロ作『ピエタ』1499年

ミケランジェロ作ユリウス2世の霊廟、1545年頃。左にはラケルとレアの像が、右には彼の『モーセ 』像がある

正式なルネサンス彫刻は、1403年のサン・ジョヴァンニ洗礼堂門扉の有名な競争から始まったとされることが多い（この優勝者ロレンツォ・ギベルティとフィリッポ・ブルネレスキの提出した試作品が現存している）。ギベルティの扉は今も敷地内にあるが、別の入口にある彼の第二の扉『天国の門』によって名声の面では影を薄くしていることは疑いようもない。こちらは1425年から1452年にかけて彼の請け負ったもので、扉は広範な背景を可能にするさまざまな深さのレリーフを備えた、輝かしい自信に満ちた古典的構成である。その間にギベルティ初期の助手ドナテッロが大理石(1408-09)と青銅(1440年代)のダヴィデ像、ガッタメラータ将軍騎馬像、ほかレリーフを含む精巧な彫像で彫刻史上重要な作品を制作した。後世の第一人者がアンドレア・デル・ヴェロッキオで、彼はヴェネツィアにあるバルトロメオ・コッレオーニ騎馬像で最もよく知られている。彼の弟子レオナルド・ダ・ヴィンチはミラノのためにグラン・カヴァッロという巨大な馬の彫刻を設計したが、これは7.3mの粘土模型の作成に成功しただけで1499年にフランスの射手によって破壊され、また彼の他の野心的な彫刻計画は完成することがなかった。

この時代は、公共芸術では国家による支援そして邸宅では富裕層による彫刻の支援の大幅な増加が特徴である。特にイタリアでは、公共の彫刻が歴史的な市内中心部の外観に不可欠な要素として残っている。教会の彫刻は、屋外の公共モニュメントが一般的になるにつれて、その多くが内部に移動した。肖像彫刻は一般的に胸像で1450年頃にイタリアで普及するようになり、ナポリのフランチェスコ・ラウラーナは瞑想的なポーズの若い女性を専門とし、アントニオ・ロッセリーノなどは凹凸のある顔立ちの人物を描くことが多かったが、幼い子供も対象だった。ピサネロの生み出した肖像メダルにもしばしば女性が描かれた。浮彫りのプラケットが鋳造金属の新たな小型彫刻の形だった。

ミケランジェロはおよそ1500年から1520年にかけて活躍した彫刻家で、『ダビデ』『ピエタ』『モーセ 』などの偉大な傑作や、ユリウス2世の霊廟、メディチ家礼拝堂などの作品は後世の彫刻家に無視できないものとなった。彼の象徴的なダビデ像(1504)は古典期彫刻から借用したコントラポストのポーズである。ダビデ像は、巨人ゴリアテを倒した後ではなくその戦い前を描いている点で、旧来作品の主題表現とは異なる。ドナテッロやヴェロッキオの作品のように勝利を見せるのではなく、彼のダビデ像では緊張して戦いに臨む様子が見て取れる。

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  フィレンツェ洗礼堂の扉より、ロレンツォ・ギベルティ作『イサクの犠牲』パネル箇所。斜めからの写真はこちら
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  ルカ・デッラ・ロッビア作『カントリア』の一部拡大、1438年頃。サンタ・マリア・デル・フィオーレ大聖堂付属博物館（フィレンツェ）所蔵
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  ドナテッロ作『ダヴィデ像』1440年代。バルジェロ美術館（フィレンツェ）所蔵
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  ドナテッロ作『ユディトとホロフェルネス』1460年頃。ヴェッキオ宮殿（フィレンツェ）所蔵
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  フランチェスコ・ラウラーナ作、女性の胸像（鋳造）
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  アンドレア・デル・ヴェロッキオ作『聖トマスの懐疑』1467-1483年。オルサンミケーレ教会（フィレンツェ）所蔵
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  ミケランジェロ作『ダビデ像』1504年頃。アカデミア美術館 (フィレンツェ)所蔵
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  ミケランジェロ作『瀕死の奴隷』1513-1516年頃

マニエリスム

アドリアーン・デ・フリース作『プシュケを持ち上げるメルクリウス』1593年。ルドルフ2世 (神聖ローマ皇帝)のために制作された、等身大サイズのブロンズ像

絵画と同様にイタリアの初期マニエリスム彫刻は、ルネサンス隆盛期の成果（彫刻においては本質的にミケランジェロを意味する）を上回る独自様式を見つけようとする試みで、これを達成するため多くの奮闘がフィレンツェのシニョーリア広場にある他の空間（ミケランジェロ作ダビデ像の隣）を埋めるための依頼で行われた。バッチョ・バンディネッリはヘラクレスとカークス像の事業を師匠から受け継ぎ、それは当時も現在も評価が分かれベンヴェヌート・チェッリーニからは辛辣に「メロンの袋」にたとえられたが、彫像の台座に浮彫りのパネルを初めて導入したことで長期的な影響を及ぼした。彼や他のマニエリスム芸術家の作品と同じく、それはミケランジェロなら残したであろう石塊を、はるかに多く削り取っている。ベンヴェヌート・チェッリーニの『メドゥーサの頭を持つペルセウス』という傑作のブロンズ像は、8方向から設計されたもので、もう一つのマニエリスムの特徴としてミケランジェロやドナテッロのダビデ像に比べると、いかにもマニエリスム的な性格を示している。もともと金細工師だった彼の有名な金と琺瑯でできた『サリエラ（塩入れ）』 (1543)が彼の最初の彫刻で、その才能を最も発揮している。これらの例が示すように、この時代は肖像画を超えた大型作品の世俗的な主題範囲が広がり、神話上の人物が特に好まれた。これらは以前だと大部分が小型の作品で発見されていた。

収集棚向けの小型ブロンズ像は、しばしば（裸体を含む）神話的な主題であり、ルネサンス様式で人気を博した。ジャンボローニャがこの世紀の後半に才能を現し、等身大の彫刻も製作しており、うち2つはシニョーリア広場のコレクションに加わった。彼とその弟子は、多くの場合2人が蛇のように絡み合う細長い「フィグーラ・セルペンティナータ」の作品を考案した。

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  フォンテーヌブロー宮殿の扉上にあるスタッコ。恐らくフランチェスコ・プリマティッチオ（楕円内を描いた）の設計、1530-1540年代
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  ベンヴェヌート・チェッリーニ作『メドゥーサの頭を持つペルセウス』1545-1554年
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  ジャンボローニャ作『サムソンとペリシテ人』1562年頃
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  ジャンボローニャ作『サビニの女たちの略奪』1583年。高さ4.1mの大理石像（イタリア、フィレンツェ）

バロックとロココ

ジャン・ロレンツォ・ベルニーニ作『アポロンとダフネ』1622-1625年。ボルゲーゼ美術館（イタリア）所蔵

バロック彫刻においては、人の集まりが新たな重要性と見なされ、人物の形にダイナミックな動きとエネルギーが備わり、彼らは何もない中央渦の周りに巻きこまれるように見えたり、外側へと周りの空間に手を伸ばしたりした。バロック彫刻にはしばしば複数の理想的な視野角があり、ルネサンスの全体的な継続を反映してレリーフから丸彫りの彫刻へと移行し、その像は広い空間の中央に配置するように設計されていた。ジャン・ロレンツォ・ベルニーニによる四大河の噴水(ローマ、1651年)やヴェルサイユ宮殿の庭にある噴水がバロック期の傑作である。バロック様式は彫刻と完全に合致しており、『聖テレジアの法悦』(1647-1652年)などの作品でベルニーニがこの時代を支配する人物だった。バロック彫刻の大部分は彫刻とは別の要素（例えば、間接照明、噴水、建造物と融合した彫刻など）を追加しており、見る者に強い体験をもたらした。芸術家は自身を古典的伝統だと見なしていたが、今日見られるような「古典期」時代のものよりも、ヘレニズム彫刻やその後のローマ彫刻を賞賛した。

宗教改革は北ヨーロッパの大部分で宗教的彫刻をほぼ停止させたが、世俗的な彫刻（特に肖像の胸像や墓の慰霊碑など）は続いており、オランダ黄金時代は金細工以外に重要な彫刻分野をほとんどもたなかった。これに対する反応もあり、彫刻はローマカトリックで中世後期と同じくらい隆盛だった。支配者や貴族の像はますます普及するようになった。18世紀に入ると大半の彫刻がバロックの系譜で続き、1762年にトレビの泉が完成した。ロココ様式は小型の作品に適しており、欧州初期のポーセリン（磁器）では理想的な彫刻形式を見いだし、フランスの住宅内装やオーストリアやバイエルンの巡礼教会などで木彫や漆喰による室内装飾にも見られる。

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  アントワーヌ・コワズヴォ作『ルイ14世胸像』1686年
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  フランチェスコ・モーキ作『聖ヴェロニカ』1640年。サン・ピエトロ寺院所蔵
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  ピエール・ピュジェ作『ペルセウスとアンドロメダ』1715年。ルーヴル美術館所蔵
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  フランツ・アントン・ブステッリ作、ロココ期ニンフェンブルク宮殿のポーセリン作品群

新古典主義

アントニオ・カノーヴァ作『アモルの接吻で蘇るプシュケ』。1787年

18世紀には、ヘルクラネウムやポンペイなど古代遺跡への関心を背景に、古代ギリシア・ローマ美術に道徳的厳粛さを見いだす新古典主義が形成された。新古典主義の彫刻では、古代彫刻を想起させる白大理石が好まれたが、古代の大理石彫刻は実際には彩色されていた。

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  ジャン＝アントワーヌ・ウードン作『ベンジャミン・フランクリン胸像』1778年。メトロポリタン美術館（米国）所蔵
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  ベルテル・トルバルセン作『イアーソーンと金羊毛』1803年
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  ジョン・フラクスマン作、バッジャー（英国）にある教会の慰霊碑、1780年。
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  ハイラム・パワーズ作『ギリシアの奴隷』1851年。イェール大学美術館所蔵

アジア

グレコ仏教彫刻とアジア

初期の仏陀立像、1-2世紀のガンダーラ。東京国立博物館所蔵

グレコ仏教美術は、ギリシア古典期の文化と仏教間の文化的融合となるグレコ仏教の芸術的発現であり、これは中央アジアでアレクサンドロス大王による征服（前4世紀）からイスラームによる征服（7世紀）までの約1000年にわたって発展した。グレコ仏教美術は、ヘレニズム美術の強い理想主義的リアリズムと人間の姿をとる仏陀の初めての表現が特色で、これは現在に至るまでのアジア大陸全域における仏教芸術のための美術的（特に彫刻での）規範を定義するのに役立っている。年代は不確定だが、地中海周辺で衰退してから数世紀をかけて、遅くとも5世紀には強いヘレニズム様式が東方に広がったと見られている。ギリシア美術の一部特徴が取り入れられたが、それ以外はグレコ仏教地域を越えて普及しなかった。特に立像はリラックスしたポーズや片足屈曲（飛翔する姿勢）が多く、後者は天女としてアジア全域に普及した。ギリシアの葉状装飾も影響を及ぼし、コリント式のインド的な変形が登場した。

グレコ仏教美術の起源は、現在のアフガニスタンにあたるグレコ・バクトリア王国(紀元前250-前130)のヘレニズムに見られ、そこからのヘレニズム文化がインド亜大陸に流入して小さなインド・グリーク朝(紀元前180-前10)が興った。インド・グリーク朝やその後のクシャーナ朝（1-3世紀）のもと、ギリシア文化と仏教文化の相互作用はガンダーラ地域（現在のパキスタン北部）で開花し（ガンダーラ美術）、さらにインドへと広まってマトゥラーの芸術やその後グプタ朝のヒンドゥー芸術に影響を及ぼし、これが東南アジアの向こうにまで拡大していった。グレコ仏教美術の影響は中央アジアに向かって北に広がり、タリム盆地や敦煌洞窟の芸術に強く影響を及ぼし、最終的には中国、韓国、日本の人物彫刻にも影響を与えた。

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  ガンダーラのフリーズ (建築)で、コリント式柱の間にプランテンの葉を持つ者達がいる。1-2世紀のブナー地区（パキスタン）。ヴィクトリア&アルバート博物館所蔵
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  風神ボレアースの断片。ハッダ (アフガニスタン)遺跡出土
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  紀元前200-180年頃に君臨し、インド北部に侵攻したデメトリオス1世 (バクトリア王)の貨幣
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  以前は彩色されていた仏陀頭部のスタッコ、3-4世紀。ハッダ遺跡 (アフガニスタン)出土
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  ガンダーラのポセイドン。古代オリエント博物館所蔵
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  仏教の神々である般闍迦(左)と鬼子母神(右)の像、3世紀。ガンダーラ
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  バーミヤンの摩崖仏、547年頃。左が1963年、右が2008年の状況。タリバンによって2001年3月に爆破された

中国

観世音菩薩の輪王坐（片膝をついて座る）像、11世紀の北宋。木と顔料

殷および西周朝の儀式的な中国の青銅器は、紀元前1500年から1000年以上の時代にわたって、中国美術に影響力を及ぼし続けた。それらは複雑な文様や動物形象の装飾を備えて鋳造されているが、人物像は避けられた（三星堆遺跡で発見された巨大な人頭像のみ例外）。紀元前221-210年に中国を統一した秦の始皇帝の墓のために壮大な兵馬俑が集められ、故人があの世で生前と同じ生活を享受できるようにするため帝国の大量の立像が陵墓内に長期間置かれており、これは古代の風習である殉葬の犠牲を置き換えたものだった。陶器や木でできた小像はその後何世紀にもわたって墓に置かれ、唐墓副葬像にて品質は頂点に達した。中国では、墓の唐三彩像から後世の釉薬を塗ったほぼ等身大の陶器製阿羅漢像（易県）といった仏像および寺院や墓の人物像に至るまで、尋常でないほど大きな陶器人物像の伝統が続いた。これらが以前の木製同等物と置き換わっていた。

中国在来の宗教は、一般に神々の偶像を大規模に用いる伝統が弱く、大型の宗教的彫刻はほぼ全てが仏教で、主に4世紀から14世紀にかけてシルクロードを経由して到着したグレコ仏教の模型を当初使っていた。また仏像は、あらゆる大型肖像彫刻の文脈でもある。他の地域とは対照的に、中世の中国では皇帝を描いた図像ですら私的なものと見なされた。皇帝陵には、実在動物および神話上の動物像が並んでエジプトに匹敵する規模の壮大な墓地参道があり、小型の像は寺院や廟を飾っている。

小さな仏像やその一群がさまざまな材質で非常に高品質に制作されたほか、あらゆる種類のレリーフ装飾小物（特に金属細工や翡翠細工）も製作された。以前の時代は、大量の彫刻が磨崖仏など岩石浮彫の形で、巡礼用洞窟施設の天然石に彫り刻まれた。これらの大部分はもともと彩色されていた。士大夫の画家とは対照的に、あらゆる種類の彫刻家は職人と見なされており、名前が記録されたものはごく少数である。明朝以降は、宗教上の人物や世俗的な人物の小像が中国の磁器にて製作され、重要な輸出品となった。

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  青銅器の鼎、紀元前13-10世紀の殷代末期。
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  墓守りの像は一般的に魂を保護または導くために墓の扉内側に置かれた。紀元前3世紀の戦国時代 (中国)
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  兵馬俑から出土した等身大の騎兵像、紀元前3世紀の秦朝
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  金怪獣像、紀元前475-221年の戦国時代。神木市納林高兔村出土。陝西省歴史博物館所蔵
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  踊り娘の人形（墓の副葬品）、前202-西暦220年の漢代
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  青銅製の七牛貯貝器、紀元前2-1世紀の前漢時代。上海博物館所蔵
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  唐墓副葬品の唐三彩、唐代(617-907)。馬と馬丁
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  仏陀坐像、650年頃の唐代
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  楽山大仏、唐代803年に完成
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  木造の菩薩像、宋代(960-1279)
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  ヒスイの龍耳杯、宋代12世紀
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  何朝宗作『観世音菩薩像』中国白磁、明代17世紀初頭
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  パイプを持つ男の景徳鎮磁器像、明代の万暦帝治世(1573-1620)
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  雍和宮の屋外にある石獅像、清代1694年

日本

東大寺盧舎那仏像（奈良の大仏）、752年

日本に現存する最古級の彫刻としては、縄文時代の土偶が挙げられる。日本大百科全書は、土偶を魔除けや出産に関わる呪物として位置づけ、続く古墳時代には埴輪が葬送儀礼用に古墳を飾るようになったと説明している。これらは仏教文化の輸入以前に成立したもので、日本における彫刻の原初的な感覚を示すものとされる。

飛鳥時代には、仏教公伝に伴って大陸から仏教彫刻の技法が伝わり、渡来系の技術者を中心として仏像が制作された。代表作には法隆寺金堂釈迦三尊像、救世観音像、百済観音像、中宮寺・広隆寺の弥勒菩薩像などがある。奈良時代には、木彫、塑造、乾漆、鋳造の諸技術が発達し、薬師寺の薬師三尊像、興福寺の十大弟子像・八部衆像、東大寺法華堂の諸像、唐招提寺の鑑真像など多くの仏像が制作された。

平安時代には塑像や乾漆が衰え、木彫が盛んになった。前半期のいわゆる貞観彫刻では、一木から体躯の主要部を刻む一木造が特徴となり、密教の影響を受けた力強い像も多く作られた。平安後期には和様化が進み、定朝が平等院鳳凰堂阿弥陀如来像に代表される定朝様を確立した。定朝はまた、従来の一木造に対し、複数材を組み合わせる寄木造の造像法を完成させたとされる。鎌倉時代には写実的な彫刻が復活し、運慶、快慶、湛慶、康弁らの慶派仏師が個性的な作品を残した。

室町時代・桃山時代には、仏像彫刻に加えて能面や建築装飾彫刻が発達し、欄間などに豪華な浮彫りや透彫りが行われた。この傾向は江戸時代にも継承され、日光東照宮の装飾彫刻は代表例の一つである。また江戸町人文化のなかでは、印籠、根付、櫛、簪などの日用品・装身具に、人物や鳥獣を表す精細な彫刻が施された。

近代には、1876年（明治9年）にイタリア人ラグーザが来日し、工部大学美術学校で塑造や大理石彫刻など西欧の技法を伝えた。1887年には東京美術学校が開かれ、フェノロサや岡倉天心によって日本古来の木彫が再認識され、1898年には同校に塑造科も設けられた。第二次世界大戦後は、抽象彫刻の出現、素材の多様化、野外彫刻や都市空間との関係の拡大が進み、木・石・ブロンズに加えて鉄、ステンレス、アルミニウム、セメント、プラスチック、ガラス、廃材や器物なども用いられるようになった。

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  「火焔型」土器、紀元前2750年頃の縄文時代。把手や縁に装飾を施した土器、高さ61cm×直径55.8cm
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  目がゴーグルのような遮光器土偶、紀元前1000-400年
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  埴輪、6世紀
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  法隆寺中門の金剛力士立像（守護神の仁王像）
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  東寺の帝釈天半跏像、839年
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  「兎が見る秋の月」が彫られた日本刀の鍔、金と銀と銅、1670-1744年
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  和泉屋友忠作、犬の形をした根付、18世紀末。
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  鈴木長吉作『鷲置物』1892年。東京国立博物館所蔵
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  山田長三郎作『風神』、鉄の彫金、1915年頃。

インド

グプタ朝の陶器レリーフ、5世紀。ヒンドゥー教の神クリシュナが馬の悪魔ケーシーを倒すところ

インド亜大陸で既知の最初の彫刻は、現在のパキスタンにあるモヘンジョダロやハラッパー遺跡で発見されたインダス文明(紀元前3300-1700年)のものである。これには有名なブロンズ製の踊り子像や神官王像が含まれる。しかし、こうしたブロンズ像や石像は稀であり、陶器の置物や石印の方が数多く、動物や神々がしばしば非常に精細に描かれている。インダス文明の終焉後、ダイマバード出土の紀元前1500年頃（若干の論争あり）の銅像群を除けば、仏教時代まで彫刻の記録はほとんどない。そのためインドでの石のモニュメント彫刻の伝統は他の文化との関連で始まったと見られており、インド文明の発展は比較的遅く、紀元前270-232年までのアショーカ王治世にインド周辺に建てられたアショーカ王碑文の石柱（彼の法勅が刻まれ、柱頭には主に獅子などの動物彫刻があったことで有名）のうち6本が現存している。大量の具象彫刻は、主にレリーフで、初期仏教の巡礼用（とりわけサーンチーの）仏塔からのものが現存している。これらは恐らくヒンドゥー教も取り入れた木材使用の伝統から発展したものである。

1-3世紀におけるマトゥラーのヒンドゥー教、ジャイナ教、仏教の桃色砂岩彫刻は、インド生来の伝統とガンダーラのグレコ仏教美術を通じて受けた西洋の影響を双方とも反映しており、その後のインドの宗教的彫刻の基礎を効果的に確立した。この様式はインド彫刻にとって「古典」時代であるグプタ帝国(320-550年頃)の下で発展および普及していき、ここにはエローラ石窟群および僅かに後世だがエレファンタ石窟群が含まれる。後世の大規模な彫刻はほぼ全てが宗教的なもので、全般的にかなり保守的で、神々は単純な正面立ち姿に戻ることが多かった（ただしアプサラスやヤクシニー (夜叉)などの付随的な精霊は官能的にくねるポーズをとることも多かった）。その彫り方は多くの場合非常に精細で、主神の背景が入り組んだ高浮彫りだった。南インドで見つかったチョーラ朝( 850-1250年頃)の有名なブロンズ像は、多くが行進で運ばれるように設計されており、シヴァの象徴的な形ナタラージャ像が含まれるほか、前代パッラヴァ朝に遡るマハーバリプラムの巨大な花崗岩彫刻もある。

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  モヘンジョダロの『踊り子』像（レプリカ）、紀元前3千年紀または紀元前2千年紀
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  アショーカ王碑文石柱頂部の毘舎離、紀元前250年頃。ビハール州
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  サーンチーにある仏舎利塔の門、100年頃か恐らくそれより昔。密に配されたレリーフ
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  仏像、サールナート出土、5-6世紀
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  巨大な三神一体像、エレファンタ石窟群
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  岩を切り出した石窟寺院、エローラ石窟群
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  ジャイナ教祭壇、開祖のマハーヴィーラほかティールタンカラ3人の像あり。6世紀
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  チョーラ朝のナタラージャ像、1000年
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  中世の典型的な正面立ちのヴィシュヌ像、950-1150年
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  カジュラーホー寺院群のレリーフ
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  典型的なくねるポーズの女神ヤクシニー (夜叉)像、1450年頃。大理石像、ラージャスターン州
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  ティッライ・ナタラージャ寺院のゴープラム、塗装された彫像の列が密集している。タミル・ナードゥ州のチダンバラム
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  スリ・ジャラガンディースワラー寺院の祠(Mandapam)の入り口にある守護神の彫刻。タミル・ナードゥ州のヴェロール

東南アジア

9世紀クメール朝のまぐさ石

この地域の彫刻は高度な装飾が特徴になっている傾向があり、アンコールワットや各地のヒンドゥー教ならびに仏教のクメール彫刻(9-13世紀)の巨大なモニュメント、ジャワ島にある巨大な9世紀の仏教複合施設ボロブドゥール寺院遺跡群、バリ島にあるヒンドゥー教のモニュメントなどに見られる。そのどれにも多くのレリーフだけでなく丸彫りの像がある。ボロブドゥールには、2,672枚のレリーフ、504体の仏像、半ば非公開だが透かし彫りを施した多くの仏舎利塔、多くの大きな守護神像がある。

タイ、ラオス、ミャンマーなど大陸部東南アジアでは、仏教彫刻が寺院・修道院・私的礼拝の文脈で重要な役割を占めた。木材・漆・金箔などの素材が用いられたが、保存状況は素材や地域環境によって大きく左右される。

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  ボロブドゥール寺院遺跡群のレリーフ、インドネシア760-830年頃。
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  ボロブドゥール寺院遺跡群の毘盧遮那仏像。インドネシア、760-830年頃
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  擬人化された埋葬用甕棺、フィリピンサランガニ州マイタム出土、前5-370年頃
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  ブロンズの観世音菩薩胴体像、タイ南部チャイヤー郡出土、8世紀頃のシュリーヴィジャヤ王国美術
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  ブロンズの観世音菩薩像、ペラ州（マレーシア）のビドール出土、8-9世紀頃
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  アグサン像、南アグサン州（フィリピン）出土、9-10世紀
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  ヴィシュヌ像、プノン・クーレン（カンボジア）出土、800-875年頃のクメール王朝美術
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  サリマノック像、ラナオ（フィリピン）出土
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  ジャヤーヴァルマン7世頭部像、カンボジア、12世紀後半のクメール王朝美術
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  アーナンダ寺院の仏像、バガン（ミャンマー）、1105年頃
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  アプサラスを浅浮き彫りした石、バイヨン寺院（カンボジア）出土、1200年頃
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  般若波羅蜜多菩薩像、ジャワ島東部（インドネシア）、13世紀のシンガサリ王国美術
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  天馬ブラークのイスラム彫刻、フィリピン南部
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  ワット・シーチュム (スコータイ)のアチャナ仏、大きなスコータイ仏坐像、タイ、14世紀頃
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  ホープラケオ寺院の「大地を見下ろす仏像」、仏陀の印相（手の形）は触地印。ビエンチャン（ラオス）

イスラーム文化圏

彩色の痕跡がある象牙彫刻、11世紀から12世紀のエジプト

イスラーム教の布教が始まる直前のアラビアでは神像を使用した宗教的儀式が盛んであり、その神像は例えば、石の彫刻像などであった。イスラーム教はこうした神像を「偶像」と呼び、その宗教伝統を「偶像崇拝」として厳しく批難した。このような歴史的文脈を持って成立した宗教であるため、この宗教の影響下にあった文化圏では造形美術の発展が抑制された。しかしクルアーン中に「造形すること」を明示的に禁じる言葉は存在せず、造形美術に対してどのような態度をとるかは、各時代・各地域の為政者や知識人に解釈・判断が委ねられた。例えば、マグリブ西方イスラーム世界では厳格な態度が取られてきたのに対し、ペルシアやインドでは緩やかであった。造形表現の形態によっても異なり、立体的造形表現（ティムサール）、特にスタンドアローンで成立しているような形態の表現は忌避された。アラビア語では平面的な造形表現をタスウィール taṣwīr といい、立体的な造形表現をティムサール timthāl というが、壁面レリーフやファサード飾りはタスウィールにカテゴライズされる。動植物に象る立体彫刻であっても壁面レリーフやファサード飾りの一部を構成する限りは許容された。造形表現の置かれる文脈によっても解釈は影響を受け、公的空間に置かれるような宗教的な聖画や聖像の類は偶像崇拝と紛らわしいため一切制作されなかったが、権力者や富裕な市民が私的空間で使用する実用物に彫刻される場合には宗教的規制の及ばないことも頻々であった。

レリーフや透かし彫りにおける彫刻の大部分はアラベスクの装飾で、野菜のモチーフに基づきながらも幾何学的文様の傾向がある。ごく初期のムシャッター宮殿のファサード（740年代、現在は大半がベルリンにある）では、高浮彫りで密集したアラベスクの中に動物がおり、浅浮き彫りでは動物や人間の像が後世の多くの装飾と関連して、金属細工、象牙、陶器などのさまざまな素材で見つかっている。

丸彫りの動物像は、そのオブジェが明らかに実用的であれば私的な文脈で使われるものとして受け入れられることも多く、そのため中世のイスラム美術には多くの金属動物像が、水差し、香炉、噴水の土台（アルハンブラ宮殿の有名な噴水を支える石のライオンなど）等に見られ、中世イスラム最大で知られる動物像ピサのグリフィンで最高潮に達する。同様に、短剣の柄や杯などの高級な貴石彫刻も動物形状を取る（特にムガル美術だと）場合がある。厳格なイスラム規則でのこうした緩和容認の程度はその時期や地域によって異なり、イスラム圏スペイン、ペルシア、インドがしばしば緩和をもたらした

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  ムシャッター宮殿のファサード、ダマスカス近郊より出土、740年代
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  ピサのグリフィン、高さ107cm、恐らく11世紀
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  青いアラベスク装飾の背景に白い書道作品がある陶器板の一部、サマルカンド出土、15世紀。
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  ヒスイ、金、ルビー、エメラルドでできた柄のついているムガール帝国時代の短剣。刀身は金がちりばめられたダマスカス鋼

アフリカ

仮面。ガボン出土

2体のチワラ、19世紀末-20世紀初頭。メス（左）とオスの動物を模したもの。シカゴ美術館所蔵

一部のエジプトのモニュメント彫刻を除き、歴史的にアフリカ彫刻の多くは木材などの有機素材で作られており、数世紀以前のものは残りにくい。古い陶器像は多くの地域から発見されている。仮面は人物像と共に多くの人々の芸術における重要な要素で、しばしば高度に様式化された。同じ文化圏のなかでも、用途に応じて様式は大きく変化しうるが、広域的な傾向も認められる。彫刻は、西アフリカのニジェール川とコンゴ川による洪水を受けた地域にいる定住栽培者集団の間で最も普遍的である。神々の直接的な姿は比較的稀だが、特に仮面はしばしば宗教的儀式のために作られていた。現在では、その多くが観光客向けの「エアポート・アート」として作られている。アフリカの仮面はヨーロッパのモダニズム芸術に影響を与えた。

クシュ王国のヌビア（現:スーダン）は、エジプトと密接かつしばしば敵対的接触しており、様式が大きく派生したモニュメント彫刻を北方で制作した。西アフリカにて最初期で知られている彫刻は、紀元前500-西暦500年にかけて繁栄したノク文化（現:ナイジェリア）の彫刻で、粘土像は通常細長い体と角ばった形状である。その後の西アフリカ文化は、宮殿を飾るレリーフのためのブロンズ鋳造を生み出し、中でも12-14世紀にヨルバ人の町イフェ周辺で出土したテラコッタと金属でできた非常に優れた王族の頭部像やベニン・ブロンズが有名である。アカンの分銅は、1400-1900年にかけて制作された小さな金属彫刻の一種で、一部は明らかにことわざを表現したものでアフリカ彫刻の中では珍しい物語的な要素があり、王族のレガリアには印象的な金彫刻の要素が含まれていた。

西アフリカから中央アフリカにかけての彫刻には、宗教儀礼、祖先崇拝、王権表象、仮面舞踊などと結びつく木彫や金属造形が多く見られる。これらは単なる造形物ではなく、儀礼の場や社会的文脈の中で意味をもつものとして制作・使用された。

アフリカ大湖沼にいる人達は彫刻で知られていない。しかし、この地域の様式の一つがヒトの形に彫られて幾何学模様で装飾された柱の彫刻で、その頂部に動物、人、さまざまな物体の像が彫られている。この柱は墓の隣に安置され、死後や先祖の世界と関連付けられている。グレート・ジンバブエ遺跡発祥で知られる文化は彫刻よりも印象的な建造物が残っているものの、石鹸石でできた8体のジンバブエ鳥（ジンバブエの国旗参照）が特別な意味を持っていたようであり、モノリスに取り付けられていた。石鹸石を使った近現代のジンバブエ彫刻家は国際的な成功を収めている。南アフリカ最古で知られる粘土像は西暦400-600年頃に遡るもので、人間と動物の姿が混じった円筒形の頭部である。

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  ノク文化のテラコッタ、前6-6世紀。
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  イフェの頭部テラコッタ像、恐らく12-14世紀。
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  ヨルバ人の頭部ブロンズ像、イフェ（ナイジェリア）。12世紀
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  「女王母」彫刻、ベニン王国出土、16世紀
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  象牙の仮面、ベニン王国出土、16世紀
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  ベニン・ブロンズ、16-18世紀。ナイジェリア
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  仮面、19世紀。ブルキナファソ
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  マンビラ族の像、ナイジェリア

エチオピアとエリトリア

エチオピアとエリトリアの彫刻製作は、古代のダモト王国とアクスム王国に遡ることができる。キリスト教芸術は、4世紀のアクスム王エザナの治世期に土着信仰からの宗旨替えでエチオピアで築かれた。キリストの像はアクスム王国期および後の時代に教会を飾った。例えば、ラリベラでは等身大の聖人像がベト・ゴルゴタ教会に彫られた。教会は12世紀ザグウェ朝の統治者ゲブレ・メスケル・ラリベラ治世で伝統的に作られたが、それらは15世紀ソロモン朝期に製作された可能性が高い。ただし、入り組んだ彫刻を含むラリベラの岩窟教会群の一つ聖ゲオルギウス聖堂は、10-13世紀に建てられたことが考古学によって証明された。

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  ティグレ州出土の石像、紀元前6-5世紀
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  アクスム王国初期の、注ぎ口のある瓶
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  アクスムのオベリスク、4世紀
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  行列用十字架、12世紀のザグウェ朝
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  ラリベラのベト・ゴルゴタ教会に刻まれた等身大の聖人像の一つ、15世紀（伝統的にゲブレ・メスケル・ラリベラ治世で作られたと考えられている）

スーダン

古代のスーダンにおける彫刻の発展は、紀元前2500年頃より始まるケルマ文化の単純な陶器からクシュ王国のモニュメント彫刻や建築まで、その最終段階ではメロエ王国時代の350年頃（エチオピアのアクスム王国による征服）まで続いた。陶器以外にも、ケルマ文化では金牛の蹄をベッドの脚に見立てた彫刻の家具が作られた。クシュ王国時代の彫刻には、全身の（特に王と女王の）彫像、小立像(王の侍従を描いたものが最も一般的)、石のレリーフなどがあり、これらは同時代の古代エジプト彫刻の伝統の影響を受けた。

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  ケルマ文化の陶磁器水差し
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  ヌビア王タハルカのウシャブティ、ヌビアのピラミッドより出土、紀元前690-前664年のエジプト第25王朝
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  クシュのナパタ王家アヌラマニの像、紀元前620-580年頃
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  石柱と象の彫刻、ムサワラ・エス・スフラにある複合寺院の一部、紀元前3世紀
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  アリカンカーラー王子が敵を刺す様子を描いたレリーフ、彩色の痕跡あり。1世紀初頭クシュのメロエ王国時代
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  メロエ王国の統治者アマニトレのレリーフ、1世紀

アメリカ大陸

現在のラテンアメリカにあたる地域の彫刻は、北のメソアメリカと南のペルーを中心とするアンデス地域という、異なる二つの地域で発展した。両地域とも当初は石の彫刻で、後にテラコッタと金属の制作でも技術的に高度な水準に達した。メソアメリカ地域では、オルメカ文明とトルテカ文明の巨大なブロック状の作品からマヤ文明やアステカ文明を特徴づける素晴らしい浅浮き彫りまで、多くのモニュメント彫刻が製作された。アンデス地方では、一般的に彫刻は小型ながら優れた技術も見られる。

先コロンブス期

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  赤ん坊の小像、紀元前1200-900年のオルメカ文明
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  翡翠の仮面、紀元前1000-600年のオルメカ文明
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  巨石人頭像No. 3、紀元前1200-900年のオルメカ文明
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  ラ・モハーラの石碑1号、2世紀
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  チャルチウィトリクエ像、テオティワカン出土、200-500年。
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  テオティワカンの仮面、200-600年。
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  羽の生えたヘビの像、テオティワカンにある神殿の一部。200-250年
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  「コウモリの神」またはジャガーの形をした骨壷、オアハカ（メキシコ）、300-650年
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  モチェ文化の鐙型注口土器、ペルー、前100-西暦700年
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  パレンケ王キニチ・ハナーブ・パカル1世の像、マヤ、603-683年
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  パレンケ王アーカル・モナーブ3世の像、8世紀
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  キニチ・ウパカルの像、パレンケ、8世紀
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  ハイナ島様式の小像（マヤ人）、650-800年
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  ベラクルス古典文化の顔面像、600-900年
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  トゥーラ遺跡の戦士像、1000年頃
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  『双頭の蛇』素材は木材とターコイズ、アステカ（の恐らくミシュテカ）、1400-1521年頃

北米

聖ヤコブのパネル、1760年頃。サンタフェ (ニューメキシコ州)のクリストレイ教会にある祭壇飾り壁の一部分

北米では、トーテムポール、仮面、家庭用品、戦争用カヌー、ほかさまざまな用途のために木材が彫刻され、異なる文化や地域間で独特の多様性があった。最も発展した様式は北西海岸美術のもので、ここで精巧で高度に様式化された一群の様式が発展を遂げ、現在も続く伝統の基礎を形成している。有名なトーテムポールに加えて、塗装および彫刻されたロングハウス は、内側と外側に彫刻された柱であったり故人の像や物品によって補完されていた。極北のイヌイットの間でも、象牙や石鹸石での伝統的な彫刻様式が現在も続けられている。

ヨーロッパのカトリック文化の到来により、現地の職人や芸術家はバロック様式に適応し、非常に精巧なレタブロ（箱型祭壇）ほか主に教会彫刻を様々に合成した様式で製作した。カナダの最も有名な例はケベック州にあるモントリオール・ノートルダム聖堂の祭壇部分で、これは地元のアビタンによって彫られた。その後、西洋の学術的伝統の訓練を積んだ芸術家は19世紀後半まで欧州様式に従うも、特にメキシコでは、一般にチュリゲレスクと呼ばれる変化に富むバロック様式のなかで、先住民的な影響が再び表面化し始めた。先住民の作り手は、教会彫刻にもカーペンターゴシックの変種を取り入れた。有名な例の1つがブリティッシュコロンビア州の聖十字架教会である。

ヨーロッパ人到来後の北米では、先住民の木彫・仮面・トーテムポールなどの伝統に加え、ヨーロッパ系社会では植民地期以後、教会装飾、記念碑、公共建築の装飾、20世紀以降の抽象的公共彫刻などが展開した。

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  ボーグラム親子作『ラシュモア山の彫像』1927-1941年。左からジョージ・ワシントン、トーマス・ジェファーソン、セオドア・ルーズベルト、エイブラハム・リンカーン
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  アウグストゥス・サン・ゴーデン作『ロバート・グールド・ショー記念像』1884-1897年。石膏製
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  リー・ローリー作『The Sower』1928年。ミシガン州立大学のアールデコ様式レリーフ
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  ダニエル・チェスター・フレンチ作『エイブラハム・リンカーン像』1920年。ワシントンD.C.のリンカーン記念堂構内
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  トリンギット族のK'alyaanトーテムポール。1804年シトカの戦いの落命者を追悼してシトカ国立歴史公園に建てられたもの
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  フレデリック・レミントン作『The Bronco Buster』1895年（鋳造は1918年）。メトロポリタン美術館所蔵
• 
  ポール・マンシップ作『Dancer and Gazelles』1916年。ワシントンD.C.のスミソニアン・アメリカ美術館所蔵
• 
  ガートルード・ヴァンダービルト・ホイットニー作『Buffalo Bill - The Scout』1924年。コーディ (ワイオミング州)のバッファロー・ビルを記念

19世紀-20世紀初頭、初期モダニズムと写実主義の継続

エドガー・ドガ作『14歳の小さな踊り子』1879-80年頃（混合素材の塑像からの鋳造は1922年）。ブロンズと綿で部分的に着色

近代古典主義は19世紀の古典的な彫刻と多くの点で対照的であった。19世紀のものは、自然主義への傾倒（アントワーヌ＝ルイ・バリー）や、芝居がかっていたり（フランソワ・リュード）、感傷的であったり（ジャン＝バティスト・カルポー)、ある種の厳かな壮大さ(フレデリック・レイトン）を特徴としていた。古典的伝統のなかでいくつかの方向転換が世紀の変わり目に見られたが、実在のモデルとルネサンス以降の伝統研究が彼らにとって依然として基本的なものだった。オーギュスト・ロダンは20世紀初頭のヨーロッパで最も有名な彫刻家の一人である。彼はしばしば印象派彫刻家と見なされ、カミーユ・クローデルやヒューゴ・ラインホルドなどの弟子たちは、日常生活の一瞬をモデルにしようとした。 近代古典主義は、自然主義への関心は低く、厳格な様式化への強い関心が見られる。容積と空間とが織りなす律動に大きな注意が払われ、同様に対照的な表面の性質（開いた、閉じた、平面的、壊れた等）にも注意が払われたが、一方で物語の叙述および解剖学や衣装の説得力ある細部にはさほど注意が払われなくなった。肉体の写実主義よりも心理的効果に大きな注意が払われ、世界各地で使われた従来様式から影響を受けた。

近代古典主義の初期には、アリスティド・マイヨール、ジョゼフ・ベルナール、アントワーヌ・ブールデル、リベロ・アンドレオッティ、グスタフ・ヴィーゲラン、ヤン・シュトゥルサ、コンスタンティン・ブランクーシなどの巨匠がいた。世紀が進むにつれて、近代古典主義はナチス・ドイツとソビエト・ロシアという2つの大きな欧州全体主義帝国の国民的様式として採用され、ドイツではゲオルク・コルベやヴィルヘルム・レームブルック、ロシアではアレクサンドル・マトヴェーエフといった芸術家の作品が選出された。ソ連の70年以上にわたって、新世代の彫刻家が彼らのシステム内で養成および選出され、19世紀のメロドラマと自然主義の強調に回帰した独自様式、社会主義リアリズムが発展した。

近代古典主義の周辺には、装飾性の強いアール・デコ、抽象化された具象表現、ゴシック的な表現性、ルネサンス回帰など、複数の傾向が併存した。

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  フランソワ・リュード作『ジャンヌ・ダルク』像、1852年。ロマン主義作品、ルーヴル美術館
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  ジャン＝バティスト・カルポー作『ウゴリーノとその息子たち』1857-1860年。メトロポリタン美術館
• 
  オーギュスト・ロダン作『カレーの市民』1889年。カレー (フランス)
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  アルフレッド・ギルバート作の通称『エロス像 』1893年。ロンドンのピカデリーサーカスにある世界初のアルミニウム像
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  ポール・ゴーギャン作『オヴィリ』1894年。部分的に艶出しした炻器、75 x 19 x 27cm、オルセー美術館
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  オーギュスト・ロダン作『考える人』1902年。ロダン美術館 (パリ)
• 
  アントワーヌ・ブールデル作『Day and Night』1903年の大理石像。パリのブールデル美術館
• 
  カミーユ・クローデル作『ワルツ』1905年。 2度目の鋳造
• 
  ヤン・シュトゥルサ作『入浴前』1906年。プラハ国立美術館
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  アリスティド・マイヨール作『夜』1909年。パリのテュイルリー庭園

モダニズム

ガストン・ラシェーズ作『Floating Figure』1927年。ブロンズ像（第7版からのNo.5）、 オーストラリア国立美術館

20世紀の彫刻では、伝統的な人体表現や石・青銅を中心とする素材観から離れ、抽象化、構成、既製品の利用、異素材の組み合わせ、キネティック彫刻、アッサンブラージュ、インスタレーションなどが展開した。

ヘンリー・ムーア作『大きな横たわる像(Large Reclining Figure)』1984年（元の小型彫像は1938年）。ケンブリッジ大学のフィッツウィリアム美術館

デイビッド・スミス作『CUBI VI』1963年。エルサレムのイスラエル博物館

20世紀初頭以降、異なる物体や素材を組み合わせる構成的な作品、既製品や発見物を用いる作品、作家の概念や設計を重視する作品などが現れ、彫刻の媒体と制作方法は拡張された。

同様に、20世紀初頭コンスタンティン・ブランクーシの作品が後世の抽象彫刻への道を開いた。ロダンや19世紀後半の彼と同時代の人達による自然主義に反旗を翻して、ブランクーシは『空間の鳥』シリーズ(1924年)の上品に洗練された形で示したように、主題をそれぞれの本質にまで昇華させた。ブランクーシの影響は、削減と抽象化という彼の語彙と共に、1930年代と1940年代を通して見られた。その影響は、ガストン・ラシェーズ、ジェイコブ・エプスタイン、ヘンリー・ムーア、アルベルト・ジャコメッティ、ジョアン・ミロ、フリオ・ゴンサレス、パブロ・セラーノ、ジャック・リプシッツなどの芸術家に見られる。そして1940年代までに抽象彫刻は、アレクサンダー・カルダー、レン・ライ、ジャン・ティンゲリー、フレデリック・キースラー（キネティック・アートの先駆者）に影響を及ぼして拡張されていった。

1950年代以降、モダニズム彫刻は公共空間にも広がり、抽象形態や環境的構成を含む大型の公共委託が増加した。パブロ・ピカソのシカゴ・ピカソのような作品は、記念碑的彫刻が歴史的人物像に限られないことを示す例である。

1950年代後半から1960年代にかけて、抽象彫刻家は鋼材、廃材、工業素材、光、音、映像、運動などを含む多様な素材・要素を導入し、作品と空間・鑑賞者との関係を拡張した。

1960年代までに、抽象表現主義と幾何学的抽象化とミニマリズム（これは彫刻を最も本質的かつ基本的な特徴にまでそぎ落とす）が中心的な潮流となった。この時代には、デイビッド・スミスのCUBI 作品群、アンソニー・カロの溶接鋼作品、ほか多種多様な彫刻家による溶接彫刻、ジョン・チェンバレンの大型作品、マーク・ディ・スヴェロによる環境インスタレーション規模の作品などがある。その他のミニマリストには、トニー・スミス、ドナルド・ジャッド、ロバート・モリス、アン・トゥルイット、ジャコモ・ベネヴェッリ、アルナルド・ポモドーロ、リチャード・セラ、ダン・フレイヴィン、カール・アンドレ、ジョン・セイファーなどがいる。

1960年代から1970年代には、抽象彫刻の展開と並行して、様式化された具象彫刻も継続し、古典的な人体表現や記念碑性を再解釈する作品が制作された。

• 
  アメデオ・モディリアーニ作『女性頭部像』1911-12年。メトロポリタン美術館
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  コンスタンティン・ブランクーシ作『Portrait of Mademoiselle Pogany』1912年。翌年のアーモリー・ショーで展示された。フィラデルフィア美術館。
• 
  オットー・グートフロイント作『チェリスト』1912-13年
• 
  マルセル・デュシャン作『泉』1917年
• 
  ジェイコブ・エプスタイン作『Day and Night』1928年。ロンドン地下鉄本社のために製作された彫刻
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  ケーテ・コルヴィッツ作『The Grieving Parents（悲嘆に暮れる両親）』1932年。（息子ピーターに向けた）第一次世界大戦追悼碑、フラーデスロー・ドイツ軍戦没者墓地
• 
  ジャック・リプシッツ作『ミューズの生誕』1944-1950年
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  バーバラ・ヘップワース作『Monolith-Empyrean』1953年
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  ジョン・チェンバレン作『S』1959年。ワシントンD.C.のハーシュホーン博物館と彫刻の庭
• 
  ヘンリー・ムーア作『衣装をまとって横たわる三つに分かれた人体(Three Piece Reclining figure),No.1』1961年。英国ヨークシャー
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  イサム・ノグチ作『Khmer』1962年。イスラエル博物館
• 
  パブロ・ピカソ作『シカゴ・ピカソ』1967年。イリノイ州シカゴ
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  ジョージ・リッキー作『Four Squares in Geviert』1969年。ドイツベルリン美術館#ベルリン美術館を構成する各部門のテラス。彼はキネティック彫刻家と見なされている
• 
  アレクサンダー・カルダー作『Crinkly avec disc rouge』1973年。シュトゥットガルトの宮殿広場(Schlossplatz)
• 
  ルイーズ・ネヴェルソン作『大気と環境 XII』1970-1973年。フィラデルフィア美術館
• 
  アンソニー・カロ作『Black Cover Flat』1974年。鋼鉄、テルアビブ美術館
• 
  ジョアン・ミロ作『Dona i Ocell（女性と鳥）』1982年。スペインのバルセロナ
• 
  ルイーズ・ブルジョワ作『Maman』1999年。ビルバオ・グッゲンハイム美術館の屋外

現代の動向

クリストとジャンヌ＝クロード作『Umbrellas』1991年。日本

デニス・オッペンハイム作『Device to Root Out Evil（悪を根絶する装置）』1997年。パルマ・デ・マヨルカ（スペイン）のポルタ・デ・サンタ・カタリナ広場

サイトスペシフィック・アートや環境アートの作品（アンディー・ゴールズワージー、ウォルター・デ・マリア、リチャード・ロング、リチャード・セラ、ロバート・アーウィン、ジョージ・リッキー、クリストとジャンヌ＝クロードによって表された）が現代抽象彫刻を新たな方向に導いた。芸術家たちは、Land Arts of the American Westプロジェクト内の広大な場所に環境彫刻を創造した。ランドアートまたは「アースアート」という環境規模の彫刻作品はロバート・スミッソン、マイケル・ハイザー、ジェームズ・タレル（の『ローデン・クレーター』）などの芸術家たちに例示された。エヴァ・ヘス、ソル・ルウィット、ジャクリーン・ウィンザー、キース・ソニア、ブルース・ナウマン、デニス・オッペンハイムほかがポスト・ミニマリズム彫刻の先駆者だった。

また1960年代から1970年代にかけて、映像、光、環境、既製品、パフォーマンス的要素を組み込む彫刻的実践が広がり、従来の自立彫刻とインスタレーション、環境芸術、メディア芸術との境界は曖昧になった。

コンセプチュアル・アートでは、作品の物質的形態や美的効果よりも、作品を成立させる概念や思想が重視される。こうした傾向は、作品そのものを作家が直接制作するのではなく、構想や指示を通じて成立させる制作方法とも結びついた。

ミニマリズム

• 
  トニー・スミス作『Free Ride』1962年。6'8 x 6'8 x 6'8(標準的な米国のドア開口部の高さ)、ニューヨーク近代美術館
• 
  ラリー・ベル作『無題(Untitled)』1964年。金メッキの真鍮にビスマス、クロム、金、ロジウム。ハーシュホーン博物館と彫刻の庭
• 
  ドナルド・ジャッド作『無題(Untitled)』1977年。ミュンスター（ドイツ）
• 
  リチャード・セラ作『Fulcrum』1987年。高さ16.7m（55ft)という耐候性鋼の自立彫刻。ロンドンのリバプール・ストリート駅付近
• 
  ドナルド・ジャッド作『無題(Untitled)』1991年。エルサレムのイスラエル博物館美術館の庭

ポストミニマリズム

• 
  リチャード・ロング作『South Bank Circle』1991年。テート・リバプール（イギリス）
• 
  ジャン＝イヴ・ルシュヴァリエ作『Fettered wing』1991年
• 
  アニッシュ・カプーア作『世界がひっくり返る(Turning the World Upside Down)』2010年。イスラエル博物館
• 
  レイチェル・ホワイトリード作『ホロコースト記念碑（Holocaust Memorial）』2000年。ウィーン（オーストリア）
• 
  マンフレッド・キールンホーファー作『Guardians of Time』2010年。光の彫刻。光の芸術ビエンナーレ（オーストリア）
• 
  ダブリンの尖塔、正式名称は『光のモニュメント(Monument of Light）』。ステンレス鋼、高さ121.2m（398フィート)という世界有数の高い彫刻

現代彫刻の諸分野

ロバート・スミッソン作『Spiral Jetty』。1970年制作（写真は2005年）

一部の現代彫刻は、環境芸術や環境彫刻として、しばしば鑑賞者の視野全体に広がる屋外空間で展開される。光の彫刻、路上彫刻、サイトスペシフィック・アートもまた環境を利用することが多い。キネティック彫刻は動くよう設計された彫刻で、モビールが含まれる。音・光・映像を組み込む作品や、空間全体を変容させるインスタレーションも、彫刻概念の拡張として扱われる。

保全

酸性雨による彫刻への損傷

彫刻は、温度、湿度、光や紫外線、大気汚染物質などの環境条件に影響を受ける。屋外に設置された作品では、素材の劣化、腐食、ひび割れ、表面の退色、付着物、鳥獣や植物による影響なども保全上の課題となる。また酸性雨は特定の建築材料や歴史的建造物にも損傷を与えうる。これは、雨の中の硫酸が石中（石灰岩、砂岩、大理石、花崗岩）にあるカルシウム化合物と化学反応して石膏を生成し、それが後に剥離してしまう。

現代彫刻の多くは公共の場所で常設展示されている。彫刻は作品として識別しやすいため、かつては盗難の対象になりにくいと考えられることもあった。21世紀初頭に金属の価値が高騰し、その金属価値のためブロンズ彫刻の大量盗難が問題になった。数百万ドルもの価値がある彫刻が、作品の芸術的価値に比べればごく一部にすぎない金属価値のために盗まれて、溶かされている。

関連項目

• 彫刻家
• 視覚芸術
• 造形芸術
• 塑造
• カービング
• 浮彫
• 石像
• 木彫り
• 銅像
• 乾漆造
• 仏像
• 仏師
• 根付
• 能面
• 建築彫刻
• モニュメント
• パブリックアート
• 彫刻庭園
• レディメイド
• アッサンブラージュ
• インスタレーション
• ランド・アート
• キネティック・アート
• モビール

参考文献

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Wiktionary日本語版（日本語カテゴリ）

彫刻

出典:『Wiktionary』 (2021/10/25 10:18 UTC 版)

発音

• (東京) ちょーこく [chòókókú] (平板型 – [0])
• IPA^(?): [t͡ɕo̞ːko̞kɯ̟ᵝ]

名詞

彫刻 (ちょうこく)

1. 美術鑑賞を目的として、様々な素材を用いて制作された立体作品のこと。狭義には、彫塑から塑造を除いたもの、すなわち素材を削りとる方法で造形していく美術作品をいう。
2. 素材を削りとる方法で造形していく美術制作法。

動詞

Weblio日本語例文用例辞書

「彫刻」の例文・使い方・用例・文例

• 彼の抽象彫刻に魅力を感じなかった
• その芸術家は絵と彫刻をやっている
• 彫刻の施してある寺院の円柱
• その彫刻師は特殊な道具で金属の表面に切り目を入れる
• 凝った彫刻がほどこされた脚のついたイタリア製のテーブル
• この彫刻は巨匠と呼べる人の作品です
• 丸彫りの彫刻
• 彼は彫刻を勉強している
• 彼はすばらしい彫刻を作った
• その美術館は古代ギリシャの彫刻を展示している
• その彫刻のとてつもない大きさ
• Driscollはポップアート運動の代表的芸術家で、この展覧会では彼の絵画やデッサン、シルクスクリーン、彫刻を含む、200 点もの作品を紹介しています。
• ホテルの部屋のベッドには美しい彫刻が施された支柱がついていた。
• 彼女は才能のある女流彫刻家だった。
• 彫刻のマケットを作る
• これらの石への彫刻または線画は歴史的に重要だ。
• 彫刻の授業の最後の課題は、槍持ちでした。
• 私は古代ギリシャの彫刻家がとても好きです。
• この彫刻は建物の入り口にあります。
• そこには多くの興味深い像や石の彫刻があります。